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miércoles, 20 de enero de 2021

INDÍGENAS DE LOS ANDES: "LOS AIMARAS"









"LOS AIMARAS"
INDÍGENAS DE LOS ANDES

Aimaras (en aimara: Acerca de este sonido [aj.ˈma.ɾa] (?·i)), a veces escrito aymara, es un pueblo indígena originario de América del Sur, que habita la meseta andina del lago Titicaca desde tiempos precolombinos, extendiéndose entre el noroeste de Argentina, el occidente de Bolivia, el norte Grande de Chile y el sureste del Perú. Alternativamente, reciben el nombre de collas. No debe confundirse con la etnia del mismo nombre que habita en el noroeste de Argentina y el norte de Chile, ni con la expresión colla, usada para referirse a los habitantes del occidente de Bolivia. Aunque no hay correspondencia biunívoca entre ambos nombres. 

Denominación 

El concepto de aimara aparece definitivamente durante la colonia y, salvo raras excepciones, no fue utilizado para identificar sociopolíticamente a ningún grupo poblacional de esa zona de los Andes. Todas estas formaciones sociopolíticas, verdaderas naciones durante los siglos xv y xvi (reinos aimaras), fueron agrupadas bajo la etiqueta “aymara”, para fines económicos, pero manteniéndose las nominaciones originarias para describir, por ejemplo, las organizaciones políticas más relevantes de acuerdo a los intereses económicos, eclesiásticos o administrativos territoriales fluctuantes de la colonia.​ 

Los antecesores de los actuales aymaras nunca supieron que se llamaban así. Los incas los llamaban collas, hasta que en 1559 Juan Polo de Ondegardo y Zárate los denominó «aymaras» a partir de la información lingüística obtenida en el Collao de una pequeña colonia de mitimaes «quechuas», pero que habían incorporado el lenguaje local y que se denominaban aymaras y provenían de los alrededores de Cuzco. Así se llamó «en español» al idioma, cuyo real nombre era jaqi aru (que significa "humanidad" y "lengua", respectivamente) y después le aplicaron ese nombre a quienes hablaban ese idioma, quienes se llamaban a sí mismos jaqi. 

Los documentos tempranos de la colonia no dan nombre propio al idioma, sino que los cronistas Cieza de León y Pedro Pizarro se refieren a él como «lengua del Collao» y «lengua de los collas» respectivamente.​ En 1559, el licenciado Juan Polo de Ondegardo, a la sazón corregidor del Cusco, escribe la relación De los errores y supersticiones de los indios tras haber convocado una junta de «indios viejos que habían quedado» (de la época inca) que le sirvieron de informadores.​ Por este medio, Ondegardo tuvo conocimiento de un grupo de mitimaes (una etnia desplazada por el estado) que era originario de la región cusqueña y que, en última instancia, había acabado asimilando el habla aimaraica de su nuevo entorno.​ Tomando la parte por el todo, se empezó a usar el nombre de la etnia trasplantada como nombre de todo el idioma, de manera que en las publicaciones producidas por el III Concilio Limense (1584-85), que incorporan también un extracto de la mencionada obra de Ondegardo,10​ aparece por primera vez la palabra «aymara» explícitamente aplicada a la lengua.​ 

Las naciones o pueblos que ancestralmente hablan este idioma eran: Aullaga, Collagua, Cana, Canchi, Caranga, Charca, Omasuyus, del aimara uma, ‘agua’ y suyu, ‘lado’; entonces significaría ‘los del lado del agua’, Pacaje de pacajaki, paca, ‘águila’, y jaquis: ‘gente’; entonces significaría ‘los hombres águila’, los Lupaca de lupijaki, Lupi, ‘sol’, y jaqui: ‘gente’; entonces significaría ‘los hombres del sol’, Quillaca y los Kollas de Qulla, ‘sabio’ entonces significaría ‘los sabios’. 

A estos pueblos se les ha atribuido una única identidad con el nombre qullasuyu (también conocido como Collasuyo) y conformaron una parte del Imperio inca. 

Origen 

La etimología original del glotónimo «aimara» (Acerca de este sonido pronunciación (?·i) [aj.ˈma.ɾa]) se encuentra dentro de lo especulativo, aunque se sabe que proviene de un etnónimo originario del departamento peruano de Apurímac. Procede de los Andes centrales en Lima,​ en la serranía central del Perú. Se fue extendiendo hacia el sur como lingua franca, y fue adoptada como lengua materna por los pueblos de la cultura wari.​ Hacia el Intermedio Tardío fue reemplazada por el quechua desde la costa hasta el Cuzco y su ingreso se habría producido, al parecer de manera violenta, por conquista militar avanzando desde el norte hacia el sur-este a lo largo de la Cordillera Occidental de los Andes y se repartieron el territorio altiplánico posiblemente bajo forma de diversos señoríos o reinos; algunos mencionados por Bertonio son: Lupacas, Pacajes, Carancas, Quillaguas, Charcas y otros. 

La historia acerca del surgimiento u origen de la cultura aymara es bastante compleja y han surgido diferentes opiniones e hipótesis acerca de ello, inicialmente se creía que esta etnia sería descendiente de la cultura Tiahuanaco, por parte de antropólogos e historiadores como Carlos Ponce Sanginés o Max Uhle, algunos de sus principales argumentos eran los siguientes: 

El cronista Reginaldo de Lizárraga describe al pueblo puquina, pero este cronista comete un error de redacción al describir que el pueblo puquina sería próspero, agricultor y ganadero, fundando así esta hipótesis, debido a que Tiahuanaco desarrolló el sector ganadero y agricultor, pero otros cronistas como Guamán Poma de Ayala describirían que el pueblo de habla puquina era muy pobre y con una carencia de vestidura, siendo esta una prueba de que Tiahuanaco no era de habla puquina, ya que en su apogeo esta cultura desarrollaría una opulencia, tal como o demuestran sus cerámicas, esculturas y textiles, destaca los trabajos de Max Uhle y demás autores acerca de la expansión del aymara en la cultura Tiahuanaco, también se indicaría la gran cantidad de vocablos aymaras en las selvas bolivianas conquistadas por Tiahuanaco.​ 

Restos arqueológicos encontrados por Carlos Ponce Sanginés demuestran que Tiahuanaco habría sufrido una guerra, guerra que derivaría en la desintegración del estado en pequeños estados regionales o señoríos aymaras, tal como demuestra el asentamiento de tiahuanaco en Caquiaviri (Capital del Señorío Aymara Pacajes), que en el apogeo tiahuanacota habría tenido una población escasa, pero en el ocaso de Tiahuanaco, habría multiplicado en relevancia y población. Ponce aplicó el método de datación de carbono 14 a restos de cerámica descubierta en sus excavaciones y estableció la cronología de la vida de Tiahuanaco, desde que era una aldea hasta su caída como Imperio debido a guerras internas y a una devastadora sequía.​ 

Los patrones de asentamiento, investigados por Jordán Albarracín, del período post-tiwanaku, indican una migración de los tiwanakotas a sus asentamientos cercanos, posteriormente esto fue reafirmado por Alan Kolata en un estudio arqueológico, realizado en 2003, reveló piezas cerámicas, correspondientes a los señoríos aymaras, con una clara estilística tiwanakota, y sin influencias externas, posteriormente esta cerámica pasaría un periodo de transición cerámica.​ 

Desaparecido el Estado tiwanaku, la región quedó fragmentada en etnias aimaras. Estos aymaras se caracterizan por sus necrópolis compuestas por tumbas en forma de torres-chullpas. Existen también algunas fortalezas denominadas pucarás. 

Sin embargo, la teoría del origen tiwanakota del aymara quedaría relegado por investigaciones históricas y lingüísticas recientes. En las últimas décadas, se tuvo un animado debate sobre los orígenes del aymara, desde tres posiciones teóricas. En tanto que Alfredo Torero (1972) y sus seguidores vieron un origen de esta lengua en la parte central del Perú, y por tanto la expansión del aymara desde allí, Teresa Gisbert (1987) y otros, en base a algunos cronistas, plantearon un origen desde el sur (desde la región de Copiapó), con una expansión al norte, en tanto que Lucy Briggs (1994) percibió un patrón de expansión desde el núcleo de Tiwanaku. Por otro lado, según Cieza de León, los aymaras son procedentes de Coquimbo, un valle del Norte Chico de Chile, John Hyslop demuestra la importancia de un sitio altiplánico llamado Coquimbo como capital lupaca y necrópolis de sus mallkus. Es decir, la ola aymara que penetra en el Urcosuyo viene de mucho más al sur de lo que pretende Torero.​ 

Por lo tanto, ambas hipótesis –de origen norteño y de origen sureño– nos muestran que el aymara no pudo haber tenido como cuna de origen el altiplano peruano-boliviano; y que tanto aymara como quechua procedían de otras zonas y que no son oriundos de la cuenca del Titicaca. La cultura tiahuanaca era multilingüe, pues se hablaban el pukina y, en menor participación, el uru. 

En la actualidad, según la mayor parte de los estudios hoy, tanto arqueológicos como lingüísticos, ambas familias de lenguas, Idioma quechua e Idioma aymara, tienen su origen en una determinada región en común de la parte central de lo que es actualmente Perú (Heggarty 2008). Este sitio fue probablemente en la sierra, aunque Alfredo Torero y Rodolfo Cerrón favorecen un sitio costeño (Cerrón 2003: 22, Torero 2002: 46). Arqueológicamente se reconoce la posibilidad del origen de ambas lenguas, en una forma pre-proto, sean aymara o quechua, en sitios como Caral-Supe (3000-1600 a.C.) o quizás Chavín (1500 a.C. – 200 d.C.). Se favorecen también los grandes horizontes arqueológicos con su mayor unidad cultural y geográfica, sobre todo el Horizonte temprano, como los motores para la expansión de ambas lenguas. Torero también propone que se hablaba una forma temprana de aymara en sitios costeños como Nasca y Paracas y que desde allí hubo una expansión al norte a la región de Yauyos y al sur a la región de Ayacucho. 

Sobre todo, está la cultura wari (550-1000 d.C.) en el Horizonte Medio que es la favorita actual entre los estudiosos, desde Torero en adelante, como el motor de la gran expansión del aymara como una lengua franca hacia el norte como hacia el sur. Quizás esta expansión se debe a la influencia de los pastores por excelencia y los guardianes de las caravanas de llamas que manejaban el comercio entre los wari y sus periferias, proceso que fue seguido por los agricultores quechuas con sus nuevas técnicas de riego y andenes en la producción de maíz. Tal vez la caída de los wari también resultó en una cesión de territorio aymara a la llegada del quechua. Cerrón habla de una tercera expansión aymara hacia el sur, desplazado por el quechua, en el período Intermedio tardío, desde la región del grupo de los Aymaraes en el Apurímac (que también podría haber dado el nombre aymara).

El Collasuyo 

A mediados del siglo xv, el reino colla conservaba un extenso territorio con su capital, Hatun-Colla. El inca Viracocha incursionó en la región, pero quien la conquistó fue su hijo Pachacútec, noveno inca. Al norte se encontraban los collas y lupacas; al sur estaba la Confederación Charca, que tenía dos grupos: los carangas y quillacas en torno al lago Poopó, y los charcas, que ocupaban el norte de Potosí y parte de Cochabamba. Tanto charcas como collas eran de habla aimara. La cultura material de los carangas presenta extensas necrópolis o chullpares, algunas de las cuales conservan todavía restos de pintura en sus muros exteriores. Una vez que los carangas fueron conquistados por los incas, Huayna Cápac los llevó a trabajar al valle de Cochabamba como mitimaes. El señorío denominado Charca, al que estaban adscritos cara-caras, fue conquistado por los incas en tiempo de Túpac Inca Yupanqui y llevados a la conquista de Quito. Por su parte, el pueblo de los cara-cara era tan belicoso como el charca y aún más. En su territorio tienen lugar aun hoy en día luchas denominadas "T'inkus". 

El inca Lloque Yupanqui inició la conquista del territorio aimara a finales del siglo xiii, la que fue continuada por sus sucesores hasta que a mediados del siglo xv fue completada por Pachacútec al derrotar a Chuchi Kápak. De todas formas, se cree que los incas tuvieron una gran influencia de los aimaras durante algún tiempo, ya que su arquitectura, por la cual son muy conocidos los incas, fue claramente modificada sobre el estilo Tiwanaku, y finalmente los aimaras conservaron un grado de autonomía bajo el imperio Inca.[cita requerida] Posteriormente, los aimaras del sur del Titicaca se rebelaron y, tras rechazar el primer ataque de Túpac Yupanqui, este volvió con más tropas y los sometió.​ 

Su población se estima en 1 a 2 millones de personas durante el Imperio inca, eran el principal pueblo del Collasuyo, ocupando todo el oeste de Bolivia, sur de Perú, norte de Chile y el norte de Argentina. Tras la conquista española en menos de un siglo se redujeron a cerca de 200 000 sobrevivientes, o menos. Tras la independencia su población empezó a recuperarse.​ 

En la actualidad, la mayor parte de los aimaras viven ahora en la región del lago Titicaca y están concentrados en el sur del lago. El centro urbano de la región aimara es El Alto, ciudad de 750 000 habitantes, y también en la La Paz, sede de gobierno de Bolivia. Además, muchos aimaras viven y trabajan como campesinos en los alrededores del Altiplano. Se estima en 1 600 000 a los bolivianos aimara-parlantes. Entre 300 000 y 500 000 peruanos utilizan la lengua en los departamentos de Puno, Tacna, Moquegua y Arequipa. En Chile hay 48 000 aimaras en las áreas de Arica, Iquique y Antofagasta, mientras que un grupo menor se halla en las provincias argentinas de Salta y Jujuy.

El aimara utilizó un tipo de proto-khipus, sistema nemotécnico de contabilidad básica común a varios pueblos precolombinos, como los de Caral-Supe y Wari (anteriores a los aimara), y los Incas. No existen evidencias de que hayan tenido un lenguaje escrito, a pesar de que algunos, como William Burns Glyn, sostienen que los khipus incaicos pudieron ser una forma de ello. 

Demografía  

Aimaras en Argentina 

La Encuesta Complementaria de Pueblos Indígenas (ECPI) 2004-2005, complementaria del Censo Nacional de Población, Hogares y Viviendas 2001 de Argentina, dio como resultado que se reconocieron y/o descienden en primera generación del pueblo aimara 4104 personas en Argentina.​ 

El Censo Nacional de Población de 2010 en Argentina reveló la existencia de 20 822 personas que se auto-reconocieron como aimaras en todo el país, 9606 de los cuales en la ciudad de Buenos Aires, 6152 en la provincia de Buenos Aires, 773 en la de Jujuy, 358 en la de Neuquén y 326 en la de Tucumán.​

Existe una única comunidad con personería jurídica reconocida por el Estado nacional, la Comunidad Aborigen Rodeo San Marcos Luján La Huerta, que es conjunta entre los pueblos aimara, kolla y omaguaca, y se encuentra en la localidad de Santa Victoria Oeste en la provincia de Salta.​ 

Aimaras en Bolivia 

La población que se auto-reconoció como aimara en el censo boliviano de 2001 fue de 1 277 881 personas. Este número bajó a 1 191 352 en el censo de 2012.​ 

Aimaras en Perú 

El Censo Nacional 2017 reveló que el 2,4 % de la población de 12 y más años de edad (548 292) se autoidentificó como de origen aimara. 

A los aimaras generalmente se les agrupa en un solo grupo etnolingüístico, pero se pueden reconocer varios grupos, entre los que destacan los lupacas, urus y pacajes. Dentro de las etnias aimaras en el Perú, también se incluyen a dos etnias aisladas geográficamente de las demás etnias aymaras que por tradición habitan los alrededores de la meseta del Collao. Estas etnias son los jaqarus​ y los kawkis, que habitan las sierras del distrito de Tupe, Provincia de Yauyos, en la región Lima. Las lenguas de estas etnias fueron estudiadas por primera vez en 1959 por Martha Hardmann, catalogándolas en la familia aru o aymara. 

AMPLIAR INFO:

AIMARAS
"LOS REINOS PERDIDOS"

martes, 19 de enero de 2021

GLOTÓN: "EL MUSTÉLIDO CON ASPECTO DE OSO"










GLOTÓN

El glotón (Gulo gulo), también llamado carcayú, es un mamífero carnívoro de la familia Mustelidae y única especie de su género.

Es un carnívoro fornido y musculoso, se asemeja más a un pequeño oso que a otros mustélidos. El glotón tiene una reputación de ferocidad y fuerza desproporcionada a su tamaño, con la capacidad documentada para matar a presas mucho más grandes que él.

Se puede encontrar principalmente en las partes remotas de los bosques boreales, subárticos y tundra alpina del hemisferio norte, con el mayor número en el norte de Canadá, el estado estadounidense de Alaska, los países nórdicos de Europa, y en todo el oeste de Rusia y Siberia. 

Sus poblaciones han experimentado un descenso constante desde el siglo XIX, principalmente por la caza, la reducción y la fragmentación de su hábitat, de tal manera que se ha extinto en el extremo sur de su área de distribución europea. Las poblaciones más grandes se cree que permanecen en el norte de Canadá y el norteeste de Rusia. Los glotones son animales solitarios.

En febrero de 2013, el Servicio de Pesca y Vida Silvestre de los Estados Unidos propuso dar protecciones al glotón, en gran parte debido a que el cambio climático está desarticulando su hábitat invernal en el parte central de las Montañas Rocosas.


Características

El glotón es de cuerpo robusto y pelaje largo y denso, cuyo aspecto recuerda al del oso. Es también el segundo más grande de los mustélidos (el primero de los terrestres), llegando a pesar 20 e incluso 30 kg; el mayor es la nutria gigante (Pteronura brasiliensis).

Distribución y hábitat

El glotón vive en las inmensas extensiones de la taiga y de la tundra euroasiática y norteamericana. En Europa todavía subsiste en la península escandinava, en el norte de Finlandia, con 150 ejemplares, y en el norte de Suecia y Noruega, que comparten una población de unos 380 glotones. Aunque sus poblaciones más grandes se encuentran en el norte de Rusia. Es un animal relativamente escaso, que en ciertas regiones llega a contarse entre las especies en peligro, sobre todo en la parte europea de su zona de distribución.

Comportamiento

Los glotones son animales solitarios, excepto en el período de reproducción y cría. Las crías nacen después de una prolongada gestación, hacia el final del invierno y en la primera mitad de la primavera. Tienen territorios de caza fijos que se extienden, para los machos, por zonas de hasta 1.000 km. Permanecen en constante movimiento, tanto de día como de noche, en busca de alimento.

Alimentación

Los glotones son el omnívoro clásico; ocupan una posición elevada en la cadena trófica, como carnívoros secundarios (depredadores de otros carnívoros) y además cierran el ciclo, como quiera que son carroñeros y depredan animales enfermos. Sin embargo, no son muy apreciados por los cazadores, ya que también se apropian de los animales que caen en las trampas y de las provisiones de las cabañas de caza. Su alimento se halla muy diversificado: en verano comen aves y sus huevos, larvas, insectos, pequeños roedores, sobre todo ratones de campo, bayas y granos oleaginosos.

En invierno también devoran a los grandes mamíferos, a los ungulados, a los animales muertos y a cualquier presa ocasional. El glotón se apodera de su víctima siguiéndole la pista y atacando después por sorpresa. También se apropian de las presas capturadas por otros carnívoros, sobre todo por los zorros y los demás mustélidos.

Subespecies

Se reconocen seis subespecies de glotón:

Gulo gulo albus

Gulo gulo gulo

Gulo gulo katschemakensis

Gulo gulo luscus

Gulo gulo luteus

Gulo gulo vancouverensis

En la cultura popular

El mutante Logan de X-Men debe su apodo original en inglés al Glotón.

GLOTÓN
(POCOMAXA GULO GULO)

sábado, 16 de enero de 2021

LA LEYENDA DE BENKEI
























LA LEYENDA DE BENKEI 

Saitō Musashibō Benkei (西塔武蔵坊弁慶? 1155 – 1189), popularmente llamado Benkei (弁慶?), fue un Sōhei (monje guerrero) que estuvo a las órdenes del samurái Minamoto no Yoshitsune. 

Es generalmente presentado como un hombre de gran estatura, muy fuerte y leal, y es uno de los personajes favoritos del folclore japonés. Su vida ha sido adornada y distorsionada en representaciones y obras Kabuki y Noh, con lo cual es difícil discernir entre la verdad y la leyenda. 

Existen diversas historias sobre el nacimiento de Benkei. Una de ellas cuenta que su padre era el jefe de un templo que había violado a su madre, que era la hija de un herrero. Otra historia dice que él era el hijo de un dios del templo. Muchos lo presentan con los atributos de un demonio, un niño-monstruo con el pelo revuelto y largos dientes. 

En su juventud Benkei puede haber sido llamado Oniwaka (鬼若) - "demonio/niño ogro". A temprana edad se unió a un claustro y viajó mucho entre los monasterios de Japón. Durante este periodo, los monasterios budistas eran importantes centros de administración y cultura, además de centros militares. Como muchos otros monjes, Benkei fue entrenado probablemente en el uso de la naginata. 

A los diecisiete años de edad, se decía que medía más de dos metros de alto. En este momento, dejó el monasterio budista y se unió a los Yamabushi, una secta de monjes montañeses que se reconocían por llevar capuchas negras. Incluso algunas impresiones japonesas muestran a Benkei llevando esta capucha. Cuenta la historia que Benkei se habría ubicado en el puente Gojo en Kioto, donde retaba a duelo a cada guerrero que pasaba guardando la espada de sus oponentes vencidos, llegando a juntar en total unas 999 espadas. En su duelo número 1000, Benkei fue vencido por Minamoto no Yoshitsune, hijo del señor de la guerra Minamoto no Yoshitomo. Por lo tanto, se convirtió en un guerrero de Yoshitsune y peleó junto a él en la guerra Genpei contra el clan Taira.​ 

A Yoshitsune se le da crédito por la mayoría de los éxitos del clan Minamoto contra los Taira, especialmente la batalla naval de Dan-no-ura con la que finalizó la guerra. Sin embargo después de su último triunfo, el hermano mayor de Yoshitsune Minamoto Yoritomo, se volvió en su contra. Durante los dos años de luchas que siguieron, Benkei acompañó a Yoshitsune como fugitivos de la ley. Finalmente fueron rodeados en el castillo de Koromogawa no tate. 

Mientras que Yoshitsune se dirigía hacia las zonas internas del castillo para suicidarse en forma ritual (seppuku), Benkei peleaba en el puente de la puerta principal para proteger a Yoshitsune. Cuenta la historia que los soldados tenían temor de atravesar el puente y tener que enfrentarlo, ya que terminaban muertos en forma rápida por el enorme guerrero, por lo que decidieron dispararle con flechas para intentar abatirle. Bastante tiempo después de que concluyera la batalla, los soldados se percataron de que el cuerpo de Benkei, irreconocible a causa de la gran cantidad de flechas que tenía clavado, no se movía. Durante una inspección más detallada luego de haberse animado a cruzar el puente, el gigante cayó al suelo, lo que reveló que había estado muerto por algún rato; este hecho es conocido como la "Muerte de pie de Benkei (Benkei no Tachi Ōjō)"(弁慶の立往生). 

Es la lealtad y honor de Benkei lo que lo hace especialmente atractivo para el folclore japonés. Una obra de kabuki coloca a Benkei frente a un dilema moral, debiendo elegir entre mentir y proteger a su Señor para poder cruzar un puente. El clímax de la obra, tiene lugar cuando el monje se da cuenta de su situación y promete cumplir con su deber. En otra obra, Benkei llega al extremo de matar a su propio hijo para salvar a la hija de un Señor. En la obra kabuki Kanjincho, que fuera filmada por Akira Kurosawa con el título de Los hombres que caminan sobre la cola del tigre, Benkei debe pegarle a su propio señor (disfrazado de porteador) de manera de evitar delatar su engaño.

LA LEYENDA DE BENKEI

viernes, 15 de enero de 2021

SAOLA:"EL BUEY DE VU QUANG"










SAOLA

El saola (Pseudoryx nghetinhensis), también llamado buey de Vu Quang, es un raro bovino de las montañas Annamitas de Vietnam y Laos. Animal muy escaso, fue descubierto por los zoólogos occidentales en 1992 en el Parque Nacional Vu Quang y actualmente se encuentra en grave peligro de extinción.

Distribución

El área de distribución del saola abarca unos 5.000 km² y contiene las únicas montañas de bosques vírgenes en el norte de Vietnam y Laos. En 2010 fue capturado un ejemplar, el primero tras su descubrimiento, por cazadores nativos, si bien únicamente logró sobrevivir en cautividad unos días.

La población de saola se estimó en unos 200 individuos, considerándose como especie endémica. Poco tiempo después del descubrimiento el gobierno vietnamita aumentó el tamaño del Parque Nacional Vu Quang de 160 a unos 600 km² y se realizaron proyectos para la creación de dos nuevas reservas. Pese a estos niveles tan buenos de protección el saola se clasifica como especie amenazada.

Características

El saola se caracteriza por sus cuernos largos, esbeltos y casi rectos; tiene dos glándulas odoríferas debajo de los ojos, los dientes premolares son largos y el color del pelaje varía desde el castaño oscuro al pardo rojizo; además, tiene una banda blanca que le recorre el dorso hasta la cola. Sus pezuñas son pequeñas y sus dedos son cortos. Tiene una altura en la cruz de entre 80 y 90cm y un peso cercano a los 90kg.

El saola puede vivir en solitario o en pequeños grupos familiares de dos o tres. Se cree que puede ser una presa para los tigres, leopardos; especies de felinos que son relativamente abundantes en las montañas Annamitas, hogar del saola.

Dieta

Se ha documentado que el saola se alimenta de pequeños arbustos, sobre todo en la orilla de los ríos. Esta especie de bóvido come en pequeños grupos de 5 individuos, lo cual es una ventaja a la hora de encontrar comida y de protegerse de los depredadores.

SAOLA

jueves, 14 de enero de 2021

¿QUÉ ES EL JET LAG?

















¿QUÉ ES EL JET LAG?

El jet lag, también conocido como descompensación horaria, disritmia circadiana o síndrome de los usos horarios, es un desequilibrio producido entre el reloj interno de una persona (que marca los periodos de sueño y vigilia) y el nuevo horario que se establece al viajar en avión a largas distancias, a través de varias regiones horarias.

DESCRIPCIÓN

El reloj interno de la persona tiende a prevalecer, por lo que, al viajar de Este a Oeste o viceversa, tendrá sueño en pleno día y por las noches mantendrá un estado de vigilia.

Entre los posibles síntomas provocados por el jet lag se encuentran:

- Fatiga, cansancio general que es el más común de los síntomas; la persona se confunde menos si se viaja hacia el oeste porque un viaje hacia el oeste prolonga la experiencia del reloj corporal y distorsiona menos el ciclo día-noche.

Sin embargo, si viajamos hacia el este supone viajar en el sentido opuesto al reloj corporal.

- Problemas digestivos: vómitos y diarreas.

- Confusión en la toma de decisiones o al hablar.

- Falta de memoria.

- Irritabilidad.

- Apatía.

Quienes estén sometidos a tratamientos que requieran la administración de medicación según un horario, deben considerar la necesidad de modificarlos según prescripción facultativa para compensar la disritmia circadiana; así, puede ser necesario modificar la dosis y el momento de administración de insulina según el número de zonas horarias atravesadas, el tiempo de permanencia en cada destino, la alimentación y la actividad, por lo que se debe determinar el nivel de glicemia con frecuencia. Los regímenes pueden requerir modificación en función del tiempo ahorrado en lugar del tiempo local.

ESTUDIOS

Hay estudios que sugieren que un ejercicio intenso por la mañana temprano el primer día tras un desfase horario puede acelerar la adaptación al nuevo horario mejor que tratamientos de luz o de melatonina.

Un estudio de 2007 con hámsters mostró que el uso de Viagra ayudó a acelerar en un 50% la recuperación de cambios equivalentes a lo que serían viajes hacia el este experimentados por humanos, y fue efectivo comenzando en dosis bajas. Sin embargo, este uso no se ha experimentado en humanos y se considera por tanto un uso fuera de sus indicaciones. Este gran hallazgo fue realizado por el reconocido biólogo argentino Diego Golombek (Cronobiología - Universidad Nacional de Quilmes - Conicet) y otros investigadores, quienes ganaron el premio IgNobel por esto.

MANEJO

Es posible minimizar los efectos del jet lag siguiendo los siguientes pasos antes, durante y después del vuelo.

ANTES DEL VUELO

Los pasajeros deben ser asesorados para llegar descansados, haber practicado ejercicio y seguir una dieta saludable. Cuando la persona está en buena forma, es más fácil que este en buena forma después de aterrizar.

También se recomienda visitar a un médico para planificar las conductas médicas que requieren monitorización, las que incluyen ingesta de Medicamentos o cualquier otro detalle necesario.

Otro consejo es adaptarse a la zona horaria de destino antes. Esto incluye comenzar la rutina diaria una hora antes o después de que uno normalmente lo hace,tres a cuatro semanas antes de la salida.

DURANTE EL VUELO

Para prevenir la deshidratación, los pasajeros deben ser alentados a no ingerir alcohol y cafeína. La cafeína no sólo produce deshidratación sino que también altera los patrones de sueño. Por el contrario, la recomendación es beber mucha agua para ayudar a contrarrestar los efectos de la sequedad del ambiente dentro del avión.

A los pasajeros se les anima a ejercitar sus piernas mientras están sentados y a moverse alrededor del avión cuando el signo de cinturón de seguridad esté apagado, cada hora o dos. Una opción para contrarrestar el jet lag es el viaje en segmentos más pequeños si es demasiado largo y pasar la noche en alguna ciudad. Y, por último, intentar ajustar las horas de sueño en el avión para coincidir con la hora de destino.

A SU LLEGADA

Una forma útil de reducir al mínimo el desfase horario es adaptarse a la hora local y comer en consecuencia, después de las comidas que correspondan. Asimismo, la exposición a la luz del sol durante el día es útil.

JET LAG
(Vídeo en inglés)


miércoles, 13 de enero de 2021

TWISTED SISTER: THE HIDEOUS GUYS OF THE GLAM METAL


















TWISTED SISTER

Twisted Sister es un grupo estadounidense de heavy metal y glam metal formado en la ciudad de Nueva York.

Su trabajo fusiona las tácticas impactantes de Alice Cooper, el humor rebelde de la nueva ola del metal británico (NWOBHM), el estilo de New York Dolls y el extravagante maquillaje de KISS.

El grupo tiene una imagen glam, aderezada con un punto deliberadamente chabacano; su sonido se podría comparar en ocasiones las clásicas bandas de heavy metal como Judas Priest y Motörhead, mientras que otras muchas se puede acercar a bandas hard rock como Alice Cooper o Kiss, ya que cuenta con un fuerte componente de rock and roll, de manera similar a bandas como Poison o Ratt.

Dee Snider, el vocalista del grupo, dijo en una entrevista:

Yo no pienso que Twisted Sister es "Glam", porque eso implica glamour, y nosotros no somos glamorosos. Deberíamos ser llamados "Hor" ("Hid"), por que somos horrendos (hideous).



WERE NOT GONNA TAKE IT






I WANNA ROCK






OH COME ALL YE FAITHFUL

lunes, 11 de enero de 2021

COCKTAIL BLOODY MARY


















COCKTAIL BLOODY MARY

SE PREPARA EN VASO MEZCLADOR.


Ingredientes:

- 4 ó 5 Cubitos de Hielo.
- 1 Copa de Vodka.
- 1 Frasco de Néctar de Tomate (20 cl).
- Unas gotas de Limón Natural.
- Sal.
- Pimienta.
- Unas gotas de Salsa Perrin's.

COCKTAIL BLOODY MARY 

domingo, 10 de enero de 2021

LOS KJARKAS
























LOS KJARKAS

Os presento a este grupo Boliviano. Sus componentes pertenecen a la raza indígena Quechua. 

LOS KJARKAS 
MIEMBROS 

Gonzalo Hermosa González 
Elmer Hermosa González 
Gastón Guardia Bilboa 
Makoto Shishido 
Lin Angulo 
Gonzalo Hermosa Camacho Jr. 

ANTIGUOS MIEMBROS 
Ramiro de la Zerda 
Ulises Hermosa González 
Eduardo Yáñez Loayza 
Rolando Malpartida Porcel 
José Luis Morales Rodríguez
Edwin Castellanos 
Fernando Torrico 

HISTORIA

Los Kjarkas es un grupo musical boliviano fundado en Capinota (Bolivia) en 1965 por los hermanos Hermosa: Wilson, Castel y Gonzalo (2/10/1950), más Édgar Villarroel. El nombre del conjunto tiene su origen en la palabra quechua kharka, que significa "temor o recelo". 

LOS PRIMEROS KJARKAS 
En principio, Los Kjarkas surgió como una necesidad económica para sus integrantes, yendo de pueblo en pueblo tocando zambas argentinas, pues la música autóctona de Bolivia aún no tenía demasiada cabida, sin embargo poco a poco diversas peñas comenzaron a hacer énfasis en ritmos más propios del país como las cuecas, wayñus o bailecitos de compositores como Simeón Roncal, Gilberto Rojas o Teófilo Vargas. Es en estos años cuando Los Kjarkas toman parte en esa transformación y forjan sus cimientos musicales que más tarde les darían éxito. 

REFUNDACIÓN 

 Tras esos inicios, los integrantes abandonan el grupo y Gonzalo Hermosa refunda el grupo con los músicos Eddy Carpio, Antonio Canelas y Alcides Mejía. Durante más de 10 años, Los Kjarkas se van perfeccionando en la composición e interpretación de la música andina. Se presentan en La Paz por primera vez en 1975 tras ir dando tumbos en fiestas privadas; ese mismo año, representaron a su país en el festival de música folclórica de Brasil. 

En el año 1976, publican en México su primer álbum, Bolivia, con el sello discográfico Heriba. En este disco figuran nueve canciones, casi todas ellas compuestas por Gonzalo Hermosa, de las que destaca Bolivia, un canto a su patria que se convirtió en un segundo himno nacional y que es canción obligada en todos sus conciertos. También podemos encontrar en este disco canciones como: La leyenda del amor, una composición muy hermosa que narra la vida de una flor en los tiempos incaicos. 
























ULISES HERMOSA tocando una IKA 

Con el éxito ya ganado, el grupo se nutre de otros dos hermanos Hermosa: Ulises y Élmer (13/11/1960), Toño Canelas, Gastón Guardia (26/5/1959), Guillermo Ponce y Édgar Villarroel (homónimo del fundador). La incorporación de Ulises Hermosa dio lugar a la composición de piezas musicales propias muy importantes en la historia de Los Kjarkas, potenciadas en gran medida con la solemne voz de Élmer Hermosa y los vientos de Gastón Guardia. De esa manera, publican en 1977 el segundo álbum, Sueño milenario de los Andes, o como salió en esa época en 2 LPs con el nombre de "Fortaleza" lanzados entre 1977 y 1978 por la empresa discográfica SABA, con canciones de muy marcadas raíces folclóricas. 

El grupo se fue haciendo más popular, organizando giras no sólo por Bolivia, sino por toda Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón, país donde han obtenido una fama particular. En 1980, publican Cóndor Mallku, donde comienzan a incluir temas románticos que se alejan algo más del folclor tradicional, innovando los ritmos y temáticas. En este disco empiezan a hacerse patentes las cualidades artísticas de los hermanos Hermosa en canciones como Ella es o Pequeño amor, canciones que nos hablan de amor, con un toque filosofico y poetico en sus letras. 

En 1981, se incorporan al grupo Julio Lavayen y Ramiro de la Zerda y es editado el álbum Desde el alma de mi pueblo, en el que destaca Por un sueño de amor. Así, disco a disco, Los Kjarkas van creciendo en fama y arte durante los años 80 y se convierten en el principal grupo musical de Bolivia, cuya repercusión traspasaría fronteras y mares. 

En 1984, Los Kjarkas fueron invitados al XV Festival de Música Popular de Japón donde competían más de 1.800 canciones de todo el mundo para el primer premio. La composición de Ulises Hermosa Florcita azul quedó en el décimo lugar, este evento abrió a Los Kjarkas el éxito particular que tienen en la actualidad en el país del Sol naciente. A finales de los 80, en pleno auge del grupo, un desafortunado incidente dio a Los Kjarkas una fama y repercusión mundial aún mayores. Un grupo brasileño llamado Kaoma lanzó al mercado musical una pegadiza canción titulada Lambada (canción), que se bailaba a ritmo brasileño. La canción resultó ser un plagio de la composición de Ulises Hermosa “Llorando se fue”, editada en 1984 en ritmo de caporal, aunque la primera versión era en ritmo de huayño, por suerte esta canción estaba registrada en Alemania y por ello Kaoma tuvo que indemnizar a Los Kjarkas con una suma de dinero cuyos destinatarios nunca han querido revelar. La repentina fama lograda por el grupo hizo que el término "Saya" se confunda con "Caporal", no sólo a nivel internacional sino también en la misma Bolivia. 

Otra controversia también de la canción "Llorando se fue", esta vez fue la demanda legal contra el dueto reggaetonero Wisin y Yandel, que se habría utilizado parte de este tema musical, de autoría de Los Kjarkas en la canción titulada "Pam Pam" del año 2006. Con respecto al videoclip que fue filmado en Río de Janeiro (Brasil), parece que fue inspirada en el grupo Kaoma que les hizo famoso con el tema musical "Lambada". Los años pasaban y se incorporaban músicos como Edwin Castellanos y Fernando Torrico, que más tarde abandonarían el grupo para formar el dúo Tupay. De los años 80 salen canciones tan importantes como Canto a la mujer de mi pueblo, Wayayay, Imillitay, Oruro, Tiempo al tiempo, Chukiyaqu Marka, Solo, etc. 

En 1989, editan el único álbum en el que no cantan, titulado Ch’uwa yaku. En 1992, el grupo se vio fuertemente resentido por la enfermedad de Ulises Hermosa, el cual fallece de cáncer en la ciudad de Houston tras una penosa agonía en esta localidad. Antes de morir, concluyó la canción El árbol de mi destino, la cual fue publicada póstumamente por el grupo. 

Al año siguiente, Los Kjarkas publican el disco Hermanos, cuyo tema principal es la composición Tarajchi del desaparecido Ulises, pero con letra añadida por su hermano Gonzalo, que describe la historia y sentires de la familia Hermosa. En los años 90, se incorporaron al grupo Rolando Malpartida, Eduardo Yáñez, Alcídes Mejía, Miguel Mengoa y José Luis Morales. Siguieron cosechando éxitos como Señora, su hija, Mi pecado, Ave de cristal, A los 500 años, La pícara y El líder de los humildes. 

En 1997, Los Kjarkas publicaron su primer vídeo, Por siempre..., en el que se televisa la presentación del disco en el Hotel Presidente. El nuevo milenio trae importantes cambios en Los Kjarkas: el grupo se rejuvenece con nuevos y jóvenes artistas como Gonzalo Hermosa Jr., Lin Angulo y el japonés Makoto Shishido. Ello da un nuevo enfoque a las composiciones, como Lección de vida, Saya sensual, Kamanchaca, etcétera. En el año 2006, Los Kjarkas publican su más reciente disco, 35 años, que conmemora el aniversario de la aparición del grupo. 


"MUNASQUECHAY"
  



"TUNA PAPITA"
  

viernes, 8 de enero de 2021

APERTURA PONZIANI


















APERTURA PONZIANI 

 La Apertura Ponziani (ECO C44) es una antigua forma de comenzar la partida de ajedrez, data del siglo XVIII, sólida y con pocas variantes. Se considera que es una apertura inferior, porque la estructura de peones inicial de las blancas dificulta el desarrollo de las piezas, sin embargo para aprovechar esto las negras deben jugar con decisión, lo que puede llevarle a caer en posiciones arriesgadas. 

Domencio Lorenzo Ponziani (1719-1796) creó esta apertura (1.E4-E5, 2.CF3-CC6, 3.C3-CF6, 4.D4) hace más de dos siglos, pero por alguna razón los jugadores casi no la juegan hoy en día, aun cuando es sólida y estratégicamente sus principios son sólidos y directos. El objetivo estratégico de las blancas es formar, rápidamente, un centro fuerte y móvil, con un peón en d4 y otro en e4, y tras ello sostenerlo desarrollando sus piezas y atacar el ala de dama. Las negras debe oponerse a este plan tratando de minar el centro incluso sacrificando un peón si fuera necesario, y desarrollando muy rápidamente sus piezas, siempre atacando el centro, bien directamente o bien de lejos. Deben contrarrestar este plan y no entretenerse en otros objetivos, ya que pueden quedar con menos espacio y con dificultades para defenderse. 

Línea principal: 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 d5 4.Da4 Línea principal 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 d5 4.Da4 Cf6 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 d5 4.Da4 f6 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 Cf6 Segunda línea 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 Cf6 4.d4 Cxe4 5.d5 Ac5 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 f5 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 f5 4.d4 d6 5.d5 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 f5 4.d4 d6 5.d5 fxe4 6.Cg5 Cb8 7.Cxe4 Cf6 8.Ad3 Ae7 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 Cge7 1.e4 e5 2.Cf3 Cc6 3.c3 Ae7 

 Vamos a ver UNA CELADA en la APERTURA PONZIANI


APERTURA PONZIANI
 .  

GANÍMEDES: "EL HIJO DE JÚPITER"
























GANÍMEDES

Ganímedes (del griego Γανυμήδης ) es el satélite más grande de Júpiter, así como también el más grande del Sistema Solar. De hecho es mayor que el planeta Mercurio aunque sólo tiene la mitad de su masa. También tiene un campo magnético propio, por lo que se cree que su núcleo puede contener metales. Fue descubierto por Galileo Galilei en 1610. Galileo le dio el nombre de Júpiter III por ser el tercer satélite a partir del planeta que podía observarse con su telescopio. Al igual que los demás satélites galileanos su nombre actual fue propuesto por Simon Marius poco después de su descubrimiento. El nombre de Ganímedes proviene del escanciador mitológico de los dioses griegos. Este nombre sólo fue popularizado a partir de la mitad del siglo XX.

CARACTERÍSTICAS FÍSICAS

COMPARACIÓN ENTRE: LA TIERRA, GANÍMEDES Y LA LUNA

















SUPERFICIE

Ganímedes está compuesto de silicatos y hielo, con una corteza de hielo que flota encima de un fangoso manto que puede contener una capa de agua líquida. Las indicaciones preliminares de la nave orbital Galileo sugieren que Ganímedes tiene una estructura diferenciada en tres capas: un pequeño núcleo de hierro fundido o de hierro y azufre en el centro, rodeado por un manto de sílice rocoso con una corteza helada en lo más exterior. Este centro metálico hace pensar en un mayor grado de calentamiento de Ganímedes de lo que se había propuesto previamente. De hecho, Ganímedes puede ser similar a Ío con una capa exterior adicional de hielo.

La superficie de Ganímedes es una mezcla aproximadamente igual de dos tipos de terreno: uno muy viejo, muy craterizado y las regiones oscuras y algo más jóvenes (aunque todavía viejas) marcadas con una serie extensa de ranuras y anillos de origen claramente tectónica.

La corteza de Ganímedes parece estar dividida en placas tectónicas, como la Tierra. Las placas tectónicas puede moverse independientemente y actuar a lo largo de zonas de la fractura que producen las cordilleras. También se han observado flujos de lava (ya solidificada). En este aspecto, Ganímedes puede ser más similar a la Tierra que cualquiera de los planetas Venus o Marte (aunque no hay ninguna evidencia de actividad tectónica reciente). Se observan terrenos con ranuras y anillos similares a los que se ven en los satélites Encélado, Miranda y Ariel. Las regiones oscuras son similares a la superficie de Calisto.

Muchos cráteres de impacto se ve en ambos tipos de terreno. La densidad de craterización indica una edad de 3 a 3,5 mil millones de años, similar a los de la Luna. También hay cráteres relativamente jóvenes que tienen rayos de eyección. Al contrario de en la Luna, sin embargo, los cráteres de Ganímedes son bastante llanos, faltando las montañas del anillo y las depresiones centrales común a los cráteres en la Luna y Mercurio. Esto es probablemente debido a la naturaleza relativamente débil de la helada corteza de Ganímedes que puede fluir durante mucho tiempo geológico y por eso desaparecen.

El rasgo más grande en Ganímedes es una llanura oscura llamada Galileo Regio, así como una serie de anillos concéntricos que son remanentes de un cráter de impacto antiguo aunque se encuentra muy borrado por la actividad geológica subsecuente.

El Telescopio Espacial Hubble ha encontrado evidencias de oxígeno en una tenue atmósfera en Ganímedes, muy similar al encontrado en Europa. El oxígeno se produce cuando la radiación que baña el hielo superficial de Ganímedes lo descompone en hidrógeno y oxígeno y el primero se pierde en el espacio por su baja masa atómica.

Los primeros sobrevuelos de Ganímedes de la nave Galileo descubrieron que el satélite tiene su propia magnetosfera. Probablemente se genera de un modo similar a la magnetósfera de la Tierra: es decir, resulta del movimiento de material conductivo en su interior. Se cree que pueda existir una capa de agua líquida con una alta concentración de sal.

INTERIOR


















- El núcleo interior esta compuesto de hierro.

- El núcleo exterior esta compuesto de silicato.

- El manto esta compuesto de Hielo.

GANÍMEDES EN LA FICCIÓN

Debido al interés que suscita Ganímedes como la luna más grande del sistema solar, ha sido elegida como un lugar significativo para el argumento de diversas obras de autores de ficción, notablemente de ciencia ficción. Ejemplos significativos son Navidad en Ganímedes (1940), relato corto de Isaac Asimov; El granjero de las estrellas (1950), de Robert A. Heinlein; The snows of Ganymede (1954), novela de Poul Anderson; Yo visité Ganímedes (1972) y Mi preparación para Ganímedes (1975), de José Rosciano; o Buddy Holly está vivo y sano en Ganímedes (1992), de Bradley Denton. Además, Ganímedes es mencionado puntualmente en multitud de obras más, tanto en libros, como en cine y televisión.

GANÍMEDES 
"EL HIJO DE JÚPITER"

miércoles, 6 de enero de 2021

LISÍSTRATA: LAS MUJERES EN HUELGA SEXUAL




LISÍSTRATA: 
LAS MUJERES EN HUELGA SEXUAL
Lisístrata (en griego Λυσιστράτη "la que disuelve el ejército") es una famosa obra de teatro de Aristófanes, dramaturgo de la Grecia Clásica. Las comedias de Aristófanes son de un gran interés histórico, además de su valor literario, ya que gracias a ellas se puede conocer la vida cotidiana de los atenienses. El autor protestó con frecuencia contra la guerra.

En sus obras Lisístrata, Los acarnienses y La paz defendió las soluciones pacíficas contra los demagogos que impulsaban al pueblo a la guerra. En Lisístrata plantea la huelga sexual de las mujeres.

 PERSONAJES:

 - Mujeres: Lisístrata; Cleónica (Kalonike); Mirrina; Lampitó; Coro de Ancianas; otras.
 - Coro de Ancianos.
 - Consejero.
 - Cinesias.
 - Niño de Cinesias.
 - Heraldo espartano.
 - Prítanis.
 - Espar
 - Ateniense.

 REPERCUSIÓN

Lisístrata, es representada por primera vez en 411 a. C., se ha convertido en un símbolo del esfuerzo organizado y pacífico a favor de la paz. Por ello, se usó el nombre para el Lysistrata project (Proyecto Lisístrata), acto teatral que se efectuó el lunes 3 de marzo de 2003 de manera simultánea en más de 42 países en favor de la paz. Ese día miles de personas participaron en aproximadamente 700 lecturas dramatizadas de la obra, que se realizaron a beneficio de organizaciones sin fines de lucro, que trabajan por la paz y ofrecen ayuda humanitaria.

 ARGUMENTO

Obra representada en el 411, en que la ciudad estaba perdiendo la guerra y sufría a la vez una verdadera guerra civil y la obra nos ofrece la ilusión de la paz. La obra se apoya en antiguos rituales donde enfrentan coros de hombres y mujeres, en el mundo al revés (triunfo de las mujeres sobre los hombres) y el de la huelga sexual de las mujeres. Es esta la estrategia que impone Lisístrata a las mujeres en la escena inicial.

Se siguen una serie de agones: de violencia entre los dos géneros (las primeras se han refugiado en la Acrópolis, que los hombres intentan en vano conquistar). Pero los agones no deciden nada: las mujeres siguen en la Acrópolis, pero ni el Comisario ni el coro de hombres se dejan convencer por los argumentos pacifistas y feministas de la heroína, las mujeres intentan escaparse con diversos pretextos e irse con sus maridos. La estrategia de Lisístrata viene de fuera, los laconios no pueden resistir más tiempo la huelga sexual y van a negociar plenamente erectos. Lisístrata hace de mediadora entre ellos y los atenienses y la paz se consigue. El final celebra la felicidad alcanzada: hay una comida de reconciliación entre atenienses y laconios, se reconcilian también hombres y mujeres y todo concluye entre danzas y cantos.

JURAMENTO INICIAL (fragmento)

Lisístrata: Lampito, todas las mujeres toquen esta copa, y repitan después de mí: no tendré ninguna relación con mi esposo o mi amante. Cleónica: No tendré ninguna relación con mi esposo o mi amante. Lisístrata: Aunque venga a mí en condiciones lamentables. Cleónica: Aunque venga a mí en condiciones lamentables. (¡Oh Lisístrata, esto me está matando!) Lisístrata: Permaneceré intocable en mi casa. Cleónica: Permaneceré intocable en mi casa. Lisístrata: Con mi más sutil seda azafranada. Cleónica: Con mi más sutil seda azafranada. Lisístrata: Y haré que me desee. Cleónica: Y haré que me desee. Lisístrata: No me entregaré. Cleónica: No me entregaré. Lisístrata: Y si él me obliga. Cleónica: Y si él me obliga. Lisístrata: Seré tan fría como el hielo y no le moveré. Cleónica: Seré tan fría como el hielo y no le moveré. (...) Lisístrata: ¿Todas han jurado?. Mirrina: Todas. 

LISÍSTRATA

 

martes, 5 de enero de 2021

ENSALADA GRIEGA
























ENSALADA GRIEGA

INGREDIENTES:

- 1/2 taza de ACEITUNAS NEGRAS.

- 1/2 taza de QUESO FETA.

- 1 PEPINO.

- 2 TOMATES.

- 1/2 PIMIENTO VERDE.

- 1 CEBOLLA MORADA.

- 2 corazones de LECHUGA CRIOLLA.

- 2 cucharadas de PEREJIL picado.

- ACEITE DE OLIVA.

- SAL.

- PIMIENTA.

- Jugo de un LIMÓN.


ELABORACIÓN:

1-. Cortar la CEBOLLA MORADA en medios aros, bien finitos. Dejar el PEPINO con la cáscara, cortar a lo largo y luego en medias lunas finas. Retirar las semillas y nervaduras al PIMIENTO, (que es lo que da acidez), y cortar en tiras muy finas.

2-. Cortar los TOMATES en cuartos u octavos, dependiendo de su tamaño. Con mucho cuidado, machacar las ACEITUNAS NEGRAS, retirar el carozo, y cortar al medio. Picar el PEREJIL. Desgranar el QUESO FETA, y reservar tapado para que no se seque.

3-. En una fuente o ensaladera, colocar un poco de LECHUGA CRIOLLA, luego los TOMATES, el PEPINO, la CEBOLLA MORADA y las ACEITUNAS NEGRAS. Continuar con el PIMIENTO, el QUESO FETA, y por último, el PEREJIL picado. Antes de servir, condimentar con un poco de SAL, PIMIENTA, ACEITE DE OLIVA, y jugo de LIMÓN.


ENSALADA GRIEGA

lunes, 4 de enero de 2021

ENCAJE DE BOLILLOS

















ENCAJE DE BOLILLOS

El encaje de bolillos es una técnica de encaje textil consistente en entretejer hilos que inicialmente están enrollados en bobinas, llamadas bolillos, para manejarlos mejor. A medida que progresa el trabajo, el tejido se sujeta mediante alfileres clavados en una almohadilla, que se llama "mundillo". El lugar de los alfileres normalmente viene determinado por un patrón de agujeritos en la almohadilla.

El encaje de bolillos se puede realizar con hilos finos o gruesos. Tradicionalmente, se hacía con lino, seda, lana y posteriormente con algodón. También con hilos de metales preciosos. Hoy en día también se realiza con una gran variedad de fibras sintéticas, con alambres u otros filamentos.

Entre los elementos de diseño que se pueden realizar hay tejidos (tela), redes , trenzas, puntillas, cuadros y rellenos, aunque no todos los tipos de encaje de bolillos incluyen todos esos elementos.

Muchos tipos de encaje se inventaron durante la época de apogeo del bordado (aproximadamente entre 1500 y 1700) antes de que las máquinas bordadoras automáticas estuvieran disponibles.

La aparición de la máquina bordadora diseñada por John Heathcoat en 1806 al principio sirvió de acicate a los artesanos para que inventaran diseños más complicados que las máquinas no podían realizar, aunque finalmente la mecanización dejó sin trabajo a los artesanos casi completamente.

La reaparición del bordado es un fenómeno reciente y, en general, es considerado como un hobby, aunque sigue habiendo gremios de artesanos que se reunen periódicamente en lugares como Devonshire (Inglaterra y Orange County (California).

En los pueblos europeos donde el encaje fue una vez una industria importante, en especial, Bélgica, Inglaterra y Francia, las encajeras todavía enseñan su arte y venden sus mercancías, aunque su clientela ya no es la misma, de la nobleza más rica se ha pasado al turista curioso.

Algunos estilos de encaje muy conocidos son:

- Honiton - una variedad inglesa muy delicada, con muchas flores.

- Torchon - muy conocida por sus hermosas redecillas a menudo geométricas.

- Cluny - muy ligero y delicado, con flores, trenzas y puntillas (lazos de hilo muy pequeños).

- Bedfordshire (beds) - tiene líneas que hacen olas y puntillas (para dificultar la copia por máquinas).

- Encaje de Buckinghamshire punto Bucks - muy "entrelazado" con redes de hexágonos característicos y a menudo con hilos "cojos" (un hilo más grueso entrelazado para dar más énfasis)

CAMARIÑAS

El pueblo de Camariñas daba nombre a los encajes de bolillos que se hacían en toda Galicia (España), y que actualmente vuelven a cobrar auge en la región con el apoyo del gobierno autonómico.

Se empleaba el hilo de lino, que se cultivaba abudantemente en Galicia. En la catedral de Toledo, en la primera mitad de siglo XVI, aparecen compras de hilo gallego, lo que parece indicar que se exportaba al resto de la Península.

Es este un encaje del tipo guipur donde las hojas constituyen los elementos básicos de la decoración. Se forman rosas, estrellas, helechos sobre un fondo enrejado hecho con trenzados con virgulitas y cruzados a veces muy complejos que forman vilanos o milanos.

Cuando se utiliza como fondo el punto de gasilla (medio punto, punto de espíritu) se superponen las hojitas de guipur, creando piezas en relieve. Pero también las hay que están hechas solamente con hojas de guipur, sin ningún tipo de fondo.

ENCAJE EN CATALUÑA

Aunque en Cataluña se confeccionaba encaje desde el siglo XVI es a partir del siglo XIX cuando el encaje artesano catalán adquiere un gran prestigio. Diversas empresas de encaje ubicadas en Barcelona o en los pueblos de alrededor realizan trabajos de gran calidad. En Cataluña muchas empresas se especializaron en la realización de piezas en blonda, un encaje realizado en seda y los diseños se caracterizaban por los elementos florales. Esta es la técnica que se utiliza para la realización de las mantillas. Una de las grandes empresas de encaje fue la Casa Fiter de Barcelona, fundada en 1845 que participó en numerosas exposiciones internacionales.

Uno de las técnicas propias de Cataluña es el ret fi o encaje de Arenys, una técnica derivada de la blonda realizada en algodón y de color blanco, con diseños geométricos o de dibujos simples. Esta técnica se aplicaba frecuentemente en la indumentaria religiosa: albas, roquetes.

ENCAJE EN ALMAGRO (CIUDAD REAL)

En el siglo XIX el centro más importante de producción en España de blondas, una variante de encaje de bolillos realizada con hilo de seda, se situaba en Almagro, siendo muy renombrado por sus mantillas. Allí, gran número de fábricas manufactureras rivalizaban entre sí, bien por la colección de dibujos, bien por el número, el gusto artístico o el punteado.

El encaje de bolillos y la blonda constituyen una tradición transmitida de madres a hijas y bien conservada en Almagro y algunos otros municipios del Campo de Calatrava, con la que aún se confeccionan sus renombradas mantillas. Existe en Almagro un Museo de Encaje y Blonda de propiedad municipal.

ENCAJE DE BOLILLOS
MANZANARES (CIUDAD REAL)


martes, 29 de diciembre de 2020

STEP DANCE Y CÉILIDH: "LAS DANZAS GAÉLICAS"















CÉILIDH

Una céilidh, ceilidh, céilí (irlandés, pronunciación irlandesa: /ˈceːlʲiː/) o cèilidh (gaélico escocés, pronunciación escocesa: /ˈkʲʰeːli/), en el sentido actual de la palabra, es un festejo con danza tradicional de los pueblos gaélicos (Irlanda y Escocia), aunque hoy día también puede encontrarse en otros países con población descendiente de emigrantes irlandeses y escoceses.


Historia

Antaño se denominaba “céilidh” a un encuentro social de cualquier tipo, sin necesidad de que en éste tuviera lugar una danza. De hecho, muchas de estas ocasiones tenían un carácter no sólo festivo sino también literario, y además de danzar y cantar se recitaban cuentos, poemas, romances, refranes y adivinanzas.

En las últimas décadas su significado ha ido cambiando y hoy “céilidh” hace referencia únicamente a la danza.

Céilidhs modernas

Antes de que aparecieran las discotecas y los clubes nocturnos, se celebraban céilidhs en la mayoría de las ciudades y en los ayuntamientos de los pueblos los viernes o los sábados por la noche. Eran un lugar de encuentro para los jóvenes. Aunque las discotecas y los clubes nocturnos han reemplazado en gran medida a las céilidhs, éstas aún son muy populares en diversas áreas rurales de Irlanda y Escocia, especialmente en las regiones costeras del oeste donde se habla gaélico.

Las céilidhs también se llevan a cabo, a menor escala, en bares o casas, por ejemplo en zonas rurales del interior que se encuentran aisladas, o durante festivales multitudinarios. Es frecuente que algunos clubes e instituciones como clubes deportivos, escuelas y universidades organicen céilidhs de forma regular o al menos anualmente.

La formalidad en éstas puede variar: algunas mezclan música moderna con una banda de danzas folclóricas. En cuanto a la indumentaria, en algunas céilidhs escocesas puede ser obligatorio el uso de la vestimenta de las Highlands, con su famoso kilt. Por lo general, sin embargo, este requisito no es necesario y puede llevarse ropa informal. No es imprescindible conocer los pasos básicos de las danzas. A menudo el baile se alterna con otro tipo de números: canciones, recitales poéticos, cuentacuentos, etcétera.

Los instrumentos más habituales en la música de las céilidhs son el violín, la flauta, el tin whistle, el acordeón, el bodhrán, y en los últimos tiempos también la batería y el bajo eléctrico.

La primera banda de céilidh, tal como la conocemos hoy, se formó en Irlanda gracias a Séamus Clandillon, director musical de Radio Éireann.

La formación de danza más común en las céilidhs es el “set”. Un set consiste en una agrupación de cuatro parejas, con dos parejas situadas frente a otras dos, formando un cuadrado o un rectángulo. Cada pareja intercambia posiciones con la pareja de enfrente y también se intercambian las parejas entre sí, manteniendo los pasos al ritmo de la música en todo momento.

Sin embargo, aproximadamente la mitad de las danzas de las céilidhs escocesas modernas se llevan a cabo en parejas, que bailan alrededor de la sala formando un círculo. Las parejas pueden ser fijas o, para hacer de la danza un encuentro más sociable, la mujer puede ir cambiando de pareja, pasando al siguiente hombre dentro del círculo al final de cada serie de pasos.

En Irlanda, entre las danzas más famosas de este género se encuentran "Siege of Ennis", "The Walls of Limerick" y "The Stack of Barley". Algunas toman su nombre de batallas históricas o algún evento importante; otras, como las tres citadas, de utensilios o acciones cotidianas de la vida rural.

STEP DANCING: 
"LA DANZA IRLANDESA"

El step dancing es otro estilo de baile presente en las céilidhs. Tiene raíces antiguas y es la forma más compleja de danza irlandesa, popularizada en los años 1990 gracias al conjunto Riverdance, y más tarde gracias al espectáculo Lord Of The Dance. A diferencia del set, que puede bailar cualquier persona independientemente de sus capacidades, el step dancing lo representan bailarines experimentados.

STEP DANCING: "DANZA IRLANDESA"
GRUPO: RIVERDENCE
TEMA: "THE FINAL PERFORMANCE"

Las céilidhs se han internacionalizado gracias a las diásporas escocesa e irlandesa. Podemos encontrar competiciones de música tradicional y céilidhs en países como Canadá, Estados Unidos y Nueva Zelanda.

Céilidhs escocesas modernas

Hoy en día, en Escocia, es muy común organizar céilidhs privadas, normalmente como entretenimiento para una boda, una fiesta de cumpleaños u otro tipo de celebración. En éstas se contrata siempre a una banda, cuyo número de componentes puede variar, pero suele estar entre dos y seis músicos. No sólo los más jóvenes pueden disfrutar de las céilidhs, ya que las danzas pueden variar en velocidad y complejidad para adaptarse a los diferentes grupos de edad y a los distintos niveles de habilidad. Los hombres deben de llevar el "Kilt" o falda escocesa para bailar esta danza. Esta prenda lleva unos colores determinados dependiendo del escudo de armas del apellido del hombre.

BODA ESCOCESA
BAILANDO CÉILIDH



También se celebran céilidhs públicas. Todas las universidades de Escocia lo hacen de forma regular. La Universidad de Edimburgo, por ejemplo, organiza más de una por semestre.

Algunas bandas intercalan las danzas de la céilidh con sesiones disco de algún DJ; de este modo, se logra atraer a más público.

Referencias culturales

- En la película I Know Where I'm Going! (1945), los personajes asisten a una céilidh.

- En la película Local Hero (1983), los personajes aparecen en una céilidh.

- En la película The Wind That Shakes the Barley (2006), los personajes aparecen en una céilidh.

- En la película The Magdalene Sisters (2002) se describe una céilidh.

- En la película de Danny Boyle, Shallow Grave (1994), Ewan McGregor y Kerry Fox aparecen en una céilidh.

- Una canción de 1992 del grupo Black 47 se titula "Funky Céilí".

- La famosa banda celta Celtic Woman describe una céilidh en su popular canción "At the Céilí".

- Los Pogues, liderados por Shane MacGowan, incluyen la canción "Céilidh Cowboy" en su álbum The Crock Of Gold.

- La canción "Johnny's Far Away", de Richard Thompson, cuenta la historia de una mujer que es infiel a su marido mientras éste se encuentra de viaje con su banda, que toca en céilidhs.

- La canción “Céilidh” de la banda Real McKenzies describe esta práctica.

- El nombre de la banda Ceili Rain apela directamente al espíritu de las céilidhs.

- En el libro White Male Heart (2001), de Ruaridh Nicoll, hay diversas referencias a las céilidhs.



RUNNING WILD: LOS PIRATAS ALEMANES DEL HEAVY METAL



















RUNNING WILD 
"METAL PIRATA"

Running Wild es una banda alemana de heavy/power/speed metal formada en 1976 en Hamburgo, por Rolf Kasparek junto a Uwe Bendig, Michael Hoffmann y Jörg Schwarz bajo el nombre de Granite Heart. No es hasta 1977 cuando se incorpora Wolfgang Hagemann a la batería y Matthias Kaufmann al bajo cuando se consolidan con el nombre de Running Wild.​ El grupo ha experimentado gran número de cambios en su formación, siendo el cantante y guitarrista "Rock'n'Rolf" Kasparek el único miembro que ha permanecido desde sus inicios, y el principal compositor. 

Running Wild es considerado uno de los grupos fundadores del estilo europeo de Speed/Power metal de los ochenta y uno de los referentes de la escena heavy metal de Hamburgo junto con Helloween, Gamma Ray, Metalium y Iron Savior. Además de ser la primera banda de metal en incorporar temática pirata en su música, lo cual influiría en bandas como Alestorm y Swashbuckle para el denominado Metal Pirata. 

Historia 
Primeros álbumes 

En 1984 aparece el EP Victim of States Power, y el primer álbum, Gates To Purgatory, seguidos de Branded and Exiled en 1985, primer disco con el guitarrista Majk Moti, por aquella época las temáticas del grupo fluctuaban entre lo épico y lo pseudo-satánico, lo que no les diferenciaba de tantos otros conjuntos de heavy metal. 

En 1987 la banda lanzó Under Jolly Roger, que iba a ser uno sus álbumes clave, ya que si bien era musicalmente similar a los dos primeros discos, la temática de la banda comenzó a centrarse en historias clásicas de piratería, de entre los siglos XVI-XVIII, comenzando con la canción homónima, que hace mención a la famosa bandera pirata representada con una calavera y dos huesos cruzados (Jolly Roger). Este disco marcaría el vuelco definitivo de Running Wild hacia estas temáticas histórico-épicas, con hincapié en los relatos de filibusteros, lo cual vendría a ser el sello estilístico del grupo. 

Época clásica 

En los siguientes años, de 1988 a 1992, los discos Port Royal, Death or Glory, Blazon Stone y Pile of Skulls señalarían la época clásica del grupo, consagrándolo en el mundillo del heavy metal europeo, gracias a su combinación de canciones de base histórica y sonido Power/Speed metal épico. Además de las canciones de piratas, donde se retrata a personajes de la edad de oro de la piratería, como Calico Jack, William Kidd, Klaus Störtebeker o el poco conocido Henry Jennings, la banda también abarcó temas históricos de diversa índole, como la Guerra de las Dos Rosas, la batalla de Waterloo, la batalla de Little Big Horn o la colonización del Nuevo Mundo por los conquistadores.

 
RUNNING WILD
"PORT ROYAL"

A partir del álbum Black Hand Inn (1994), narrativas históricas simples dieron paso a cada vez más complejos arreglos de historias interrelacionadas, junto a temas esotéricos que pasaron a primer plano, por ejemplo "Genesis (The Making and the Fall of Man)" de Black Hand Inn, tema de más de 15 minutos de duración. Los cambios de formación se hicieron cada vez más frecuentes, y esto condujo gradualmente a Running Wild a convertirse en un proyecto personal de Rolf Kasparek como único miembro fijo, más eventuales colaboradores. 

Años siguientes y nuevo milenio 

En 1995 Running Wild lanzó Masquerade, el primer disco de una ambiciosa trilogía que se completa con The Rivalry (1998) y Victory (2000). Estos tres álbumes tratan de la lucha del bien contra el mal: Masquerade trata sobre el desenmascaramiento del mal, The Rivalry se ocupa de la lucha entre el bien y el mal, y Victory narra el triunfo del bien sobre el mal. Esta trilogía marcó el fin de la cooperación con el baterista Jörg Michael, quien fuera parte también de la banda finlandesa Stratovarius, entre otras. The Brotherhood fue lanzado en 2002, y a pesar de contar con una tibia recepción, ha sido uno de los álbumes más exitosos de la banda. Le siguió Rogues en Vogue, de 2005, trabajo más variado que su predecesor, el cual fue compuesto y grabado por Rolf Kasparek en su "Jolly Roger Studio", y marcó el fin de la cooperación entre Gun Records y Running Wild. 

Un concierto despedida tuvo lugar en el marco del festival Wacken Open Air, el 30 de julio de 2009, después de lo cual la banda se tomó un descanso bien merecido, no obstante Running Wild regresó en 2012 con Shadowmaker, siempre de la mano de Kasparek, siendo un álbum de regreso bastante flojo, seguido de su decimoquinto disco de estudio Resilient (2013), lanzado bajo el sello alemán SPV Records. En el 2016 lanzaron su decimosexto disco de estudio titulado Rapid Foray. 

DISCOGRAFÍA
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RUNNING WILD 
"CROSSING THE BLADES"

sábado, 26 de diciembre de 2020

LUDWIG V. BEETHOVEN
























LUDWIG VAN BEETHOVEN 
 (Bonn, actualmente Alemania, 1770 - Viena, 1827) 

Compositor alemán nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito. 

La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción. 

Ludwig van Beethoven Miembro de la orquesta de la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada. 

En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y Antonio Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto que tuvo lugar en 1795 con gran éxito. Su carrera como intérprete quedó bruscamente interrumpida a consecuencia de la sordera que comenzó a afectarle a partir de 1796 y que desde 1815 le privó por completo de la facultad auditiva. 

Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas. Obras de Ludwig van Beethoven La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos útiles a la hora de encuadrar su legado. 

La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para piano. 

Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión (la ópera Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano, el Concierto para violín). 

La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven. 

En estas obras, Beethoven anticipó muchos de los rasgos que habían de caracterizar la posterior música romántica e, incluso, la del siglo XX. La obra de Ludwig van Beethoven se sitúa entre el clasicismo de Mozart y Haydn y el romanticismo de un Schumann o un Brahms . No cabe duda que, como compositor, señala un antes y un después en la historia de la música y refleja, quizá como ningún otro –a excepción de su contemporáneo Francisco de Goya–, no sólo el cambio entre el gusto clásico y el romántico, entre el formalismo del primero y el subjetivismo del segundo, sino también entre el Antiguo Régimen y la nueva situación social y política surgida de la Revolución Francesa. 

Efectivamente, en 1789 caía La Bastilla y con ella toda una concepción del mundo que incluía el papel del artista en su sociedad. Siguiendo los pasos de su admirado Mozart, Ludwig van Beethoven fue el primer músico que consiguió independizarse y vivir de los encargos que se le realizaban, sin estar al servicio de un príncipe o un aristócrata, si bien, a diferencia del salzburgués, él consiguió triunfar y ganarse el respeto y el reconocimiento de sus contemporáneos. 

 Aquí podrán disfrutar con su NOVENA SINFONÍA, también llamada, HIMNO A LA ALEGRÍA, y que es el Himno oficial de la UNIÓN EUROPEA.