ACTUALIDAD (NOTICIAS),
SUCESOS, MANZANARES, MÚSICA, RECETAS DE COCINA, CÓCTELES, BIOGRAFÍAS, CHISTES, CIENCIA Y ASTRONOMÍA, HEAVY METAL, AJEDREZ, MATEMÁTICAS, ARTE, HISTORIA, REAL ACADEMIA ESPAÑOLA DE LA LENGUA ESPAÑOLA, CINE, ECONOMÍA, SOCIEDAD, GASTRONOMÍA, TECNOLOGÍA, REINO NATURAL, MUNDO INFANTIL, VIAJAR, SALUD, PARAPSICOLOGÍA Y UFOLOGÍA, JUEGOS Y VIDEOJUEGOS, CULTURA, MOTOR, DEPORTES, CIUDADES ESPAÑOLAS, MITOLOGÍA Y LEYENDAS, GEOGRAFÍA, FRASES CÉLEBRES, ETC...
Se recomienda este vídeo para ahuyentar a ratas y ratones de cualquier lugar. No va a quedar ni uno. Y un diez (perdón un 9 con unas cuantas décimas), pues nadie es perfecto, para estos chavales, sus voces, y ... para el pianista, que se lo pasa en grande. Buen vídeo.
La pieza, del género buffo, es de Gioachino Rossini (1792-1868), autor de las óperas El Barbero de Sevilla y Guillermo Tell, entre otras.
Rossini la compuso para mofarse de las sopranos que desafinaban. Se suele cantar a dos voces femeninas (mezzo y soprano) y su letra es únicamente "miau".
Aparentemente resulta fácil cantarla, pero no lo es por la dificultad enorme de entonación que ideó el genio de Rossini. Cada "miau" es distinto.
La Caballé, madre e hija, grabaron un disco muy original sobre este tema pero sin la frescura y picardía de esta versión de Voces Blancas.
Rossini, como Mozart y tantos otros, fue un genio.
Caroline Catharina Müller (n. Oss, Países Bajos, 31 de julio de 1964), más conocida como C.C. Catch, es una cantante pop europea, además de compositora.
C.C.CATCH "Años 80(s)
BIOGRAFÍA
Caroline Müller nació en Oss (Países Bajos). Se mudó con su familia a Alemania, a finales de los setenta. En 1980 fue miembro de un cuarteto de chicas llamado "Optimal".
Después de eso, en 1985, trabajó musicalmente con Dieter Bohlen ("Modern Talking"), bajo el nombre C.C. Catch.
Dieter Bohlen fue la fuerza guiadora bajo sus grabaciones, escribiendo y produciendo todas sus canciones. Esta fue la principal razón para el fin de su trabajo juntos en 1989. Caroline Müller quería participar en el proceso creativo contribuyendo con su propio material, pero Dieter no estaba de acuerdo.
Después de terminar su relación musical con Dieter continuó con su carrera, pero con moderado éxito.
Bartoli nació en Roma en el 1966. Sus padres fueron ambos cantantes profesionales y le dieron sus primeras lecciones de música. Su primera actuación frente al público fue a los 9 años como niño pastor en Tosca. Estudió en la Academia Nacional de Santa Cecilia.
En 1985, a los 19 años, Bartoli hizo una aparición en un programa de talentos en la televisión italiana. Riccardo Muti, director del Teatro de La Scala escuchó su actuación y la invitó a una audición. Años más tarde, Herbert von Karajan la invitó a cantar en el Festival de Salzburgo de 1990; sin embargo, la muerte de Karajan impidió realizar su debut.
En esa época, Bartoli captó la atención de Daniel Barenboim cuando este la escuchó actuando en un homenaje a María Callas en la televisión francesa. Trabajando con los directores Barenboim y Nikolaus Harnoncourt, Bartoli se concentró en papeles de Mozart, desarrollando una carrera internacional.
En 1988 interpretó a Rosina en El Barbero de Sevilla. El 5 de diciembre de 1991, con tan Solo 25 años, es invitada a cantar en la misa oficiada en la Catedral de San Esteban de Viena donde interpreta su parte en el Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart con motivo del 200 aniversario de la muerte del genio de Salzburgo. Canta junto a la ya desaparecida Arleen Augér, el tenor Vinson Cole, el bajo René Pape, y el coro de la Ópera de Viena dirigidos por Sir Georg Solti, difundiéndose en formato de CD y DVD.
TRAYECTORIA
En 1996 debutó al fin en la Metropolitan Opera House como Despina en Così fan tutte, y regresó al año siguiente para interpretar el papel de La Cenerentola, ese mismo año debutaba también en el Teatro Colón de Buenos Aires ofreciendo recitales acompañada por Jean-Yves Thibaudet.
Además de Mozart y Rossini, ha vuelto su atención a la música del período Barroco y del período Clásico temprano de compositores tales como Gluck, Vivaldi, Haydn y Salieri. A comienzos de 2005 interpretó a Cleopatra en Giulio Cesare de Händel, papel que desde entonces ha hecho propio y habitual en su agenda.
Dentro de esta línea musicológica recuperó el legado de la legendaria cantante del siglo XIX María Malibrán, y con su disco Sacrificium ha devuelto a la actualidad el olvidado y muy difícil repertorio de los castrati, encabezando las listas de ventas en competencia con las estrellas de la música pop (fenómeno que no ocurría desde los tiempos de Luciano Pavarotti).
En diciembre de 2009 obtuvo un clamoroso éxito con este repertorio en el Teatro Real de Madrid, repitiéndose una vez más en 2010 con un recital de arias dedicado a las heroínas y hechiceras de Händel.
El papel de Angelina en la dice Bartoli que "es el papel que más le ha durado en su carrera y que le resulta complicado desde el principio". Considera que en La Cenerentola, "es el personaje más fuerte de su entorno, que podría ser una superwoman por los diversos talentos que posee, pero prefiere la sencillez a la soberbia. Elige el carpe diem antes que cualquier otra cosa y le sobra el sentido del humor”.
Como mezzosoprano ligera de coloratura, cuenta con un timbre aterciopelado y una técnica acreditadamente impecable, siendo la de mayor relevancia aparecida en Italia desde Giulietta Simionato y una de las cantantes de ópera más populares de los últimos años.
En 2012 la mezzo romana se convirtió en la primera mujer en ser la directora artística del Salzburger Festspiele Pfingsten, en el 2019 se renovó su contrato hasta la edición del año 2026. En su primer año el foco estaba en Cleopatra, en 2013 el festival tenía el lema "Sacrificio - Víctima - Víctima"; Un nuevo hito en la carrera de Cecilia Bartoli fue su debut en el escenario como Norma (Giovanni Antonini dirigió la Orquesta La Scintilla). En mayo de 2013 el lanzamiento de audio de la ópera de Bellini tuvo lugar con Cecilia Bartoli en el papel principal y bajo la dirección de Antonini. En la edición del 2019 el festival acogió a casi 12.000 asistentes, procedentes de 49 países, con una asistencia media del 99%.
En 2016 de la idea de C Bartoli y bajo la tutela del Principado de Mónaco, en asociación directa de la Ópera de Mentacarlo, crea y toma la dirección artística del conjunto barroco magistral Les Musiciens du Prince-Monaco, con el firme propósito de revivir la gran tradición europea de la música de la Corte.
En 2017 el director del Sistine Chapel Choir, monseñor Palombella invitó a La Bartoli a participar en la grabación del disco del coro Veni Domine, tercera colaboración con la Deutsche Grammophon. lo anterior la convierte en ser la primera mujer que graba y se expone cantando en la Capilla Sixtina. Ella puso su voz al servicio del coro para interpretar Beata viscera Mariae Virginis
En diciembre de 2019 la Princesa de Hannover, Carolina de Monaco anuncia a Bartoli como la próxima directora artística de la Ópera de Montecarlo, a partir del 1 de enero de 2023 en relevo de Jean-Louis Grinda; con lo que se convertirá en la primera mujer en asumir las riendas de esa casa fundada en 1879 y en la que debutó hace justo 30 años.
Cecilia Bartoli se ubica entre las sucesoras de Marilyn Horne, la gran mezzosoprano estadounidense especializada en bel canto y perteneciente al grupo de cantantes que durante la posguerra revivieron este arte en peligro de desaparición: María Callas, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Renata Scotto, Leyla Gencer y Beverly Sills.
Auto-Tune es un procesador de audio creado por Antares Audio Technologies para vocales e instrumentales. Es usado para enmascarar inexactitudes y errores, por lo que ha permitido a muchos artistas producir grabaciones con afinación mucho más precisa. El Auto-Tune es también utilizado como un recurso artístico con el que obtener efectos y sonidos interesantes.
Auto-Tune fue utilizado para producir el efecto de distorsión vocal en la canción «Believe» de la cantante Cher grabada en 1998. «Believe» fue la primera grabación comercial en utilizar este software con ese propósito. Después del éxito de dicha canción se le conoció también como el «efecto Cher».
Inicialmente fue creado por Andy Hildebrand, un ingeniero trabajador de Exxon. Auto-Tune está disponible como un plugin para programas profesionales de audio usados en entornos de estudio, tales como ProTools, Cubase, FL Studio y como "stand-alone", unidad de "rackmount" para procesamiento en presentaciones en vivo.
Usos
La armonización está pensada para incrementar la calidad musical de las partes vocales sin que sea evidente que el canto ha sido procesado. Sin embargo, con valores extremos en los parámetros, voluntariamente, con fines creativos, el Auto-Tune se ha convertido en un popular efecto de voz.
El artista estadounidense de R&B T-Pain ha relacionado este efecto con su estilo utilizándolo recurrentemente en casi la totalidad de su música. También esto caracteriza al grupo de eurodance Eiffel 65. El rapero estadounidense Kanye West lo ha usado en varias de sus canciones, al igual que Lady Gaga con sus exitosas canciones "Poker Face", "Eh Eh", "Bad Romance", "Aura" y "Venus". El sonido particular que da este efecto se parece, por sus tonos precisos y de rápido cambio, a la sonoridad que se logra mediante vocoder o talkbox. Los artistas que usan Auto-Tune suelen recibir críticas negativas porque esto hace que se ponga en duda su talento vocal. Uno de los artistas que se oponen totalmente al Auto-Tune es el rapero estadounidense Jay-Z, de tal manera que el segundo sencillo de su disco The Blueprint 3 llevó por nombre «(D.O.A.) Death Of Auto-Tune» (Trad. en español como, La Muerte del Auto-Tune).
Existe un software similar, llamado Melodyne, el cual le ha ido ganando campo al Auto-Tune, sobre todo en el área de producción, debido a que permite la edición manual del tono, teniendo unos alcances menos limitados que el software de Antares. Sin embargo, esta ventaja no existe cuando este se usa en vivo.
Historia
Auto-Tune fue creado por Andy Hildebrand, un geofísico y músico aficionado que desarrolló complejos algoritmos para Exxon para interpretar datos generados por una onda sísmica para encontrar depósitos subterráneos de petróleo. Hildebrand descubrió que sus métodos para interpretar datos sísmicos podía ser utilizado para detectar, analizar y modificar el tono en archivos de audio. Su método para detectar el tono incluía el uso de autocorrelación y prometía ser superior a intentos anteriores, basados en la extracción, de características que tenían problemas procesando ciertos aspectos de la voz humana, como los diptongos. La industria musical consideraba que el uso de autocorrelación no era práctico debido al gran esfuerzo computacional requerido, pero Hildebrand encontró una simplificación que redujo casi un millón de multipply adds a solo cuatro. Después de varios meses, a principios de 1996, implementó el algoritmo en un ordenador Macintosh personalizado y presentó el resultado en el NAMM Show ese mismo año.
Hildebrand tuvo la idea de la tecnología correctora de tono para voz después la sugerencia de un amigo de su mujer, que había estado bromeando que podría crear un aparato para hacerla afinar. Originalmente, Auto-Tune estaba diseñado para corregir discretamente entonaciones imprecisas, con el objetivo de hacer la música más expresiva. La patente original afirmaba que “Cuando las voces o instrumentos están desafinados, las cualidades emocionales de la actuación se pierden.”
De acuerdo con Chris Lee de Los Angeles Times, la canción “Believe”, interpretada por Cher en el año 1998, inyectó las modulaciones mecánicas de Auto-Tune en el pop conscientemente. Los productores de Cher utilizaron el programa para “exagerar la artificialidad de una corrección de tono abrupta”, lo contrario a su propósito original.
En una entrevista, los productores de “Believe” afirmaron haber utilizado un pedal DigiTech Talker FX, en lo que los editores de Sound on Sound consideraron un intento por mantener un secreto comercial. Después del éxito de “Believe” esta técnica fue inicialmente conocida cono “efecto Cher”. En el año 2000, el sencillo “Naive Song”, interpretado por Mirwais Ahmadzai en su álbum Production fue el primer tema en utilizar Auto-Tune en toda la letra.
El uso de Auto-Tune como un efecto vocal fue popularizado a finales de la década de los 2000 por el artista de hip hop/R&B T-Pain, que elaboró el efecto e hizo un uso activo del Auto-Tune en sus canciones. Este nombraba el uso de la Talk Box del productor de new Jack swing Teddy Riley y al artista de funk Roger Troutman como inspiraciones para su uso del Auto-Tune. Se empezó entonces a vincular a T-Pain con el Auto-Tune hasta el punto de que tenía una app para iPhone que simulaba este efecto llamada “I Am T-Pain”.
Ahora apodado “efecto T-Pain”, el uso del Auto-Tune se convirtió en un elemento habitual de la música de finales de la década de los 2000, donde fue especialmente utilizado en la obra de otros artistas de hip hop/R&B, incluyendo el sencillo de Snoop Dogg “Sexual Seduction”, “Lollipop” de Lil Wayne y el álbum de Kanye West 8o8s & Heartbreak. En 2009, durante el auge de la popularidad del Auto-Tune, The Black Eyed Peas hicieron un importante uso del Auto-Tune y otros efectos artificiales de sonido en su hit número uno “Boom Boom Pow” para crear un sonido futurista.
El grupo inglés Radiohead utilizó Auto-Tune en su álbum de 2001 Amnesiac para crear un “sonido nasal y despersonalizado” y para convertir un discurso hablado en música. De acuerdo con el cantante Thom Yorke, el software “intenta desesperadamente buscar música en tu discurso, y produce notas aleatorias. Si les asignas una tonalidad, tienes música”.
El uso de Auto-Tune en el hip hop ha resurgido a mitad de la década de 2010, especialmente en la música trap. Los artistas de hip hop como Future, Migos, Travis Scott y Lil Uzi Vert utilizan Auto-Tune para crear un sonido característico que les diferencie.
El efecto también se ha popularizado en la música raï y otros géneros de África del Norte. De acuerdo con el Boston Herald, las estrellas del country Faith Hill, Shania Twain y Tim McGraw utilizan Auto-Tune en sus actuaciones en directo, llamándolo red de seguridad que garantiza una buena actuación. De todos modos, otros artistas de country como Allison Moorer, Trisha Yearwood, Vince Gill, Garth Brooks y Martina McBride, han negado el uso de Auto-Tune.
La guitarra portuguesa es un instrumento musical de cuerda desarrollado en el siglo XVIII a partir de la cítara al igual que otros cordófonos europeos como por ejemplo la guitarra inglesa. Los primeros ejemplares fabricados en Portugal se le atribuyen al artesano Luis Cardoso Soares Sevilhano.
Tiene el mango bastante corto y se toca rasgándola.
Descripción
El instrumento está compuesto por una caja de resonancia con forma de pera, ligeramente convexa, con abertura circular y 12 cuerdas metálicas dispuestas por pares, cuyas tres primeras parejas (empezando por la más fina y aguda) comparten afinación y con las tres siguientes parejas afinadas con una octava de diferencia.
Las maderas habituales de construcción son nobles: palo santo, abeto y chopo en su interior.
Variedades
Existen tres variedades de guitarras portuguesa diferenciadas fácilmente por el acabado de los cabezales: de voluta o caracol (Lisboa), escultura (Oporto) y lágrima (Coímbra), si bien esta última se afina una nota más grave.
Ejecución
Se ejecuta con los dedos pulgar e índice con sus propias uñas crecidas o púas artificiales de plástico, metal o nácar acopladas de dichos dedos (rasgado).
«Take on Me» es una canción del grupo noruego de pop, A-ha. Paul Waaktaar-Savoy, Magne Furuholmen y Morten Harket compusieron la primera versión y Tony Mansfield se encargó de la producción.
Además de los sintetizadores, presenta una instrumentación variada, que incluye guitarra acústica, teclados y batería. Originalmente, la publicaron como sencillo para Europa en 1984, sin incluirla en ningún álbum, y tuvo una recepción comercial discreta. Alan Tarney produjo una segunda versión, mezclada por Tony Mansfield e incluida en el álbum debut del grupo, Hunting High and Low, en abril de 1985.
Aunque la segunda versión tuvo más ventas que la primera, tampoco fue muy popular en las listas.
No obstante, un tercer y último lanzamiento en septiembre de 1985, acompañado de un video, aumentó las ventas y la popularidad de la banda. Alcanzó la posición número uno en las listas de Estados Unidos, Noruega y otros doce países y la número dos en el Reino Unido, Irlanda y Japón.
En el video se puede ver a los miembros de la banda representados en animaciones dibujadas a lápiz —una técnica conocida como rotoscopio— y también cuenta con escenas filmadas en vivo.
Además, ganó seis premios y estuvo nominado en dos categorías en la ceremonia de 1986 de los MTV Video Music Awards. Gracias al sencillo, según PopMatters, a-ha está considerado un one-hit wonder, y la cadena televisiva VH1 lo ubicó en el tercer puesto dentro de Los 100 mejores one-hit wonders de los 80's.
En la gala de entrega de los Spellemannprisen de 2009, «Take on Me» recibió un reconocimiento al mejor éxito noruego de los últimos cincuenta años.
The Communards fue un grupo británico de dance pop y EDM de la mitad de los 80. La banda se mantuvo activa por corto tiempo, desde 1985 a 1988.
Sus mayores éxitos fueron las versiones de dos canciones: "Don't Leave Me This Way", un viejo tema soul de Harold Melvin & the Blue Notes, así como "Never Can Say Goodbye" de The Jackson Five.
Historia
Se formaron en 1985 después de que el cantante Jimmy Somerville dejara la banda Bronski Beat para crear el grupo con el músico Richard Coles. A pesar de ser principalmente pianista, Coles manejaba un buen número de instrumentos y había tocado anteriormente solos de clarinete en el éxito de Bronski Beat llamado "It Ain't Necessarily So".
Somerville era conocido por su forma de cantar con voz de falsete, y fue considerado abiertamente homosexual durante un periodo de debate creciente socio-político y de conflicto en el asunto de la homosexualidad en el Reino Unido.
La banda tuvo su primer éxito en la lista de los Top 30 de su país en 1985 con la canción de piano, "You Are My World".
En 1986 tuvieron su mayor éxito con una versión de un viejo tema soul del grupo Harold Melvin & the Blue Notes, "Don't Leave Me This Way". La banda se inspiró en la versión de este tema que hizo Thelma Houston en 1976, para hacer una canción de ritmo bailable que se mantuvo durante 4 semanas en el número 1 y se convirtió en el sencillo más vendido en su país durante 1986. También arrasó en las listas de los Estados Unidos.
Esta canción contó con la colaboración Sarah-Jane Morris como co-cantante principal a dúo con Jimmy Somerville, explotando el contraste entre la voz profunda y contralta de Morris y el falsete agudo de Somerville. Morris desarrolló canciones a dos voces de muchas de las versiones de The Communards y de hecho salía en las fotografías como la tercera componente de la banda.
En 1987 tuvieron su segundo gran éxito con la versión del tema "Never Can Say Goodbye" (en castellano: 'Nunca puedo decir adiós'), una canción escrita por Clifton Davis y originalmente grabada por The Jackson Five en 1970 y publicada como sencillo en 1971.
Interesado por la cultura española, el grupo grabó una curiosa e interesante canción con toques andaluces, La Dolarosa, que incluyó en uno de sus álbumes pero sin publicarla como sencillo.
Bananarama es un grupo británico de música pop creado en 1979 por Sara Dallin, Keren Woodward y Siobhan Fahey, siendo esta última sustituida en 1988 por Jacquie O'Sullivan, quien también abandonó la formación en 1991. En 2017 se reintegró Siobhan Fahey, tras anunciar el grupo una nueva gira.
Su nombre proviene de mezclar la palabra «banana» con el título de la canción de Roxy Music «Pyjamarama». Algunas versiones indicaban que la palabra «banana» surgió del programa infantil de televisión The Banana Splits; sin embargo, Woodward ha explicado que surgió tras grabar su primer sencillo en idioma suajili, relacionando a esa fruta con algo tropical.
Carrera
Inicio
La banda se formó en Londres en 1979 por Keren Woodward y Sarah Dallin, amigas desde la infancia, a las que se une Siobhan Fahey, quien a su vez había conocido a Sarah en la Escuela de Moda londinense en la que ambas estudiaban.
Después de haber empezado cantando en fiestas, en casas de amigos y compañeros, y en nightclubs, donde el acompañamiento estaba todo grabado en una cinta y ninguna de ellas tocaba ningún instrumento, llamaron la atención del exbatería del grupo Sex Pistols, Paul Cook, quien produjo su primer sencillo, una versión de «Aie A Mwana» de Black Blood, cantada en idioma suajili.
Tras acompañar al grupo Fun Boy Three en su tema «It Ain't What You Do (It's The Way That You Do It)», que llegó al #4 de la lista británica de sencillos en febrero de 1982, el grupo devolvió el favor a Bananarama en abril de ese mismo año con una colaboración en la canción «Really Saying Something», una versión del tema de The Velvelettes que confirmó el éxito de las chicas en Gran Bretaña, alcanzando el puesto #5 en la lista de éxitos de su país.
Su primer disco, lanzado en 1983 y que llegó al número #7 de la lista inglesa de álbumes, lleva como título Deep Sea Skiving e incluye éxitos como «Shy Boy», que fue #4 y cuyo videoclip fue dirigido por Midge Ure y Chris Cross (ambos de Ultravox), o «Na Na Hey Hey (Kiss Him Goodbye)», que alcanzó el puesto #5.
En julio de 1983 publican, como avance de un futuro trabajo, el tema «Cruel Summer», #8 en el Reino Unido y su primer éxito en los Estados Unidos. Otro de sus grandes logros fue el sencillo «Robert De Niro's Waiting», cuya letra trataba sobre una chica que había sido violada. Alcanzó el número 3 de la lista británica de singles en marzo de 1984. Este triunfo animó a las chicas a abordar temáticas más serias, que quedarían plasmadas en su siguiente larga duración, realizado ese mismo año y producido en su totalidad por Steve Jolley y Tony Swain. A pesar de ser un segundo trabajo, el álbum fue llamado del mismo modo que el grupo, Bananarama, y llegó al número 16 en la lista del Reino Unido.
La canción «Cruel Summer» formó parte del disco de la película The Karate Kid y el grupo participó en la canción benéfica "Do They Know it's Christmas?" de Band Aid.
Sus siguientes trabajos, temas como «Rough Justice» -una canción protesta sobre las tensiones políticas en Irlanda del Norte-, «Hot Line To Heaven» o «Do Not Disturb», lanzados en agosto de 1985 como anticipo de un futuro álbum, no cumplieron las expectativas previstas.
Desarrollo artístico
En mayo de 1986 la suerte del grupo mejoró notablemente, al ponerse en contacto con el trío de productores de moda en aquel momento en el Reino Unido, Stock, Aitken y Waterman, para que estos produjeran dos temas para su nuevo álbum, llamado True Confessions. El trío había producido en 1985 el exitoso sencillo del grupo Dead Or Alive, «You Spin' Me Round (Like A Record)» y Bananarama quería ese nuevo sonido Hi-NRG para hacer una versión de una canción que las acompañaba desde sus inicios: el tema «Venus» del grupo holandés Shocking Blue. El resultado fue un éxito, y «Venus» llegó a lo más alto de los charts incluso a nivel internacional, alcanzando el puesto #8 en el Reino Unido y el número 1 en los Estados Unidos y Australia. El segundo tema, «More Than Physical», no tuvo tanta suerte: llegó al puesto #41 en el Reino Unido y al #73 en los Estados Unidos.
«The Wild Boys» —en español: «Los Chicos salvajes»— es el decimosexto sencillo de la banda británica de new wave Duran Duran. Fue compuesta y producida por los miembros de la banda junto con Nile Rodgers para su álbum en vivo (exceptuando esta canción) "Arena" (1984). La canción fue lanzada en octubre de 1984 en el Reino Unido. Llegó a la primera ubicación en países como Canadá, Alemania e Italia; y segunda en Reino Unido, Estados Unidos, Irlanda, Austria y Suiza. También fue certificado doble platino en los Estados Unidos.
La canción
El director Russell Mulcahy tenía desde hacía tiempo el deseo de hacer un video de larga duración basado en la surrealista y sexual novela de 1971 The Wild Boys: A Book Of The Dead de William S. Burroughs. Sugirió que Duran Duran podría crear una banda sonora moderna de la película de la misma manera que Queen más tarde ofreció una banda sonora de rock para la película Highlander 1986 de Mulcahy. El cantante Simon Le Bon comenzó a escribir algunas letras basadas en una rápida sinopsis del libro de Mulcahy, y la banda creó un telón de fondo fundamentalmente duro para que acompañara las letras.
El sencillo fue publicado con seis cubiertas de colección - uno con cada miembro de la banda individual y una de la banda de forma colectiva.
El 3 de noviembre de ese año, el mismo día en que la canción fue lanzada en Estados Unidos, entró en las listas con el número 38, y luego alcanzaría el puesto 2 en las listas norteamericanas.
Video musical
El video de "The Wild Boys" fue dirigido por Russell Mulcahy. El costo ascendió a más de un millón de dólares, una suma asombrosa para videos musicales de la época, ya que se realizó en los Pinewood Studios, famosos por las películas de James Bond, con una pirámide de metal, un molino de viento y una piscina cerrada profunda, y Russell pidió un rostro robótico realista, docenas de trajes elaborados, prótesis y efectos de maquillaje, y gráficos por ordenador en ese entonces de vanguardia. La coreografía de las danzas estuvo a cargo de Arlene Phillips, incluyendo acrobacias complejas y efectos de fuego. Mulcahy quería que el video fuese una imagen de la película de Burroughs de larga duración, lo que demostraría su visión de los estudios de cine que estaba cortejando, pero ese proyecto nunca se hizo.
El video contó con todos los miembros de la banda encarcelados y en peligro, con trajes rasgados y desiguales similares a la ropa de la película Mad Max 2: The Road Warrior. John Taylor fue atado al techo de un coche Mercedes-Benz para sufrir una psico-tortura con fotos de su infancia y su pasado temprano, Nick Rhodes fue enjaulado con un montón de equipos de computación, Roger Taylor fue puesto en un globo de aire caliente que colgaba del techo, muy lejos del suelo, y Andy Taylor fue atado (junto con la guitarra) a una torre. El cantante Simon Le Bon, se encontraba atado al molino de viento que le sumergía la cabeza bajo el agua por cada revolución; se encontró en dificultad real cuando el molino se detuvo mientras mantenía la cabeza bajo el agua.
"The Wild Boys" fue nombrado como mejor video británico en los Premios BRIT Awards de 1985.
«Voyage, Voyage» es una canción grabada en 1986 por la cantante francesa Desireless.
Fue el primer sencillo de su álbum François y se convirtió en un éxito en muchos países de Europa.
En 2007, la cantante belga Kate Ryan realizó una versión de la canción.
Versión de Desireless
Orígenes
La canción fue escrita por Jean-Michel Rivat.
Historia
Voyage, Voyage (viaja, viaja) fue curiosamente exportada a países normalmente cerrados a la música francesa. En Alemania, la canción se situó en el puesto máximo durante todo el año 1987 sobre el Top 20.
Curiosamente, la canción no consiguió ser número uno en Francia, pero se mantuvo en un segundo puesto durante cuatro semanas, detrás de Elsa Lunghini con su primer éxito T'en vas pas, y permaneció en los puestos más altos durante 21 semanas, desde el 13 de diciembre de 1986 hasta el 9 de mayo de 1987.
The Pretenders es un grupo anglo-americano de rock que en sus comienzos (1978) formó parte de la "New wave".
La banda se componía originalmente de su fundadora, compositora, guitarrista y vocalista Chrissie Hynde, el guitarrista James Honeyman-Scott, el bajista Pete Farndon y el batería Martin Chambers.
Las muertes de Honeyman-Scott y Farndon por consumo de drogas malograron esta formación, y los múltiples cambios de músicos en los años posteriores han dejado a Chrissie Hynde cómo único miembro permanente y referente absoluto del grupo.
La actividad pública de Hynde ha trascendido el terreno musical y se ha destacado como activista en favor de diversas causas.
SU MAYOR ÉXITO:
"DON'T GET ME WRONG"(GET CLOSE)
El álbum GET CLOSE se editó en 1986. El disco incluía los éxitos "Don't Get Me Wrong" (Top 10 con un popular video de homenaje a la serie de televisión Los vengadores), y "Hymn to Her" (popularmente interpretada como un himno a Dios en clave femenina, número 8 en el Reino Unido).
Otras dos canciones, "If There Was a Man" y "Where Has Everybody Gone?" se incluyeron en la banda sonora de la película de James Bond The Living Daylights, de las que el compositor John Barry hizo una adaptación instrumental en varias escenas.
Para la gira de Get Close, la banda se reforzó con la incorporación del teclista Bernie Worrell, ex-P-Funk y Talking Heads.
Sin embargo, la formación pasó por muchos problemas; dos músicos fueron despedidos, McIntosh finalmente se marchó, y el guitarrista Johnny Marr, ex-Smiths, le sustituyó para los últimos conciertos en 1987.
Para entonces, estaba claro que Pretenders tenía de banda sólo el nombre, y éste era ya el mero vehículo de la vocalista Chrissie Hynde.
Eurythmics fue una banda británica de synth pop, originaria de Londres, formada por Annie Lennox (vocalista) y David A. Stewart (compositor) a principios del año 1980.
Consiguió durante su existencia un enorme éxito comercial y ha llegado a vender 80 millones de discos en todo el mundo. Sus miembros han obtenido, entre otros premios, 4 Grammys, un Óscar y 2 Globos de Oro, bien formando parte del grupo o bien por separado.
El nombre del grupo proviene de la palabra Euritmia (en latín eurythmĭa del griego εὐρυθμία), cuyas raíces devienen del griego Eu —Bien, bueno— y Rythmes —Ritmo—, refiriéndose a la correspondencia que hay en cada una de las partes para producir una obra de arte musicalmente.
Eurythmics es reconocido como uno de los grupos líderes del synth pop o techno pop de los años 1980 y más destacados por sus videoclips. A ello contribuyeron tanto la capacidad de innovación de David A. Stewart en las técnicas de producción como la controvertida imagen de la vocalista Annie Lennox, siendo el grupo que abriría la era del videoclip, de las ambigüedades y de la libertad.
Son conocidos mundialmente por grandes éxitos musicales, tales como, Sweet Dreams (Are Made of This), Love Is A Stranger, Who´S That Girl?, Right By Your Side, Here Comes The Rain Again y la celebérrima 1984 también llamada Sex Crime, que apareció en la banda sonora de la película 1984, basada en el libro 1984 de George Orwell.
Tina Setkic (Isla de Francia, 7 de abril de 1999) es una guitarrista francesa especializada en cubrir solos técnicamente difíciles de heavy metal de Van Halen, Gary Moore, Iron Maiden, Megadeth y Pink Floyd, y música clásica metalizada que incluye piezas de Beethoven, Paganini, y Vivaldi, empleando principalmente una técnica de guitarra conocida como trituración.
Desde los trece años, su popularidad ha aumentado, especialmente a través de YouTube y las redes sociales, atrayendo la atención de notables músicos y fabricantes de guitarras. Originaria de la región de París, recibió lecciones de guitarra clásica a la edad de 6 años, y luego estudió con el guitarrista de jazz-rock Renaud Louis-Servais. A los 9 años hizo un cover de la versión clásica de "Hotel California" de los Eagles y a los 13 comenzó a especializarse en rock eléctrico.
Setkic comenzó un canal de YouTube en 2007 (a los 8 años) y en 2013 subió un video de su versión del solo de guitarra de Eddie Van Halen, Eruption. En una semana, este video fue visto cuatro millones de veces y en los dos años siguientes se había visto once millones de veces.
En el mismo año, hizo una versión de la pieza "Verano" (Las Cuatro Estaciones) de Vivaldi.
(Adaptada para guitarra eléctrica por Patrick Rondat en 1996).
En marzo de 2015, tocó Through the Fire and Flames, de la banda británica DragonForce.
A principios de 2016, sus videos habían recibido un total de aproximadamente sesenta millones de visitas y en 2017 obtuvo el puesto 217 (36% superior) en la lista de YouTubers franceses según el número de suscriptores y el 265 (44% superior) en la lista de YouTubers franceses según el número de visitas a YouTube.
Setkic no ha subido ningún video desde finales de 2016, pero en 2020 había acumulado un total de 162 millones de visitas.
Setkic es una artista destacada del fabricante francés de guitarras Vigier Guitars, y su interpretación ha sido notada por el bajista Wolfgang Van Halen.
Según Setkic, su interés por la guitarra proviene de su pasión por el trabajo de las guitarristas Ana Vidović and Orianthi.
No hay evidencia que sugiera que se haya presentado como artista independiente o como músico de sesión o que haya sido musicalmente activa de alguna manera en público.
José Celestino Casal Álvarez, más conocido como Tino Casal
(Tudela Veguín, Asturias, 11 de febrero de 1950 - Madrid, 22 de septiembre de 1991), fue un cantante y compositor español de música pop inscrito en las corrientes techno y new romantic de los años ochenta. Desarrolló también otras facetas, como productor de otros cantantes, pintor y escultor.
Es una figura clave de la denominada Movida madrileña, en la que destacó por sus audacias musicales, barroquismo visual y estética Glam rock. Falleció en un accidente de coche en las cercanías de Madrid a los 41 años.
Biografía
Inicios musicales
Tino Casal nació en el pequeño pueblo industrial de Tudela Veguín, cerca de Oviedo. Comenzó su carrera musical en 1963, a los trece años de edad y mientras estudiaba en la Escuela de Artes y Oficios de Oviedo, en un grupo llamado Los Zafiros Negros.
En 1966 Cholo Juvacho se fija en él para formar parte de la banda asturiana Los Archiduques sustituyendo al cantante principal por enfermedad. Con ese grupo grabó tres singles, discos de pequeño formato que contenían dos canciones, una por cada cara: «No le ames»/«Lamento de gaitas», «Dimensión en Sol mayor»/«Quiero volar muy alto» y «Linda»/«La princesa y el juglar». La exitosa «Lamento de gaitas» fue la primera canción pop-rock española en incluir la gaita. Se separó del grupo al poco tiempo y decidió marcharse a vivir a Londres para cultivar otra de sus facetas: la pintura. En la capital británica tuvo su primer contacto con la corriente del glam rock liderada por David Bowie.
En 1977 Tino Casal regresa a España, donde firma un contrato con la discográfica Philips. El sello buscaba en él al sustituto de cantantes melódicos desaparecidos como Nino Bravo, y Casal edita dos sencillos de discreta acogida: «Olvidar, recordar»/«Dam, dam» y «Emborráchate»/«Besos, caricias». En esos años se presenta a diversos festivales musicales y en 1978 participa en el Festival de Benidorm, donde queda segundo lugar a pesar de ganar varios galardones como "mejor cantante joven" o "mejor composición musical".
Contrato discográfico con EMI
Tras romper con Philips, Casal vuelve a volcarse en la pintura hasta que, en 1980, regresa a la música, produciendo los trabajos de grupos como Goma de Mascar o los dos primeros álbumes del primer grupo considerado de heavy metal en España: Obús. Interesados por su trabajo la discográfica EMI le contrata en 1981.
Con el nuevo contrato Tino Casal obtiene una mayor libertad a la hora de trabajar por lo que retoma su carrera como cantante. En 1981 publica su primer disco en solitario, bajo el nombre Casal, Neocasal. Separando de este modo su anterior etapa de su nuevo concepto. En este primer trabajo se encuentran grandes éxitos como «Champú de Huevo» (su primer número 1) o «Billy Boy», producido por Julián Ruiz. También una versión de la canción «Life on Mars?» de David Bowie. A pesar de que el trabajo no contó con el visto bueno de la crítica Casal comenzó a cosechar seguidores.
Por otro lado continuó su carrera como productor, con grupos como Video u Obús, y colaboró con artistas como Pedro Almodóvar, al que financió parte de las películas Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón y Laberinto de pasiones. En esta última película cedió elementos como su chaqueta roja que en la cinta lleva puesta Imanol Arias.
En 1983 publica Etiqueta Negra, con el que Casal se consolida como cantante con éxitos como «Embrujada» o «Póker para un perdedor», es la primera ocasión en que cuenta con el teclista y arreglista Javier Losada, quien, a partir de ese momento, sería el músico de confianza en el estudio de grabación, y con el que lograría la mayor parte de sus éxitos. El disco logra buenas ventas, y el artista
decide reeditarlo con nuevos temas.
Un año después lanza Hielo Rojo del que se extrae su sencillo «Pánico en el Edén», canción que obtuvo enorme resonancia por su uso en las transmisiones televisivas de la Vuelta ciclista a España. En 1983 terminó su relación sentimental con la figurinista Pepa Ojanguren que ambos habían mantenido fuera
de los medios desde 1970.El artista continúa realizando actuaciones y colaboraciones hasta que en 1985 sufre un esguince en medio de una gira. Desoyendo los consejos médicos prosigue con su gira durante dos meses más, automedicándose con antiinflamatorios y analgésicos, hasta que tiene que ser hospitalizado al borde de la muerte por causa de una necrosis. La larga convalecencia le obligó a permanecer en silla de ruedas durante varios meses.
Reaparición con Lágrimas de cocodrilo
Casal regresa en 1987 con un nuevo álbum grabado en los Estudios Doublewtronics de Madrid y producido por Julián Ruiz. Dicho trabajo, Lágrimas de cocodrilo, cuenta con distintas versiones de otros grupos y canciones propias. Su mayor éxito fue la versión de «Eloise», un clásico de 1968 cantado por Barry Ryan y compuesto por su hermano gemelo Paul Ryan -también versionado por The Damned en 1986-, que llegó a ser número 1 en Los 40 Principales y se convirtió en uno de sus temas más emblemáticos.
Este álbum fue el segundo más vendido en España en 1988 solo por detrás de Descanso Dominical Dominical de Mecano.En octubre de 1989 lanzó su último disco en vida, Histeria, compuesto en su mayoría por versiones revisadas de temas de los años 1970. Tras este lanzamiento, Casal se dedicó en sus últimos años a la pintura y la escultura, además de colaborar con otros artistas. Preparaba el lanzamiento de su nuevo disco en 1992 con la intención de grabarlo en Tokio. Al año siguiente de su muerte apareció el recopilatorio Etiqueta Negra: Grandes Éxitos que sería el único disco disponible hasta el año 2000.
Muerte
Tino Casal falleció el 22 de septiembre de 1991 a los 41 años a causa de un accidente de tráfico en Madrid. Iba en el asiento al lado del conductor en un Opel Corsa cuando este por exceso de velocidad chocó contra una farola de la M-500, a 400 metros del Puente de los Franceses, siendo Casal la única víctima mortal al no llevar puesto el cinturón de seguridad. El informe médico determinó su muerte como "rotura del músculo cardíaco causada por una de sus propias costillas".
La noticia causó gran conmoción en el panorama musical español. EMI reeditó un año después de manera póstuma su recopilatorio Etiqueta negra. En posteriores recopilatorios y trabajos Tino Casal ha sido versionado y homenajeado por artistas como Alaska, Marta Sánchez, Despistaos o Stravaganzza, entre otros.
Heart es una banda estadounidense de Rock oriunda de Seattle formada por las hermanas Ann y Nancy Wilson, la banda fue fundada a principios de la década de 1970.
Entre 1973 y 1976 la agrupación estuvo radicada en Vancouver, Canadá. Heart saltó a la fama a mediados de la década de 1970 con música influenciada por el hard rock, el heavy metal y la música folclórica. La banda gozó de gran popularidad alrededor del mundo desde mediados de los años 1970 hasta inicios de la década de 1980.
Su popularidad disminuyó a principios de la década de 1980 pero luego supieron reinventarse y disfrutaron de un exitoso regreso a partir de 1985 experimentando una renovada popularidad que se incrementó aún más a finales de los años 1980 y principios de la década de 1990, debido a una serie de álbumes en cadena que resultaron un éxito.
La banda atravesó diversos cambios en su formación al correr de los años, los únicos miembros constantes del grupo fueron las hermanas Wilson.
Algunas de las canciones más emblemáticas y exitosas de la agrupación son «Magic Man», «Crazy On You» y «Barracuda», en la que se notaba la influencia de grupos de hard rock, como Led Zeppelin, incluso el estilo de música folk.
Luego a medidos de los años 1980 y principios de la década de 1990 catalizaron otro puño de éxitos con temas como «Alone», «All I Wanna Do Is Make Love to You», «These Dreams», «What About Love» o «Never», entre otros.
Este grupo canadiense ha vendido cerca de 90 millones de discos alrededor del mundo.
Sarah Brightman (Hertfordshire, Inglaterra, 14 de agosto de 1960) es una cantante, actriz, bailarina y directora de orquesta inglesa que interpreta música del género denominado crossover clásico así como Ópera y teatro musical. Se caracteriza por poseer un timbre agudo de soprano ligera. Ha interpretado un gran número de arias de ópera de compositores famosos, las cuales se incluyen en sus álbumes.
Ha cantado en inglés, español, francés, catalán, latín, alemán, italiano, japonés, hindi, mandarín, ruso y occitano.
Ha recibido 180 discos de Oro y Platino en 38 países y es la única artista en el mundo que ha ocupado el puesto #1 en el Billboard Dance y el Billboard Classical Chart en simultáneo.
En 1981 debutó en el musical Cats y contrajo matrimonio con el compositor Andrew Lloyd Webber de quien se divorció en 1990.
Protagonizó musicales en Broadway y en el West End, incluyendo El fantasma de la ópera, en el cual interpretó el papel de Christine Daaé. El álbum del musical ha vendido más de 40 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en la banda sonora teatral más vendida de todos los tiempos.
Al retirarse del teatro, Brightman continuó su carrera musical junto con el exproductor del grupo Enigma, Frank Peterson, esta vez como intérprete del género Classical Crossover. A Brightman se le atribuye la creación de este estilo musical y se mantiene como una de las vocalistas más destacadas del mundo, con ventas que exceden los 30 millones de discos y 2 millones de DVD, estableciéndose como la soprano más exitosa de la historia.
Time to Say Goodbye, el dueto de 1996 de Brightman junto con el tenor italiano Andrea Bocelli, llegó al número uno de las listas musicales de toda Europa, y se convirtió en la canción con mayores ventas hasta la actualidad en Alemania, en donde ha vendido más de 3 millones de copias. La canción vendió 12 millones de copias en el resto de mundo, definiéndose como uno de los sencillos musicales más vendidos de todos los tiempos.
Aparte de la música, Brightman empezó una carrera en las artes visuales, haciendo su debut en la película Repo! The Genetic Opera (2008), una película de rock ópera-musical dirigida por Darren Lynn Bousman, en donde interpretó a Blind Mag, y First Night en donde dio vida a Celia, de Stephen Evans que se estrenó en marzo de 2011 en el Festival Cinematográfico de Glasgow.
Formó su propia compañía de producción fílmica Instinct Films con la cual está produciendo su primera cinta.
Brightman fue nombrada Artista de la Paz por la Unesco para el periodo 2012-2014.
Diana Navarro Ocaña (Málaga, 21 de abril de 1978) es una cantante española.
Estudió el Máster de Interpretación para Cine y TV Escuela Universitaria de Artes TAI.
Discografía
No te olvides de mí (2005)
Gracias a su primer trabajo, consiguió un doble disco de platino con más de 200 000 copias vendidas, más de 120 conciertos, nominación a los Grammy Latinos como Artista revelación, Premios Ondas como Artista Revelación, Premio del Público Canal Sur 2005, Premio Cadena Dial 2006, nominada a los Premios de la Música en seis candidaturas, así como pregonera de la Feria de Málaga y Malagueña del Año por diferentes asociaciones de su ciudad natal.
En 2006 apareció una edición especial que incluía CD+DVD con versiones instrumentales de algunas canciones y un remix de «Sola». Además de los videoclips de «Sola», «No te olvides de mí» y «Ea».
1 «Sola»
2«No te olvides de mí»
3«Ea»
4«Esto es lo que hay»
5«Deja de volverme loca»
6«Una y no más»
7«Diana»
8«No me tires más besitos»
9«Los días que paso sin ti»
10«El tránsito» (saeta)
11«Deja de volverme loca» (acústica)
12«Tengo miedo»
24 rosas (2007)
En 2007 publicó su segundo trabajo discográfico, 24 Rosas, con el que consigue vender más de 120 000 copias (disco de platino), proclamándose Disco de oro en tan sólo 7 semanas, 5 Nominaciones a los Premios de la música y más de 60 conciertos por toda España que compagina con el espectáculo Mujeres donde actuó junto a Merche Esmeralda, Rocío Molina y Belén Maya, bajo la dirección de Mario Maya, llevando su voz a Nueva York, Washington, Miami, Londres y París.
1«Mare mía (latín)»
2«Caracoles (Madre de la Soledad)»
3«Mira lo que te has perdío»
4«Tú me vas»
5«Soñando»
6«Brindo por ti»
7«Ojalá»
8«Mi niña Tadea»
9«Amor mío»
10«Imaginando»
11«24 rosas»
12«Padre nuestro»
13«Mare mía (castellano)»
14«Letanía»
Camino verde (2008)
En octubre de 2008 presenta “Camino Verde”. Un trabajo lleno de coplas clásicas con una visión musical actualizada, con el que consigue su cuarto Disco de platino, ya que superó las 120 000 copias vendidas.
1«Ojos verdes»
2«Campanera»
3«Farruca del tran tran»
4«Una paloma blanca»
5«Embrujá por tu querer»
6«La bien pagá (Bien pagao)»
7«Vino amargo»
8«María de la O»
9«Como las alas al viento»
10«Camino verde»
11«A Caracol y Valderrama»
12«La rosa y el viento»
13«Coplas de amor» (medley de coplas a piano y voz:
14«Te he de querer mientras viva» / «Dime que me quieres» / «Y sin embargo te quiero»)
14«Separaos» (capella)
Flamenco (2011)
El 31 de octubre de 2011 salió a la venta Flamenco. Un homenaje al flamenco y a sus cantantes, desde la Niña de la Puebla hasta Morente. Junto al CD se distribuye un DVD con la grabación en directo el 29 de julio en el Teatro Quintero en Sevilla. Gracias a este disco fue nominada a los Grammy Latino 2012, como mejor álbum de Flamenco.
1«En la cabaña que habito (Guajira)»
2«Deja que te mire (Cantiñas)»
3«Tinieblas (Milonga)»
4«Ni contigo ni sin ti (La Caña)»
5«A la bella (Cantes Abandolaos)»
6«Tangos del Antoñi»
7«Padre Nuestro (Campanilleros)»
8«Cuplerías (Bulerías)»
9«Hiciste sangre en mis labios (Fandangos)»
10«Sola (Media Granaína)»
11«Amargura Dolorosa (Saeta)»
Género Chica (2012)
El 20 de noviembre sale a la venta el disco que cierra la trilogía realizada por la artista compuesta por Camino Verde y Flamenco. Diana hace un homenaje al Género Chico, a la zarzuela. El disco está compuesto por 11 temas:
1«La Paloma» (de la zarzuela El barberillo de Lavapiés)
2«Guajiras» (de la zarzuela La Revoltosa)
3«Tango de la Menegilda» (de la zarzuela La Gran Vía)
4 «La Farruca del Tran Tran»
5«La Tarántula» (de la zarzuela La Tempranica)
6«Mira lo que te has perdío»
7«Carceleras» (de la zarzuela Las hijas de Zebedeo)
8«Sola»
9«Romanza de la rosa» (de la zarzuela El rey que rabió)
10«La Gitana» (de la zarzuela La chavala)
11«Canción de la Gitanilla» (de la zarzuela La alegría de la huerta)
La esencia (2013)
El 12 de noviembre Diana Navarro presenta "LA ESENCIA". Un recorrido por la carrera de esta artista universal, con contenido inédito y DVD. Este nuevo trabajo podría contar con versiones de Summertime, Moon River o Ancora qui. También se dejará ver nuevos temas compuestos exclusivamente por la artista. Se compone de 2 CD y un DVD.
CD 1:
1«Amar es para siempre»
2«Tus labios son el cielo»
3«Anda tonto!»
4«La paloma»
5«La tarántula»
6«Cuplerías»
7«Tinieblas»
8«Campanera»
9«Embrujá por tu querer»
10«Una paloma blanca»
11«Mare mía»
12«24 Rosas»
13«Padre nuestro»
14«Mira lo que te has perdío»
15«Sola»
16«No te olvides de mí»
17«Ea»
18«Deja de volverme loca (acústica)»
CD 2:
1«Te extraño (con Armando Manzanero)»
2«Solamente tú (Acústico con Pablo Alborán)»
3«A buena hora (con Sergio Dalma)»
4«No matemos el tiempo (con Vanesa Martin)»
5«Miradas cruzadas (con David de María)»
6«Pido la palabra (con Andy & Lucas)»
7 Moon river (con Los Chicos del Coro)»
8«Esos ojitos negros (con Dúo Dinámico)»
9«Lía (con María Dolores Pradera)»
10«Romeiro ao lonxe (con Sara Vidal de Luar Na Lubre)»
11«La higuera (Yocasta)»
12«Tangos del Roneo (con Encarni Navarro)»
13«Ancora qui»
14«Summertime»
DVD:
1«Mediometraje Yocasta»
2«Recital en el Auditorio María Cristina de Málaga)»
3«Videoclips»
Resiliencia (2016)
Después de varios años sin editar un trabajo discográfico con canciones inéditas, el 20 de mayo de 2016, edita Resiliencia. Trece temas cargados de dolor y un camino recorrido a través de este trabajo, en el que del dolor se pasa a la salida, a la superación, a la aceptación. La propia artista confirmaba en una entrevista "Me di cuenta de que no me quería nada y me pasaban cosas extrañas por ello y eso me llevó hasta aquí y he querido compartirlo con la gente en forma de canciones".
1
«Angelito de canela»
2«El perdón»
3«Yo me voy a querer»
4«Eres tú»
5«Haz conmigo lo que quieras»
6«Los niños, no»
7«La revolución del amor sincero»
8«Olivia Ovidia»
9«Que sí, que sí, que sí...»
10«Ni siquiera nos quedó París»
11«Desnuda vengo aquí»
12«Me amo y me acepto completamente»
13«La reina de Occidente»
Inesperado (2019)
Inesperado es la confirmación del estilo de Diana Navarro. Su impresionante voz, más conmovedora que nunca, te traspasa con cada nota y palabra, por sus acrobáticos melismas y su poesía directa. Sus originales composiciones te harán viajar por un sin fin de sonoridades y emociones donde podrás deleitarte, sin prisa, de una experiencia musical única. Artista en constante investigación, sigue fusionado Copla, Flamenco y Zarzuela con estilos tan dispares como el Pop Sinfónico o la Electrónica.
En esta ocasión, nos sorprende además, con una versión Trap de Encrucijada de Marifé de Triana y con La seguiriya del Marrurro: “Me viene siguiendo” con texto de Felix Grande Bori Alarcón vuelve a producir de manera exquisita este gran trabajo en el que también han colaborado grande músicos como Paco Salazar, Iñaki Garcia, Carlos Vera, Pedro Vazquez, Chico Valdivia, Arco y Luis Ramiro entre otros.
Es gratificante y esperanzador ver que la creatividad prevalece a las modas. Diana Navarro con su nuevo disco, Inesperado, así lo demuestra.
1«Cuando venga el amor»
2«Encrucijada»
3«Adiós»
4«Me bebo tus secretos»
5«Una flor como la mia»
6«Inesperado»
7«Coral y espuma»
8«La flor del asfalto»
9«Moreno mío»
10«Deseo comprenderte»
11«El último amparo (Seguiriya del Marrurro)»
Azabache 20 años después
En el año 2012, cuando se cumplía dos décadas de la Expo 92 celebrada en Sevilla, se realizó de nuevo el espectáculo Azabache, representado en dicha Exposición Universal.
En el año 1992 fueron Rocío Jurado, María Vidal, Nati Mistral, Juanita Reina e Imperio Argentina quienes lo representaron.
En 2012 serían Pastora Soler, Pasión Vega, Manuel Lombo y Diana Navarro quienes, bajo la batuta de José Miguel Évora, recrearan de nuevo el espectáculo.
Durante el año 2013 también realizan gira por toda España con el espectáculo.
