EL ARTE DE VINCENZO CARDUCCIO

VINCENZO CARDUCCIO

Biografía

Vicente Carducho o Vincenzo Carduccio - el apellido también se encuentra bajo la forma Carducci-, (Florencia; 1576 ó 1578 - Madrid; 1638); pintor y tratadista de arte barroco de origen italiano, cuya actividad artística se desarrolló en España, maestro de pintores como Francisco Fernández, Pedro de Obregón, Francisco Collantes, Bartolomé Román y Félix Castello.

Aunque nacido en Italia, se traslada muy joven a España siguiendo a su hermano Bartolomé, quien había sido contratado por Felipe II para la magna obra del Monasterio de El Escorial como pintor de frescos y retablos; en su taller aprendió el oficio, impregnándose de su estilo, entre el clasicismo y el manierismo postrenacentista. Tras la realización de diversos trabajos menores para la corte española, su primera gran obra es el retablo Predicación de San Juan Bautista, para el Monasterio de San Francisco de Madrid, de concepción muy atrevida para la época.

Discípulo y ayudante de su hermano, tras la muerte de éste en 1609 adquiere su misma posición como pintor de cámara del rey, encargándose de la decoración de una galería en el Palacio Real de El Pardo, con cuadros referentes a la hazañas de Aquiles.

En 1618, y ya como pintor del rey Felipe III, colaboró en el altar mayor del Monasterio de Guadalupe, situado en la provincia extremeña de Cáceres, entonces monasterio de la orden jerónima. Pintó también el retablo mayor del Real Monasterio de la Encarnación, en Madrid, entre 1613 y 1617, presidido por una monumental Anunciación (conservada in situ, aunque el retablo fue modificado posteriormente).

En 1627 el rey Felipe IV convocó un concurso entre sus pintores de cámara con el tema La expulsión de los moriscos en 1609, concurriendo al mismo Velázquez, Angelo Nardi, Eugenio Caxés y el propio Carducho. El premio fue para Velázquez, aunque no se conserva el cuadro con el que ganó (resultó destruido en el incendio del Real Alcázar de Madrid de 1734). Lo único que se conserva de este concurso es un magistral esbozo de Carducho.

Hasta la llegada de Velázquez, fue la personalidad más influyente de la escuela madrileña de pintura, exponiendo sus concepciones artísticas en el libro Diálogos de la pintura, su defensa, origen, essencia, definición, modos y diferencias al gran monarca... Felipe IV... Síguense a los Diálogos, Informaciones y pareceres en sabor del Arte, escritas por varones insignes en todas letras (Madrid: Fr. Martínez, 1633; hay edición moderna de Calvo Serraller: Madrid: Turner, 1979), donde demuestra la profundidad de su cultura humanística, habiendo leído a tratadistas de arquitectura como Marco Vitruvio, Sebastiano Serlio y Andrea Palladio. En ese año y por su influencia, consiguió reducir un impuesto sobre pinturas que era una pesada carga sobre los artistas de la época, y cuatro años más tarde consiguió la supresión total del mismo; poseía una concepción aristocrática del artista, quien a su juicio debía poseer una formación filosófica y humanista, por más que en la época se consideraba al pintor poco menos que a un mayordomo y un trabajador manual.

Fue amigo de Lope de Vega y de Luis de Góngora y protegido del Duque de Lerma y, a través de él, de Felipe III, aunque no dejó de irle bien durante el reinado de Felipe IV, de forma que, cuando el valido del monarca, el Conde-Duque de Olivares, impulsó la construcción y decoración del Palacio del Buen Retiro, recibió encargos importantísimos para su Salón de Reinos y fue uno de los más contratados para cantar las gestas bélicas en la Guerra de los Treinta Años. 

En la década de los treinta pintó, por ejemplo, para el Palacio del Buen Retiro, La victoria de Fleurus, La expugnación de Rheinfelden y El socorro de la plaza de Constanza. Esta concepción de la pintura como arte liberal y no mecánica le hizo desestimar, al menos cara a la galería, la obra de Caravaggio y los temas de género, aunque es innegable que recibió la influencia de su claroscuro tenebrista.

Además de sus trabajos para la realeza, trabajó para gran cantidad de parroquias y conventos, destacando en esta faceta sus obras para el Monasterio del Paular.

Cuadros del Monasterio del Paular

La obra maestra de Carducho fue la realización entre 1626 y 1632 de 56 grandes cuadros para cubrir otros tantos huecos en el claustro de la cartuja del Monasterio de Santa María del Paular, situado en el valle del Lozoya, en la vertiente madrileña de la sierra del Guadarrama. Estos 56 cuadros de diez metros cuadrados cada uno, conocidos como la serie cartujana, le valieron 130.000 reales del prior Juan de Baeza, quien fue el que le encargó el trabajo, y narran la vida del fundador de la orden, san Bruno de Colonia, así como la historia de la orden cartuja. En su taller de la calle de Atocha, auxiliado por sus discípulos Bartolomé Román (1596-1659) y Félix Castello (nieto del Bergamasco), llevó a cabo el encargo, que le tuvo ocupado durante seis años. 

Con la desamortización en 1835 fueron repartidos entre diversos museos e instituciones de España, pero sorprendentemente - y tras muchas vicisitudes - se conservan 52 de los 54 cuadros del ciclo (dos se perdieron, probablemente quemados por los republicanos durante la Guerra Civil Española, 1936-1939).

Tras la exclaustración de los cartujos en 1835, el monasterio estuvo abandonado hasta que en 1954 el Gobierno del General Franco lo cedió en usufructo vitalicio a la orden de San Benito. Tras nueve años de trabajo, en el verano de 2006 se finalizó la restauración de los 52 cuadros del ciclo. Ello fue posible merced a los desvelos del estudioso alemán Werner Beutler y de los responsables del Museo del Prado. La tarea fue difícil, teniendo en cuenta que cada uno de los "mediopuntos" mide 3,45 x 3,15 metros, y que el estado de conservación de casi todos era lamentable. Destacan en especial como obras maestras de este conjunto la Conversión de San Bruno, la Aparición de la Virgen a un hermano cartujo o la Muerte de San Bruno. 

Otros cuadros narran milagros, apariciones, éxtasis, pesadillas monstruosas y aparatosos martirios, a manera de una gran novela visual. Otros cuadros poseen, como valor añadido, el anecdótico; por ejemplo, en Muerte del venerable Odón de Navarra aparecen retratos del propio pintor y de su amigo Lope de Vega.

En agosto de 2009 se llevaron a cabo unas importantes obras de restauración y climatización del claustro, precisas para poder obtener el retorno de la serie cartujana de Vicente Carducho a su lugar original, proceso que culminó en 2011 con la reinstalación de los 52 lienzos supervivientes de los 56 originales (54 del ciclo más otros 2 que representaban el escudo de la orden y el de Felipe IV).

Otras obras

La batalla de Fleurus, pintada por Carducho para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro.

Además de las pinturas del Paular, las principales obras de Carducho se encuentran actualmente en el Museo del Prado.

- La predicación de San Juan Bautista

- La visión de San Antonio.

En 1634-1635 le fueron encomendados a Vicente Carducho tres cuadros de grandes dimensiones, destinados a decorar el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, dentro de un ciclo pictórico en el que intervinieron otros grandes artistas, como Zurbarán, Velázquez o Maino. La decoración de esta estancia, uno de los programas decorativos más ambiciosos del barroco español, estaba destinada a conmemorar la gloria de la monarquía hispánica, mezclando cuadros alusivos a triunfos militares recientes con escenas mitológicas. Carducho fue el artista que más obras aportó al conjunto, después de Zurbarán y Velázquez. A pesar de ello, sus obras no alcanzan el nivel de las de sus rivales, que pintaron obras maestras como La rendición de Breda (Velázquez) o La recuperación de Bahía del Brasil (Maino). Los tres cuadros de batallas de Carducho, conservados hoy en el Museo del Prado, son:

- La victoria de Fleurus, que conmemora la victoria en 1622 de Gonzalo de Córdoba, al frente del ejército de Felipe IV, sobre las tropas protestantes alemanas en Fleurus (Bélgica).

- La expugnación de Rheinfelden conmemora la liberación de esta ciudad suiza por las tropas españolas al mando de Gomes IV Suárez de Figueroa y Córdoba, duque de Feria, en 1633.

- El socorro de la plaza de Constanza, en recuerdo del levantamiento del asedio que en 1633 consiguió el duque de Feria.

COLECCION DE LIENZOS GARCIA MONTANES
"MUSEOSANTA CRUZ"

MONSTRUOS DE PIEDRA: "GÁRGOLAS, QUIMERAS Y GRIFOS"

GÁRGOLAS, QUIMERAS Y GRIFOS

GÁRGOLA
Gárgola es un ser imaginario, representado generalmente en piedra, que posee características a menudo grotescas. Su nombre puede derivar del francés gargouille (gargouiller, producir un ruido semejante al de un líquido en un tubo), y éste del latín gargărīzo, que a su vez deriva del griego hacer gárgaras.

Historia
El origen de las gárgolas se remonta a la Edad Media y se relaciona con el auge de los bestiarios y los tormentos del infierno. Cierto es también que la imaginación de los artistas medievales estaba abonada por mitos aún más antiguos. De hecho, las primeras gárgolas fueron bautizadas con el nombre de 'grifos', evidenciando así su raigambre clásica. No obstante, la iconografía gargólica no se limitaba a la mera representación de grifos, sino que plasmaba, además, otros seres fabulosos que podían tomar la forma de animales, seres humanos o una mezcla de ambos; pero siempre representados de manera más o menos monstruosa. En la época actual podemos encontrar la serie Gárgolas que representa los poderes supuestos mitológicos que estas rocas con forma monstruosa desempeñaban.

Función
Las gárgolas cumplían tres funciones básicas, a saber:

Desaguar los tejados. Ver gárgola (arquitectura).
Decorar dichos desagües buscando, por tanto, una finalidad estética.
Una tercera, apoyada en creencias populares y leyendas de que sirven para ahuyentar al demonio y otros espíritus del mal.

QUIMERAS
En la mitología griega, Quimera (en griego antiguo Χίμαιρα Khimaira​ que significa animal fabuloso; en latín Chimæra) era un monstruo híbrido, hija de Tifón y de Equidna, que vagaba por las regiones de Asia Menor aterrorizando a las poblaciones y engullendo animales, y hasta rebaños enteros. De su unión con Ortro nacieron la Esfinge y el León de Nemea.

Las descripciones varían desde las que decían que tenía el cuerpo de una cabra, la cola de una serpiente o un dragón y la cabeza de un león, hasta las que afirmaban que tenía tres cabezas: una de león, otra de macho cabrío, que le salía del lomo, y la última de dragón o serpiente, que nacía en la cola.​ Todas las descripciones coinciden, sin embargo, en que escupía fuego por una o más de sus cabezas. Era sumamente rápida.

Quimera fue derrotada finalmente por Belerofonte con la ayuda de Pegaso, el caballo alado, a las órdenes del rey Iobates de Licia. Hay varias descripciones de su muerte: algunas dicen simplemente que Belerofonte la atravesó con su lanza, mientras que otras sostienen que la mató cubriendo la punta de la lanza con plomo que se fundió al ser expuesto a la ardiente respiración de Quimera.

La quimera de Arezzo, de origen etrusco conservado en el Museo Arqueológico de Florencia, es un buen ejemplo.

QUIMERA ARQUITECTÓNICA
Utilizada para describir un elemento arquitectónico, una quimera significa una figura (a menudo de una bestia) fantástica, mítica o grotesca utilizada con fines decorativos. Las quimeras son a menudo descritas como gárgolas. Utilizado correctamente, el término "gárgola" remite específicamente a toda figura tallada extraña como las terminaciones de los canalones que transportan agua lejos de los lados de edificios.

También se utiliza para describir los sistemas híbridos de fusión de sistemas o piezas. Según el Índice de Arquitectura: "El sistema ilusorio produce acoplamientos de cruzamientos categóricos en los cuales los sistemas iniciales se funden inextricablemente, es decir, transformado en un sistema o sistemas los cuales adquieren nuevas identidades completamente. Empleando un "modo ilusorio" o "quimérico", se observan formas de acoplamiento de sistemas categóricamente diferentes al poder identificar y explotar compatibilidades y afinidades entre ellos."

GRIFOS
El grifo​ (griego: γρυφος, gryphos; persa: شیردال‌ shirdal, ‘león-águila, caballo’) es una criatura mitológica, cuya parte frontal es la de un águila gigante, con plumas doradas, afilado pico y poderosas garras. La parte posterior es la de un león, con pelaje amarillo, musculosas patas y cola larga.


Descripción
Algunos grifos se representan con orejas puntiagudas en la cabeza o plumas en la cola. De acuerdo con los mitos, es ocho veces más grande y fuerte que un león común y no es raro que se lleve a un jinete con su caballo, o a un par de bueyes, que entran en sus patas. Con sus garras se fabrican copas para beber, y con sus costillas arcos para proyectar flechas.

Parece tener su origen en Oriente Próximo, pues aparece en las pinturas y esculturas de los antiguos babilonios, asirios y persas.

También se encuentran representaciones de grifos en la pintura minoica, como en el famoso sarcófago de Hagia Triada.

Una leyenda griega relata que el dios Apolo había ido a buscar grifos y había regresado a Grecia cabalgando uno de ellos. Los grifos estaban consagrados a Apolo y vigilaban sus tesoros para protegerlos de los Arimaspos. También custodiaban las cráteras de vino de Dioniso.

Un mito más reciente, medieval, cuenta que se encargaban de velar por el oro que había en los desiertos del norte de la India. La razón de esta vigilancia podía deberse al deseo de proteger sus crías, puesto que ponían sus nidos en las montañas de las cuales se extraía el preciado metal.

Los antiguos romanos lo usaban simplemente con propósitos decorativos en frisos y en patas de mesa, altares y candelabros. El motivo del grifo se utilizó en los primeros tiempos del cristianismo en los bestiarios (o alegorías de animales) de san Basilio y san Ambrosio. Réplicas de piedra sirven con frecuencia como gárgolas en la arquitectura gótica de la baja Edad Media. El grifo es también un emblema en la heráldica, como el unicornio, el león, el hipogrifo y otros. Al igual que éstos, aparece varias veces en escudos de familia y estandartes. Representa convencionalmente la fuerza, el valor y la vigilancia.

El grifo representa para las culturas persa e india lo que el dragón es a los chinos.​

Origen
Una hipótesis moderna plantea que el origen real del grifo como criatura mitológica se encuentra en los numerosos restos fósiles de dinosaurios pertenecientes a la familia Ceratopsidae, que se pueden encontrar en gran número en los desiertos de Asia central, especialmente Mongolia. El hallazgo casual de los esqueletos petrificados de estos dinosaurios, de boca en forma de pico ganchudo, amplios huesos escapulares, cola larga y patas con pezuñas de varios dedos pudieron haber dado lugar antiguamente a una reinterpretación de los dueños de esos esqueletos, convirtiéndolos en criaturas mitológicas a falta de un referente real.

Para algunas culturas antiguas, el grifo tenía el poder de controlar los cuatro elementos, (cinco para los hindúes). Según algunos relatos, arrojaban fuego por un orificio junto a su nariz y aire helado de sus pulmones salía por su boca, e incluso se decía que al batir sus alas podían generar maremotos y que al rugir, hacían temblar la tierra.

ICONOGRAFÍA MEDIEVAL:
"GÁRGOLAS, GRIFOS Y QUIMERAS"

IKENAGA YASUNARI: "PINTANDO A LA MUJER JAPONESA"

IKENAGA YASUNARI

Ikenaga Yasunari es un artista japonés nacido en 1965. Sus obras representan a hermosas mujeres, cuyas expresiones y posturas sugieren una atmósfera de ensueño. Son siempre mujeres japonesas modernas, pero tratadas con un estilo de pintura que refleja las antiguas tradiciones japonesas o "Nihonga", lo que da a sus obras una sensación atemporal.

"PINTANDO A LA MUJER JAPONESA"

¿Qué es el PUNTO DE CRUZ?

PUNTO DE CRUZ
El punto de cruz es una forma popular de bordado en la que se usan puntadas que quedan en forma de equis. Emplea también otras puntadas, entre ellas las de ¼, ½, ¾ y de punto atrás. El punto de cruz se realiza usualmente sobre tejidos de trama uniforme y distinguible, y con menos frecuencia en tejidos de trama no uniforme, colocándoles encima un tejido de trama uniforme (cañamazo) que se retira hilo por hilo al finalizar el bordado.

Su gran difusión se puede deber a la gran posibilidad de elementos que ofrece, ya sean cenefas, dibujos, cuadros, alfabetos, etc. Se aplica tanto al bordado propiamente dicho como a la tapicería. En este caso, el punto de cruz se realiza sobre cañamazos previamente marcados, que muestran cada una de las regiones de cada color a bordar. La más importante particularidad del punto de cruz es su gran posibilidad de esquemas y dibujos en multitud de tejidos, aplicándose, entre otros, en manteleríales, colchas, paños, ropa de cama, toallas.


Historia

El punto de cruz es una de las formas de bordado más antiguas que se pueden encontrar por todo el mundo. Muchos museos de arte popular poseen muestras de tejidos ornamentados con este punto, especialmente de la Europa Continental y Asia. Un poco de historia del punto de cruz a partir de estos humildes orígenes, esta actividad artesanal fue evolucionando para convertirse en una técnica decorativa y ornamental. Y así nos han llegado fragmentos antiguos de ropa hallados en yacimientos arqueológicos de Egipto (500 a.de C.) o del Asia Central (850 a. de C.) donde aún hoy se utiliza en los trajes tradicionales de aquellas regiones.

El punto de cruz es una de las técnicas más antiguas de bordado: parece ser que en Asia central se han encontrado retales de seda bordados con un punto muy similar al punto de cruz, que se remontan al 850 d. C.El verdadero punto de cruz, idéntico al que se realiza actualmente, hizo su aparición en Europa durante la Edad Media, para luego difundirse ampliamente durante el Renacimiento. Ya en el año 1500 empezaron a circular los primeros esquemas, verdaderos modelos de temas típicos y recurrentes: decoraciones florales, heráldicas y religiosas, llenas de símbolos como cruces, cálices y palomas. Las telas sobre las que se bordaban no comprendían aún el algodón, sino que eran el lino, la seda y la lana. También se disponía de pocos hilos de colores. Durante mucho tiempo el más difundido fue el rojo, capaz de soportar mejor que los demás los lavados.En los bordados populares de la Europa Oriental y Central es característico el punto de cruz en dos dimensiones (sin sombras) con diseños geométricos y florales, normalmente trabajado con hilos de algodón sobre lino.

En Estados Unidos el primer muestrario de punto de cruz conocido se localiza en el museo Pilgrim Hall en Plymouth, Massachusetts . Este muestrario fue elaborado por Loara Standish, hija del capitán Myles Standish, alrededor de 1653. Tradicionalmente, el punto de cruz se utilizaba para embellecer tejidos como mantelerías, lencería y tapetes (sólo pequeñas partes de lo que actualmente se bordaría, como los bordes). Aunque existen muchas bordadoras que aún lo emplean para estos usos, especialmente en Europa, es cada vez más corriente usar este punto para bordar sobre tejidos de tela de panamá o cañamazo y colgarlos en la pared como elementos decorativos.

Por todo Estados Unidos y Europa existen muchas asociaciones de punto de cruz que ofrecen clases, participan en grandes proyectos, tejen para organizaciones benéficas y promueven las relaciones entre los tejedores locales.

Actualmente el hilo de algodón mercerizado es el material más utilizado. Consiste en un hilo fabricado en algodón y compuesto de seis hebras poco retorcidas para que se puedan separar fácilmente. También se suele utilizar el hilo de algodón perlado, la seda y el rayón. En ocasiones se utilizan diferentes hebras de lana, metalizadas o algunas otras especiales, a veces para todo el bordado o simplemente para detalles y adornos.

Realización
Se distinguen dos movimientos en el trabajo:

Ida y vuelta, que da una mejor calidad y apariencia al revés; y
Continuo, que se aconseja especialmente a la hora de bordar cenefas.
Así y todo, muchos esquemas de punto de cruz se apoyan en el pespunte (=punto lineal), usado para resaltar el dibujo, y, en menor medida, el punto de cadeneta y el punto pasado.

Variantes
Posiblemente sea su elevada práctica la que ha hecho importantes variaciones a partir de una única idea inicial, mediante la sustracción o adición de puntadas. Hemos de citar a otros dos puntos que nacieron a partir de la famosa x:

Petit-point (=medio punto). Tapices hechos sobre lana que consisten en una única puntada diagonal (que debe ser idéntica en toda la labor). Se trabaja gracias a un bastidor cuadrado con lana sobre un cañamazo de tapicería que se puede adquirir ya marcado.
Punto del diablo. Consiste en bordar dentro de un mismo cuadro una cruz y un aspa. Es frecuente realizarlo en mouliné o en perlé sobre las típicas telas de cuadros de Vichy (Francia).

Materiales

Tela: Lino, tela aida o panamá, aunque gracias al cañamazo (¡no confundir con el de tapicería!) el punto de cruz se hace viable sobre cualquier tejido. Si por ejemplo, queremos bordar sobre una loneta, deberíamos centrar un retal de cañamazo, hilvanarlo y bordar según su trama el punto de cruz. Finalmente, se deshace el cañamazo tirando con sumo cuidado de sus hilos. Consejo: en esta situación se debe bordar con un poco más de la tensión normal, ya que, de lo contrario, al sacar los hilos, el bordado quedaría al aire, siendo susceptible de un enganche.
Hilos: Preferentemente, mouliné, 100% algodón y trabajado a dos hebras.
Agujas: Se recomienda el uso de una aguja corta, ya que permite aprovechar el costoso hilo al máximo. Si se borda sobre aida o panamá, se preferirá una sin punta (también llamada de punta roma), pero si trabaja sobre una tela más compacta, tupida, se deberá utilizar una aguja con punta afilada.
Bastidor: En Inglaterra parece una costumbre muy arraigada el bordar el punto de cruz en los bastidores de aro, esto es, sin pie; aunque la gran mayoría prefiere bordarlo en el dedo. El uso del bastidor permite el tensado uniforme de la tela y, por tanto, del bordado. Igualmente, evita casi al completo, la inevitable suciedad del roce de la labor con las manos. Y permite visualizar el progreso del bordado.
PUNTO DE CRUZ
(Para principiantes)

LA DANZA JAZZ

LA DANZA JAZZ

La danza jazz es una clasificación compartida por una amplia gama de estilos de baile. Antes de la década de 1950, se refiere a la danza originada a partir de estilos de danza africana vernácula de América. En la década de 1950 surgió un nuevo género de danza jazz, la danza moderna jazz, con raíces en la danza tradicional del Caribe. Todos los estilos personales de danza jazz tienen raíces atribuibles a uno de estos dos orígenes. Los distintos tipos de jazz son: el tradicional, el góspel, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo más pulido es el Broadway jazz, que se baila en los musicales de Nueva York y en otras ciudades.

Emplea múltiples técnicas como las del ballet clásico, de la danza contemporánea y la expresión corporal.

Origen

Tiene su origen en las danzas negras americanas en el año de 1917, cuando ciertas formas diluidas de danzas sociales negras fueron adoptadas por blancos aplicando música psicópata. Esta es una danza genética que abarca las danzas teatrales y danzas sociales.

Progresivamente fue tomando elementos del ballet, así como de otros bailes más modernos. Pasó por diferentes influencias de bailes como el charlestón, el big apple y el jitterbug. Como danza para el escenario, la danza teatral de la década de 1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la danza moderna y del claqué. Así desde ese momento generando varias ramificaciones de la danza jazz.

En la actualidad esta danza es más practicada por niños, adolescentes y adultos sin importar género o color de piel. Aplicando una gran variedad de movimientos modernos, que cada coreógrafo implementa desde su creatividad haciéndolo único y diferente.

Características

En este estilo la movilidad del torso es muy importante. Es característica la posición de los pies en paralelo, a diferencia de los pies en primera posición (girados) del ballet.

En esta danza la mayoría de sus pasos son en el piso, como quien dice es una danza terrenal, en el cual tienes que sentir la música y expresar tus sentimientos.

La flexibilidad es un elemento muy significativo.

Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza jazz original tomó estos mismos elementos.

Técnica

La danza jazz, en su evolución, que no tiene técnicas concretas, se sirve de elementos técnicos de la danza moderna y el ballet, sin dejar por ello de poseer su propio trabajo técnico y, sobre todo, estadístico, principalmente en lo que hace a la movilidad del torso y la disociación de la parte superior con respecto a los trabajos de pies y piernas. Las contracciones abdominales, el trabajo a tierra, y la particular manera de entrar y salir del suelo son características fundamentales de esta disciplina, sobre todo en lo que se conoce como "moderno jazz".

ESTILOS DEL JAZZ

ESTILO CLÁSICO

Estilo de danza donde se aplica la técnica clásica básica estiliza con movimientos de contracción y enlogación, llenos de fuerza y sensualidad lírica, derivados de las sensaciones corporales provocadas por la música de blues y jazz contemporáneo. puede ser el chase entre otros

ESTILO MODERNO

Este estilo es aplicada a ritmos de cortes modernos, en la cual se utilizan técnicas del ballet clásico y al igual se complementa con estilos de libre expresión y estética corporal, pero siguiendo la estructura del ballet clásico, e implementada en música comercial.

ESTILO TEATRAL

Este estilo es delineado por técnicas de expresión corporal, jazz y danza contemporánea donde el objetivo es la representación y personificación teatral, utilizando además gestos, ademanes, posturas, entre otras cosas, sobre diversos ritmos musicales utilizados en montajes y espectáculos de los géneros opera rock y comedia musical.

ESTILO FUNKY

Este último es uno de los más modernos y urbanos también llamado street jazz o funk jazz derivado de la música que se encuentra fuertemente estilizada con percusiones electrónicas o acústicas, en lo cual esto da al paso de movimientos agresivos y fuertes, con remates muy marcados, movimientos de coordinación rápida y acentuados en contratiempo.

DANZA JAZZ TEATRAL

ESCULTURAS DE ARENA

ESCULTURAS DE ARENA

Una escultura de arena, normalmente un castillo, se suele construir en playas. Aunque popularmente se construyen por diversión (especialmente los niños), también está considerado como una forma de arte, por la compleja laboriosidad que pueden llegar a alcanzar. Hay numerosos concursos de construcción de castillos. Otra modalidad consiste en hacer esculturas que no sean castillos (como estatuas, rostros, etc) con la arena, que cada vez está más extendida.

Historia

No existe una fecha exacta para datar la invención de las esculturas hechas en arena (los egipcios utilizaban la arena para hacer modelos a escala de las pirámides que iban a construir).  A principios del siglo XX se comenzó en Estados Unidos la construcción de castillos de arena con fines artísticos. Los concursos y exposiciones tuvieron también allí su origen, y en 1990 se extendieron por Europa. El concurso más famoso de castillos de arena, tiene lugar en Sydney. El castillo de arena más alto fue construido en el año 2003 en Estados Unidos y mide 8,91 metros. Actualmente se ha popularizado la modalidad de hacer cualquier figura escultural en arena, consiguiendo unos resultados de gran plasticidad y belleza.

Materiales

Las esculturas de arena están formadas por agua y arena.

Normalmente se utiliza arena de playa, pero sirve cualquier tipo de arena, como la de río, cantera e incluso tratada (sílica). La diferencia de estas para construir una escultura no dependen de dónde procede, sino más bien su forma, pudiendo ser cilíndricas (redondeadas) o cúbicas (con aristas); estas últimas son las óptimas para obtener los mejores resultados ya que por su forma se adaptan mejor para una buena compactación (compactar la arena en encofrados -cimbras-, con pisones de mano o compactadoras mecánicas, es el sistema más utilizado por los profesionales de la arena).

Para construir una escultura se puede utilizar cualquier arena siempre que esta sea de grano muy fino, pero si se desea construir uno de mayores dimensiones se debe utilizar la arena de forma cúbica. Con este tipo de arena se consiguen construir esculturas de grandes dimensiones, pudiendo superar incluso los diez metros de altura.

El tiempo de vida de una escultura de arena depende de la calidad de la arena y de la compactación de la misma. Hoy en día y a nivel profesional se les aplica un producto para alargar su vida y poder ser expuestas a la intemperie por algunos meses y en algunos casos en interiores por años.

ESCULTURAS DE ARENA

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA PERMANENTE

EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA PERMANENTE

-My World Vision

-"AroundTheWorld"

MANZANARES

Esta nueva idea es una vuelta de tuerca más a este ilusionante proyecto de Carlos Infante Luna "Around The World". El objetivo es, entre otros muchos, que le sirva de ayuda para poder seguir autofinanciándose. 

NOTA DEL AUTOR:

A veces, no todas las cosas salen como las tienes previstas, es normal..., puedo decir que de alguna manera ya contaba con ello, supongo que esto entra también dentro del proyecto y lo hace aún más interesante, hace que se convierta en un reto más desafiante..., solo puedo decir que no me voy a rendir nunca..., solo pierde la batalla el que se da por vencido..., haré esto hasta que me muera porque creo de verdad en ello, en mi trabajo, en mis sueños..., es algo que me sale del corazón y pienso que cualquier cosa que sale de ahí dentro nunca puede ser malo para nadie..., al contrario, con el tiempo estoy seguro de que terminará siendo algo bueno, muy bueno.

Como he dicho antes, el objetivo es que me sirva de ayuda para poder seguir adelante sin pedir nada a cambio, no pido nada gratuitamente, solo lo haré trabajando, lo que sin duda me supondrá muchas mas horas de trabajo al día, mas esfuerzos diarios... pero hay otros muchos puntos de vista sobre este nuevo reto que me parecen igual o mas interesantes, innovadores y de alguna manera enriquecedores para todas las partes.

Os los detallo a continuación:

-EXPOSICIÓN Y VENTA DE FOTOGRAFÍAS EN MI ESTUDIO.

-NO SE TRATA TAN SOLO DE COMPRAR Y VENDER, SE PUEDE VISITAR SIN NINGÚN TIPO DE COMPROMISO, VER EL TRABAJO Y SI TE GUSTA TENERLO EN CUENTA PARA ADQUIRIRLO MAS ADELANTE, PARA TI PERSONALMENTE O PARA HACER ALGÚN DÍA UN REGALO, TENER UN DETALLE, ETC...

-CON CADA FOTOGRAFÍA REGALARÉ SU HISTORIA, SU RELATO...

-EL CAFÉ, EL TÉ, LO QUE NOS TOMEMOS..., CORRE DE MI CUENTA... (hago un café y un té muy ricos..., algunos amigos pueden hablar de ello...).

-INTERCAMBIAREMOS OPINIONES SOBRE LAS FOTOGRAFÍAS, LOS RELATOS, LOS VIAJES..., SOBRE TODO LO QUE QUIERAS SABER QUE TE PUEDA AYUDAR DE ALGUNA MANERA.

-FACILITARÉ INFORMACIÓN SOBRE LOS LUGARES, HOSTELS, ALBERGUES, VUELOS Y DEMÁS TRANSPORTES..., COMENTAREMOS TODO LO QUE CONSIDEREMOS NECESARIO PARA QUIEN QUIERA VIAJAR EN "PLAN BARATO" A CADA PAÍS, A CADA CIUDAD, A CADA CONTINENTE...

-CUALQUIER TIPO DE PREGUNTA SOBRE MI TRABAJO FOTOGRÁFICO, FORMA DE TRABAJAR, REVELAR, ACTUAR EN DETERMINADOS ESPACIOS..., ETC..., SERÁ CONTESTADA Y SI SE PUEDE, HARÉ ALGUNA DEMOSTRACIÓN SOBRE LA MARCHA.

-SE TRATA DE INTERACTUAR, CHARLAR, CONOCERNOS PERSONALMENTE, DEJAR POR UN MOMENTO DE LADO LA RED, QUE ESTÁ MUY BIEN PERO QUE ES MUCHO MÁS FRÍA QUE UNA BUENA CHARLA CARA A CARA..., EN DEFINITIVA ES PASAR UN BUEN RATO Y ARTÍSTICAMENTE ENRIQUECERNOS MUTUAMENTE.

-TAMBIÉN HABRÁ ESPACIO PARA OTRAS CREACIONES, PARA OTROS ARTISTAS..., PARA GENTE DE TODO TIPO QUE QUIERA EXPONER, ENSEÑAR SU TRABAJO Y DE ALGUNA MANERA PARTICIPAR EN ESTE PROYECTO, UN PROYECTO ABIERTO...

EN FIN, OS ABRO MI MUNDO, MI CORAZÓN, MIS ILUSIONES, OS ABRO MI CASA...AQUÍ TENÉIS MI TELÉFONO 609730659, A QUIEN LE INTERESE QUE ME LLAME Y VENGA A VISITARME, ESTARÉ ENCANTADO DE RECIBIRL@, REPITO, NO HAY NINGÚN TIPO DE COMPROMISO. ME PODÉIS DEJAR UN MENSAJE EN FACEBOOK O EN carlosinfanteluna859@gmail.com 

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Y COMO SIEMPRE..., ESTOY ABIERTO A CUALQUIER SUGERENCIA, IDEA Y NUEVOS PROYECTOS..., ESTE TRABAJO NO ES ESTÁTICO, VA CRECIENDO, AMOLDÁNDOSE A LA GENTE, A LAS IDEAS, A LOS TIEMPOS..., ESO ES QUIZÁS UNA DE LAS COSAS QUE LO HACEN MÁS BONITO, MAS INTERESANTE.

Es tiempo de crear, de crecer, de soñar, de no dejarse aplastar..., pienso que la mejor manera de luchar es trabajar sin descanso y con ilusión..., es tiempo de creer en uno mismo pase lo que pase..., no lo olvidéis...

En fin, esto ya está en marcha, os espero con los brazos abiertos.

Fdo: Carlos Infante Luna

"FUENTE DE LUZ" EN LA CASA DE LA CIEGA DE MANZANARES

EXPOSICIÓN DE PINTURAS 
"FUENTE DE LUZ"













Autor: JUAN PEÑA

Inauguración: Viernes 14 de Febrero a las 20:30 h.

Del 14-02 al 03-03
(horario oficial)

Recinto: PATIO CIEGA DE MANZANARES

Lugar: MANZANARES (CIUDAD REAL)

Estas son algunas de sus obras:

ABERTURA

AUREOLA

COLISION

CUENCO

Dedicatoria al artista:

Por Carlos Infante Luna

COOL PEOPLE

"Luz..., Juan Peña"

Luz..., eso es para mi Juan...

Nunca me resulta fácil hablar de un amigo y menos de un tipo como Juan..., no por nada sino porque es alguien muy especial..., distinto...

Luz es la mejor palabra que encuentro para definirlo tanto a él como a nuestra amistad... Nos conocemos desde hace muchos años. Antes, en Manzanares, cuando los chavales salíamos a la calle frecuentábamos los mismos sitios, los mismos lugares, no había mucho donde elegir, mas o menos como ahora, no hacía falta tener una pandilla porque todos éramos la misma y daba igual con quién te juntaras, casi todo el mundo se abría a los demás...; en aquella época sólo había un disco-bar, "el azafrán" y es allí donde empecé a conocer un poco más a este tipo de pelo largo y no demasiadas palabras que no salía a la calle en exceso, se le veía de vez en cuando por el pueblo con un aire distinto, renovado, caminaba despacio, contemplativo, descalzo o con chanclas, ropa cómoda, una pequeña mochila, un cuaderno de notas y unos cuantos lapiceros..., hacía bocetos, dibujos, retratos de gente, de amigos, a todos nos sorprendía, muchos de ellos los regalaba y otros le servían para ganar algún dinero, no creo que ganara mucho, no por nada sino porque para Juan el dinero no era lo más importante, le importaba mucho mas pasarlo bien, hacer lo que más le gustaba, dibujar, pintar, los amigos..., la amistad..., Juan, ya lo he dicho antes, es una persona muy especial...

La vida de Juan Peña no ha sido precisamente fácil por distintos motivos en los que no voy a entrar porque creo que no debo y porque tampoco quiero...

Como no podía ser de otra manera, un día Juan cogió y se fue, se marchó de aquí buscando sueños, encontró su isla, Lanzarote, donde vivió algunos años como un auténtico hippie, vivía en un paraje natural precioso, en plena naturaleza, su casa era una cueva donde tenía lo básico, en ella pintaba y daba rienda suelta a su imaginación y también a sus sueños..., creció como persona, como pintor, como padre, amante y como artista, también como ser humano..., seguramente descubrió algo mas a lo que no todo el mundo tiene acceso, yo creo que descubrió su propia luz..., la luz interior de su corazón, de su alma...

Hacía tiempo que no veía a Juan y ahora, desde un poco antes de Navidad, nos vamos viendo a menudo en su casa, en la mía, en la calle o en alguna cafetería, me ha hecho alguna visita a alguna exposición de esas que hago y hemos hablado..., hemos hablado mucho..., me ha enseñado su nuevo trabajo, distinto a todo lo demás que ya había visto suyo, me ha explicado el cómo y el por qué de cada una de sus obras..., hemos intercambiado opiniones, momentos, viajes, sueños..., ahora es cuando en realidad estoy conociendo a Juan y me alegro, me alegro muchísimo de conocerlo porque siento que he encontrado a un amigo que sabe escuchar, opinar, crear, dar consejos sinceros, es un amigo que no pide nada a cambio, un amigo que sabe darlo y a veces, perderlo todo..., hoy en día es muy difícil encontrar a alguien así, como él, como Juan...

No voy a enrollarme mucho aunque seguro que podría alargarme bastante mas. Juan me ha contado muchas cosas que me han hecho soñar, me ha dado esa pizca de ilusión y de valor que se necesita para llevar a cabo algún proyecto o simplemente para vivir la vida..., no se me olvidará nunca uno de esos días en que nos vimos y estuvimos hablando un buen rato, me dijo que él para empezar de nuevo en su vida quemó, literalmente quemó en una hoguera todas sus pertenencias y enterró ese pasado que ya no le interesaba, quizás ese ya no era su camino, su destino..., ahora es libre, se siente así, nada lo ata..., yo se que Juan ha tenido ese valor que yo aún no tengo...

Nos hemos encontrado en la mitad de un camino en el que yo intento subir cada día despacio para buscar mis sueños... y él, que ya ha estado y sigue ahí arriba soñando, baja para descubrirlos..., es ahí, en ese breve espacio intermedio donde nos encontramos cada vez que nos vemos...

Luz..., eso es para mi Juan...

MyW.Vision: Un amigo...

De su obra yo no me siento capacitado para hablar..., mejor verla, sentirla... y que tengáis vuestra propia opinión...

http://artepinturajuan.blogspot.com.es/

TREY RATCLIFF: " DESDE OTRA PERSPECTIVA"

TREY RATCLIFF 

 Trey Ratcliff es uno de los mejores fotografos del planeta. 

Nacido el 07 de julio 1971) es un americano blogger, autor y fotógrafo de Austin, Texas que se especializa en HDR de la fotografía. Nació ciego de su ojo derecho, y ha afirmado que este hecho probablemente se ha dado forma a su interés por la fotografía, específicamente Informe sobre Desarrollo Humano. 

 Su fotografía se centra en los viajes, con localizaciones en los Estados Unidos, Japón, Francia, Argentina, China, Rusia, Islandia y Nueva Zelanda. Su obra ha sido representada por Getty Images , han sido destacados en la BBC, ABC, FOX, CBS y NBC. 

 Ratcliff estudió ciencias de la computación y matemáticas en la Universidad Metodista del Sur hasta que se graduó en 1995.Originalmente era un fotógrafo aficionado, comenzó a explorar HDR porque estaba decepcionado de que la fotografía de paisaje que había hecho no parece ser la forma en que recordaba la escena. Después de la exploración y el desarrollo de numerosas técnicas en el método de HDR entonces relativamente desconocido, que empezó a bloguear en 2005 en el sitio web Stuck en la Aduana y con su trabajo. Su blog alcanzó más de 50 millones de puntos de vista de fotos en diciembre de 2010. Stuck en la Aduana también es conocido por albergar Tutorial de Trey HDR. 

 Ratcliff publicó su libro, Un mundo en el Informe sobre Desarrollo Humano, en 2009. Los libros que se venden en varios países. Él comenzó a publicar libros electrónicos en 2010, la primera de las cuales fue Top 10 HDR errores y cómo solucionarlos. 

 Ratcliff también puso en marcha el sitio web Informe sobre Desarrollo Humano Manchado, junto con Denis Khoo. Los editores de HDR Spotting han incluido Jason San Pedro, Chris Nowakowski, Matiash Brian, Gaensler Kay, John Rogers, Scott Wyden Kivowitz, Criswell Mike, y Brandon James. 

 Ratcliff lanzó un DVD HDR en 2010, un compendio de material de archivo HDR taller de instrucción. Varios meses más tarde dio a conocer una versión más ligera puede descargar el tutorial en vídeo HDR. A finales de 2010 Ratcliff creó y dio a conocer los 100 cámaras en un iPhone. 

 Ahi os dejo una muestra de su excelente trabajo: 

 AUTHORS@GOOGLE: TREY RATCLIFF

EL BORDADO YUGOSLAVO

EL BORDADO YUGOSLAVO

El bordado yugoslavo, originario de Yugoslavia, es un bordado muy conocido en España y Portugal, el cual muestra característicos motivos geométricos. Es deslumbrante su sencillez y suele ser uno de los primeros tipos de bordado en aprender. Se suele ver en mantelerías y demás ropa de hogar.

Otra forma de llamar a este bordado es VAGONITE.

ORIGEN Y TRADICION

Este punto era utilizado en los trajes tradicionales de Yugoslavia. Primaba en los puños, faldas y cuellos de las jóvenes, dándoles un aire alegre debido a sus vistosos colores. De ahí, se extendió por toda Europa, y en la actualidad goza de merecida fama entre las bordadoras españolas y portuguesas. Pero en estos países no tuvo éxito el utilizarlos como ornamentos dentro de la vestimenta, por lo que, en poco tiempo, se acabó por tomar la técnica yugoslava pero aplicando estos motivos a la ropa de hogar: fundamentalmente, en las mantelerías.

Asi mismo, la tradición española y portuguesa de este punto precisa una tela de panamá. A partir de ella, se pasa el hilo a través de la propia trama de la tela. Ello ofrece un óptimo acabado: la labor carece de revés en los tejidos de alta calidad. (En el apartado siguiente se explicará con mayor detenimiento el proceso.) A pesar de las ventajas que ofrece esta posibilidad, varias publicaciones españolas dan la alternativa de trabajar en tela aida, pero como no es imposible seguir su entramado, se procede a utilizar los puntos libres (agujeros) del tejido. Ello conlleva serios problemas, el más importante, que se hace necesario el uso de nudos, que empeoran la calidad del trabajo. Otro contratiempo es la aparición de un revés, que es preferible suprimir.

FORMA DE HACERLO

Ya que se considera un capricho el hacer nudo, simplemente se desliza la aguja enhebrada a través se la trama del tejido, según indica el desarrollo del esquema. Pero esto, aunque parezca incorrecto, no tiene inconveniente si se hace con cuidado: la tensión normal de la tela impide que la labor se deshaga. Dicho esto, se continua la labor como muestren las explicaciones de la labor a realizar. Esta regla se aplica a todas los hilos que constituyen el motivo del bordado. El rastro del hilo puede describir dos motivos:

Una línea recta, siguiendo siempre el mismo hilo de la tela; o

Asas, que se desvían de la recta en sentido perpendicular. Generalmente, esto produce las características Palmas (véase la imagen) u ondas.

Consejo especial para centrar la labor. Como para algunos es especialmente difícil esta cuestión, aquí se resulve del siguiente modo: Se dobla el lado de la tela por el que se quiera empezar por la mitad, y desde ahí, se comienza a bordar con el primer hilo tomando la correspondiente mitad del dibujo. De ahí, se sigue hasta la esquina, donde se concluye. Se repite esta operación hasta acabar con el primer hilo. A partir de ahí, se sigue con el resto hasta acabar la labor.

MATERIALES RECOMENDADOS

En todo lo referente a las labores (encaje, costura, bordado, etc.) se suelen preferir una serie de materiales antes que otros por su resistencia, textura o acabado.

Telas. Como se ha aclarado, el punto yugoslavo se puede bordar tanto en telas de panamá como en aida. Preferiblemente se suelen utilizar de algodón, porque el poliéster o el acrílico no tienen una textura adecuada. En cuanto al color, se usa recurrentemente el blanco, aunque también se emplean tonos crudos. En los modelos más futuristas se empiezan a utilizar los colores cálidos, como rojo o naranja, para que el juego de colores sea todavía mayor.

Hilos. Se realiza, unánimemente, el hilo de Mouliné, que es de algodón en su totalidad y que las mejores marcas suelen tener en una amplio catálogo de colores.

Agujas. Se aconsejan las agujas largas, porque la labor avanza con mayor rapidez, aunque no hay unas directrices trazadas.

USOS

Por su sencillez y vistosidad, el punto yugoslavo es usado, como ya se aclaró, fundamentalmente en ropa de hogar. Hay impresionantes mantelerías con originales juegos de colores o simplemente, con una única gama de color. También, multitud de paños y tapetes de cualquier tamaño. Otra alternativa interesante, sería un juego de cubretoallas o como entredós en las toallas. A pesar de que la mayoría de los esquemas son motivos continuos, surgieron algunos abecedarios, posiblemente por imitación a los del punto de cruz.

VAGONITE (BORDADO YUGOSLAVO)

KAT VON D: "TATUADORA DE FAMOSOS"

KAT VON D

Katherine von Drachenberg Galeano, conocida como Kat Von D (n. Montemorelos el 8 de marzo de 1982) es una tatuadora y personalidad de televisión mexicana, conocida por su trabajo en la serie de televisión Miami Ink.

Kat hoy en día tiene su propio local de tatuajes y un programa de televisión muy parecido y con la misma idea que Miami Ink, pero trasladado a Los Ángeles, California, por lo cual el programa lleva por nombre L.A. Ink.

BIOGRAFÍA

Kat Von D nació en México. Su padre, René von Drachenberg, y su madre, Silvia Galeano, ambos son argentinos de ascendencia alemana e italiana y española respectivamente. Cuando apenas tenía 4 años de edad, Kat se mudó a Colton, California, Estados Unidos.

La abuela paterna de Kat estaba a cargo del desarrollo artístico, principalmente en el piano, convirtiendo a Kat en una gran compositora. Kat siempre ha mantenido una gran relación con sus padres y hermanos. Caroline y Michael, sus hermanos, trabajan con ella. La primera como asistente personal, y el segundo como responsable de los productos firmados por la estrella.

Su primer tatuaje se lo hizo a los 14 años y fue una J en el tobillo simbolizando su primer amor, pero tres años después ella y su pareja rompieron. A pesar de que era una brillante estudiante, Kat dejó la escuela a los 14 años y se escapó de su casa para dedicarse al arte del tatuaje. Pese a contar con tan sólo 15 años, Kat tatuaba del orden de un hombre al día, pero debía mentir acerca de su edad.

En 1998 Kat comenzó en su primera tienda oficial llamada "Sin City Tattoo" que estaba en su vecindario; año y medio después se mudó a otra tienda llamada "Blue Bird Tattoo" en Pasadena y un año después en "Red Hot Tattoo" en Arcadia. Aunque es muy popular y no le faltan conocidos dice que sus verdaderos amigos pueden contarse con los dedos de una mano. Entre ellos destaca su gran amiga Daniela. De ella dice que: "se ha convertido para mí en una persona especial" .

En unos años ella empezó a trabajar en "Inflictions" en las afueras de Covina, Ca. Esta época fue un periodo de gran crecimiento en su trabajo, por lo que fue a "True Tattoo", donde tuvo la oportunidad de trabajar con Chris Garver y Clay Decker; con el tiempo Kat adquirió mucho talento y calidad, lo que la llevó a Miami Ink y ahora en su propio show Los Angeles Ink y es feliz de ser considerada un ídolo rock, con miles de fans alrededor del mundo.

Ha tatuado a muchos famosos, entre ellos: Frank Iero Billie Joe Armstrong, Jenna Jameson, Jason Mraz, Zayn Malik, Bam Margera, Ville Valo, Jeffree Star, Dave Navarro, Nikki Sixx, Jesse Metcalfe, Brent Hinds, Mira Sorvino, Papa Roach, Jared Leto, Joey Castillo, Jason Freese, Gas Lipstick, Kerry King, M. Shadows, Margaret Cho, Sebastian Bach, Scott Ian, Lady Gaga, Ewan McGregor, Christina Perri, Demi Lovato, Miley Cyrus entre otros.

Estuvo casada con Oliver Peck (2001-2004), del que se separó de forma traumática. De hecho, él, que también es tatuador, en junio de 2008 arrebató a Kat el Guinnes World Record que ésta había conseguido tatuando a 400 personas en 24 horas. Ya de vuelta a Los Ángeles, después de su estancia en Miami, Alex Orbison, hijo de Roy Orbison, fue su compañero fiel durante meses. "Orbi" incluso considerando la posibilidad de proponer matrimonio a Kat, pidió la bendición del padre de la artista. No pudo ser, también acabó la relación y Kat inició una nueva con el roquero Nikki Sixx. La pareja afirma que desde hacia tiempo les unía una buena relación de amistad. La relación de ambos, duró desde el año 2008 hasta enero de 2010.

Más tarde comenzó a salir con el customizador de motocicletas de West Coast Choppers, CEO, y estrella de la TV, Jesse Gregory James (ex marido de la actriz Sandra Bullock, y tataranieto del conocido forajido y rebelde del viejo oeste Jesse James). El 19 de agosto de 2010, Von D confirmó a la prensa que ella y James eran novios. En Twitter dijo: "Creo que es bastante obvio que estamos saliendo juntos". Von D y James, anunciaron su compromiso matrimonial el 20 de enero de 2011. El 26 de julio de 2011, Kat Von D anunció a través de su Twitter, la separación de la pareja: "No estamos juntos pero por respeto a él, a su familia y a mí, esta es toda la información que voy a compartir". Por su parte, Jesse en declaraciones exclusivas a la revista People, dijo: "Estoy muy triste porque realmente la quería". "La distancia entre los dos ha sido demasiado", añadía resaltando el motivo de la ruptura.

En septiembre del 2012 anunció su relación sentimental con el músico de Electro House Joel Zimmerman, más conocido como Deadmau5, así teniendo este una estrella en su ojo por su cariño hacia Kat.

En la actualidad Kat posee su propia línea de ropa y una línea de maquillaje, en colaboración con Sephora. También tiene una galería de arte y un restaurante. Organizó un gran evento que atrajo a miles de personas en torno a los tatuajes y el Rock bajo el nombre de Musink. Es dueña de un estudio de tatuajes "High Voltage tattoo". Ha actuado en la película The Bleeding (2009).

En enero de 2009 publicó un libro titulado "High Voltage Tattoo", con fotos, consejos, datos autobiográficos y otros elementos significativos para los amantes de los tatuajes y de la carismática artista. De ella destaca la capacidad de convertirse en un icono, de imaginar y alcanzar múltiples proyectos y además realizar unos magníficos tatuajes en blanco y negro (aunque también domina el color) con especial virtuosismo al abordar retratos.

TATUAJES

Kat tiene muchos tatuajes: "mi vida loca" en la espalda. Un tatuaje en honor a su madre en la escápula, otro de su padre en el antebrazo y uno de su hermana Carolin. En su abdomen tiene tatuado Hollywood en honor a su ciudad favorita. También tiene un tatuaje en el hombro de Nikki Sixx que dice I love you.

En su mano derecha, en los dedos tiene tatuado T.a que significa True love always, el Heartagram y L.v.B. entre otros tatuajes de sus dedos. En la mano izquierda tiene el Heartagram simbolizando su banda favorita con Ville Valo, L.A por Los Ángeles y el rayo de high voltage tattoo, su tienda de tatuajes. En las dos muñecas tiene tatuado "hermano" y "hermana" (en honor a sus hermanos).

En el cuello tiene una flor que dice oliver (el nombre de su ex-marido). En el lado izquierdo de su cara tiene unas estrellas, así como en el párpado de el ojo izquierdo, debido a que una de sus canciones favoritas es Starry eyes de Mötley Crüe. En su lado derecho tiene tres puntitos y un rayo. En el hombro izquierdo tiene tatuado los ángeles junto a otras flores en el brazo.

También tiene tatuado el retrato de quien fuera su amiga y mánager durante la primera temporada de LA Ink, Pixie, alrededor de su pierna izquierda realizado por Nikko Hurtado. Tiene también otro retrato de Jessie James de pequeño, debajo de la axila, siendo de una foto que el le mandó cuando empezaron a salir.

VIDA PERSONAL

Kat se encuentra actualmente comprometida con el productor Deadmau5, éste se lo pidió vía Twitter y ella aceptó, aunque habían pasado por un abrupto rompimiento confirmado por la misma vía, luego hubo una rápida reconciliación. Anteriormente, mantuvo un tormentoso compromiso con Jesse James, ex esposo de Sandra Bullock.


KAT VON D TATUANDO A JENNA JAMESON

"EL GRITO" DE MUNCH: ICONO DEL EXPRESIONISMO

"EL GRITO" DE MUNCH

El grito (en noruego Skrik), es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó también una litografía con el mismo título.

En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción policial ocho semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de una de las versiones expuestas en el Museo Munch. Dos años después, el 31 de agosto de 2006 la policía noruega anunció la recuperación de la pintura, en buen estado.

La versión que llevaba 70 años en manos del noruego Petter Olsen, cuyo padre había sido vecino, amigo y luego mecenas de Munch, fue subastada el 2 de mayo del 2012 por 119,9 millones de dólares, en la casa Sotheby's de Nueva York, convirtiéndose así en la obra más cara vendida en una subasta.


Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.

El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.


ICONO DEL EXPRESIONISMO

A finales del siglo XX, El grito adquirió estatus de icono cultural que comenzó en el período post-Segunda Guerra Mundial. En 1961 la revista Time utilizó El grito en la portada de su edición dedicada a los complejos de culpa y a la ansiedad.

Entre 1983 y 1984, el artista pop Andy Warhol realizó una serie de estampaciones en seda sobre las obras de Munch, que incluían El grito. La idea fue desacralizar la pintura convirtiéndola en un objeto de reproducción en masa.
Característico del arte posmodernista es el irónico e irreverente tratamiento que realiza Erró de la obra cumbre de Munch, en sus acrílicos El segundo grito (1967) y Ding dong (1979).

La reproducción de la obra en toda clase de productos, desde camisetas hasta tazas de cerámica, pósters, llaveros, etcétera da testimonio de su estatus como icono, así como de la completa desacralización para el público actual. En esa misma línea, se puede comparar con otras obras de arte, convertidas también en iconos, como la Gioconda de da Vinci. El grito es una obra con gran fuerza emocional, y la banalización de la imagen en la cultura popular se puede interpretar como el intento de desactivar el sentimiento de incomodidad que inevitablemente provoca en el espectador.

El muralista norteamericano Robert Fishbone descubrió un filón en el mercado cuando, en 1991, comenzó a vender muñecas hinchables con la figura central de la obra. Su compañía con sede en San Luis, On The Wall Productions, vendió cientos de miles. Los críticos señalan que, al sacar la figura de contexto, Fishbone ha destruido la unidad de la obra de Munch, neutralizando, de este modo, su fuerza expresiva.

HISTORIA

AMPLIAR INFORMACIÓN AQUÍ:

http://es.wikipedia.org/wiki/El_grito


"EL GRITO" DE MUNCH