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COCKTAIL BLOODY MARY SE PREPARA EN VASO MEZCLADOR.
Ingredientes:
- 4 ó 5 Cubitos de Hielo. - 1 Copa de Vodka. - 1 Frasco de Néctar de Tomate (20 cl). - Unas gotas de Limón Natural. - Sal. - Pimienta. - Unas gotas de Salsa Perrin's. COCKTAIL BLOODY MARY
Os presento a este grupo Boliviano.
Sus componentes pertenecen a la raza indígena Quechua.
LOS KJARKAS
MIEMBROS
Gonzalo Hermosa González
Elmer Hermosa González
Gastón Guardia Bilboa
Makoto Shishido
Lin Angulo
Gonzalo Hermosa Camacho Jr.
ANTIGUOS MIEMBROS
Ramiro de la Zerda
Ulises Hermosa González
Eduardo Yáñez Loayza
Rolando Malpartida Porcel
José Luis Morales Rodríguez
Edwin Castellanos
Fernando Torrico
HISTORIA
Los Kjarkas es un grupo musical boliviano fundado en Capinota (Bolivia) en 1965 por los hermanos Hermosa: Wilson, Castel y Gonzalo (2/10/1950), más Édgar Villarroel.
El nombre del conjunto tiene su origen en la palabra quechua kharka, que significa "temor o recelo".
LOS PRIMEROS KJARKAS
En principio, Los Kjarkas surgió como una necesidad económica para sus integrantes, yendo de pueblo en pueblo tocando zambas argentinas, pues la música autóctona de Bolivia aún no tenía demasiada cabida, sin embargo poco a poco diversas peñas comenzaron a hacer énfasis en ritmos más propios del país como las cuecas, wayñus o bailecitos de compositores como Simeón Roncal, Gilberto Rojas o Teófilo Vargas.
Es en estos años cuando Los Kjarkas toman parte en esa transformación y forjan sus cimientos musicales que más tarde les darían éxito.
REFUNDACIÓN
Tras esos inicios, los integrantes abandonan el grupo y Gonzalo Hermosa refunda el grupo con los músicos Eddy Carpio, Antonio Canelas y Alcides Mejía. Durante más de 10 años, Los Kjarkas se van perfeccionando en la composición e interpretación de la música andina. Se presentan en La Paz por primera vez en 1975 tras ir dando tumbos en fiestas privadas; ese mismo año, representaron a su país en el festival de música folclórica de Brasil.
En el año 1976, publican en México su primer álbum, Bolivia, con el sello discográfico Heriba. En este disco figuran nueve canciones, casi todas ellas compuestas por Gonzalo Hermosa, de las que destaca Bolivia, un canto a su patria que se convirtió en un segundo himno nacional y que es canción obligada en todos sus conciertos.
También podemos encontrar en este disco canciones como: La leyenda del amor, una composición muy hermosa que narra la vida de una flor en los tiempos incaicos.
ULISES HERMOSA
tocando una IKA
Con el éxito ya ganado, el grupo se nutre de otros dos hermanos Hermosa: Ulises y Élmer (13/11/1960), Toño Canelas, Gastón Guardia (26/5/1959), Guillermo Ponce y Édgar Villarroel (homónimo del fundador). La incorporación de Ulises Hermosa dio lugar a la composición de piezas musicales propias muy importantes en la historia de Los Kjarkas, potenciadas en gran medida con la solemne voz de Élmer Hermosa y los vientos de Gastón Guardia.
De esa manera, publican en 1977 el segundo álbum, Sueño milenario de los Andes, o como salió en esa época en 2 LPs con el nombre de "Fortaleza" lanzados entre 1977 y 1978 por la empresa discográfica SABA, con canciones de muy marcadas raíces folclóricas.
El grupo se fue haciendo más popular, organizando giras no sólo por Bolivia, sino por toda Sudamérica, Europa, Estados Unidos y Japón, país donde han obtenido una fama particular.
En 1980, publican Cóndor Mallku, donde comienzan a incluir temas románticos que se alejan algo más del folclor tradicional, innovando los ritmos y temáticas. En este disco empiezan a hacerse patentes las cualidades artísticas de los hermanos Hermosa en canciones como Ella es o Pequeño amor, canciones que nos hablan de amor, con un toque filosofico y poetico en sus letras.
En 1981, se incorporan al grupo Julio Lavayen y Ramiro de la Zerda y es editado el álbum Desde el alma de mi pueblo, en el que destaca Por un sueño de amor. Así, disco a disco, Los Kjarkas van creciendo en fama y arte durante los años 80 y se convierten en el principal grupo musical de Bolivia, cuya repercusión traspasaría fronteras y mares.
En 1984, Los Kjarkas fueron invitados al XV Festival de Música Popular de Japón donde competían más de 1.800 canciones de todo el mundo para el primer premio. La composición de Ulises Hermosa Florcita azul quedó en el décimo lugar, este evento abrió a Los Kjarkas el éxito particular que tienen en la actualidad en el país del Sol naciente.
A finales de los 80, en pleno auge del grupo, un desafortunado incidente dio a Los Kjarkas una fama y repercusión mundial aún mayores. Un grupo brasileño llamado Kaoma lanzó al mercado musical una pegadiza canción titulada Lambada (canción), que se bailaba a ritmo brasileño. La canción resultó ser un plagio de la composición de Ulises Hermosa “Llorando se fue”, editada en 1984 en ritmo de caporal, aunque la primera versión era en ritmo de huayño, por suerte esta canción estaba registrada en Alemania y por ello Kaoma tuvo que indemnizar a Los Kjarkas con una suma de dinero cuyos destinatarios nunca han querido revelar. La repentina fama lograda por el grupo hizo que el término "Saya" se confunda con "Caporal", no sólo a nivel internacional sino también en la misma Bolivia.
Otra controversia también de la canción "Llorando se fue", esta vez fue la demanda legal contra el dueto reggaetonero Wisin y Yandel, que se habría utilizado parte de este tema musical, de autoría de Los Kjarkas en la canción titulada "Pam Pam" del año 2006. Con respecto al videoclip que fue filmado en Río de Janeiro (Brasil), parece que fue inspirada en el grupo Kaoma que les hizo famoso con el tema musical "Lambada".
Los años pasaban y se incorporaban músicos como Edwin Castellanos y Fernando Torrico, que más tarde abandonarían el grupo para formar el dúo Tupay. De los años 80 salen canciones tan importantes como Canto a la mujer de mi pueblo, Wayayay, Imillitay, Oruro, Tiempo al tiempo, Chukiyaqu Marka, Solo, etc.
En 1989, editan el único álbum en el que no cantan, titulado Ch’uwa yaku.
En 1992, el grupo se vio fuertemente resentido por la enfermedad de Ulises Hermosa, el cual fallece de cáncer en la ciudad de Houston tras una penosa agonía en esta localidad. Antes de morir, concluyó la canción El árbol de mi destino, la cual fue publicada póstumamente por el grupo.
Al año siguiente, Los Kjarkas publican el disco Hermanos, cuyo tema principal es la composición Tarajchi del desaparecido Ulises, pero con letra añadida por su hermano Gonzalo, que describe la historia y sentires de la familia Hermosa.
En los años 90, se incorporaron al grupo Rolando Malpartida, Eduardo Yáñez, Alcídes Mejía, Miguel Mengoa y José Luis Morales. Siguieron cosechando éxitos como Señora, su hija, Mi pecado, Ave de cristal, A los 500 años, La pícara y El líder de los humildes.
En 1997, Los Kjarkas publicaron su primer vídeo, Por siempre..., en el que se televisa la presentación del disco en el Hotel Presidente.
El nuevo milenio trae importantes cambios en Los Kjarkas: el grupo se rejuvenece con nuevos y jóvenes artistas como Gonzalo Hermosa Jr., Lin Angulo y el japonés Makoto Shishido. Ello da un nuevo enfoque a las composiciones, como Lección de vida, Saya sensual, Kamanchaca, etcétera. En el año 2006, Los Kjarkas publican su más reciente disco, 35 años, que conmemora el aniversario de la aparición del grupo.
La Apertura Ponziani (ECO C44) es una antigua forma de comenzar la partida de ajedrez, data del siglo XVIII, sólida y con pocas variantes. Se considera que es una apertura inferior, porque la estructura de peones inicial de las blancas dificulta el desarrollo de las piezas, sin embargo para aprovechar esto las negras deben jugar con decisión, lo que puede llevarle a caer en posiciones arriesgadas.
Domencio Lorenzo Ponziani (1719-1796) creó esta apertura (1.E4-E5, 2.CF3-CC6, 3.C3-CF6, 4.D4) hace más de dos siglos, pero por alguna razón los jugadores casi no la juegan hoy en día, aun cuando es sólida y estratégicamente sus principios son sólidos y directos.
El objetivo estratégico de las blancas es formar, rápidamente, un centro fuerte y móvil, con un peón en d4 y otro en e4, y tras ello sostenerlo desarrollando sus piezas y atacar el ala de dama. Las negras debe oponerse a este plan tratando de minar el centro incluso sacrificando un peón si fuera necesario, y desarrollando muy rápidamente sus piezas, siempre atacando el centro, bien directamente o bien de lejos. Deben contrarrestar este plan y no entretenerse en otros objetivos, ya que pueden quedar con menos espacio y con dificultades para defenderse.
Ganímedes (del griego Γανυμήδης ) es el satélite más grande de Júpiter, así como también el más grande del Sistema Solar. De hecho es mayor que el planeta Mercurio aunque sólo tiene la mitad de su masa. También tiene un campo magnético propio, por lo que se cree que su núcleo puede contener metales. Fue descubierto por Galileo Galilei en 1610. Galileo le dio el nombre de Júpiter III por ser el tercer satélite a partir del planeta que podía observarse con su telescopio. Al igual que los demás satélites galileanos su nombre actual fue propuesto por Simon Marius poco después de su descubrimiento. El nombre de Ganímedes proviene del escanciador mitológico de los dioses griegos. Este nombre sólo fue popularizado a partir de la mitad del siglo XX.
CARACTERÍSTICAS FÍSICAS
COMPARACIÓN ENTRE: LA TIERRA, GANÍMEDES Y LA LUNA
SUPERFICIE
Ganímedes está compuesto de silicatos y hielo, con una corteza de hielo que flota encima de un fangoso manto que puede contener una capa de agua líquida. Las indicaciones preliminares de la nave orbital Galileo sugieren que Ganímedes tiene una estructura diferenciada en tres capas: un pequeño núcleo de hierro fundido o de hierro y azufre en el centro, rodeado por un manto de sílice rocoso con una corteza helada en lo más exterior. Este centro metálico hace pensar en un mayor grado de calentamiento de Ganímedes de lo que se había propuesto previamente. De hecho, Ganímedes puede ser similar a Ío con una capa exterior adicional de hielo.
La superficie de Ganímedes es una mezcla aproximadamente igual de dos tipos de terreno: uno muy viejo, muy craterizado y las regiones oscuras y algo más jóvenes (aunque todavía viejas) marcadas con una serie extensa de ranuras y anillos de origen claramente tectónica.
La corteza de Ganímedes parece estar dividida en placas tectónicas, como la Tierra. Las placas tectónicas puede moverse independientemente y actuar a lo largo de zonas de la fractura que producen las cordilleras. También se han observado flujos de lava (ya solidificada). En este aspecto, Ganímedes puede ser más similar a la Tierra que cualquiera de los planetas Venus o Marte (aunque no hay ninguna evidencia de actividad tectónica reciente). Se observan terrenos con ranuras y anillos similares a los que se ven en los satélites Encélado, Miranda y Ariel. Las regiones oscuras son similares a la superficie de Calisto.
Muchos cráteres de impacto se ve en ambos tipos de terreno. La densidad de craterización indica una edad de 3 a 3,5 mil millones de años, similar a los de la Luna. También hay cráteres relativamente jóvenes que tienen rayos de eyección. Al contrario de en la Luna, sin embargo, los cráteres de Ganímedes son bastante llanos, faltando las montañas del anillo y las depresiones centrales común a los cráteres en la Luna y Mercurio. Esto es probablemente debido a la naturaleza relativamente débil de la helada corteza de Ganímedes que puede fluir durante mucho tiempo geológico y por eso desaparecen.
El rasgo más grande en Ganímedes es una llanura oscura llamada Galileo Regio, así como una serie de anillos concéntricos que son remanentes de un cráter de impacto antiguo aunque se encuentra muy borrado por la actividad geológica subsecuente.
El Telescopio Espacial Hubble ha encontrado evidencias de oxígeno en una tenue atmósfera en Ganímedes, muy similar al encontrado en Europa. El oxígeno se produce cuando la radiación que baña el hielo superficial de Ganímedes lo descompone en hidrógeno y oxígeno y el primero se pierde en el espacio por su baja masa atómica.
Los primeros sobrevuelos de Ganímedes de la nave Galileo descubrieron que el satélite tiene su propia magnetosfera. Probablemente se genera de un modo similar a la magnetósfera de la Tierra: es decir, resulta del movimiento de material conductivo en su interior. Se cree que pueda existir una capa de agua líquida con una alta concentración de sal.
INTERIOR
- El núcleo interior esta compuesto de hierro.
- El núcleo exterior esta compuesto de silicato.
- El manto esta compuesto de Hielo.
GANÍMEDES EN LA FICCIÓN
Debido al interés que suscita Ganímedes como la luna más grande del sistema solar, ha sido elegida como un lugar significativo para el argumento de diversas obras de autores de ficción, notablemente de ciencia ficción. Ejemplos significativos son Navidad en Ganímedes (1940), relato corto de Isaac Asimov; El granjero de las estrellas (1950), de Robert A. Heinlein; The snows of Ganymede (1954), novela de Poul Anderson; Yo visité Ganímedes (1972) y Mi preparación para Ganímedes (1975), de José Rosciano; o Buddy Holly está vivo y sano en Ganímedes (1992), de Bradley Denton. Además, Ganímedes es mencionado puntualmente en multitud de obras más, tanto en libros, como en cine y televisión.
Lisístrata (en griego Λυσιστράτη "la que disuelve el ejército") es una famosa obra de teatro de Aristófanes, dramaturgo de la Grecia Clásica. Las comedias de Aristófanes son de un gran interés histórico, además de su valor literario, ya que gracias a ellas se puede conocer la vida cotidiana de los atenienses. El autor protestó con frecuencia contra la guerra.
En sus obras Lisístrata, Los acarnienses y La paz defendió las soluciones pacíficas contra los demagogos que impulsaban al pueblo a la guerra. En Lisístrata plantea la huelga sexual de las mujeres.
Lisístrata, es representada por primera vez en 411 a. C., se ha convertido en un símbolo del esfuerzo organizado y pacífico a favor de la paz. Por ello, se usó el nombre para el Lysistrata project (Proyecto Lisístrata), acto teatral que se efectuó el lunes 3 de marzo de 2003 de manera simultánea en más de 42 países en favor de la paz. Ese día miles de personas participaron en aproximadamente 700 lecturas dramatizadas de la obra, que se realizaron a beneficio de organizaciones sin fines de lucro, que trabajan por la paz y ofrecen ayuda humanitaria.
ARGUMENTO
Obra representada en el 411, en que la ciudad estaba perdiendo la guerra y sufría a la vez una verdadera guerra civil y la obra nos ofrece la ilusión de la paz. La obra se apoya en antiguos rituales donde enfrentan coros de hombres y mujeres, en el mundo al revés (triunfo de las mujeres sobre los hombres) y el de la huelga sexual de las mujeres. Es esta la estrategia que impone Lisístrata a las mujeres en la escena inicial.
Se siguen una serie de agones: de violencia entre los dos géneros (las primeras se han refugiado en la Acrópolis, que los hombres intentan en vano conquistar). Pero los agones no deciden nada: las mujeres siguen en la Acrópolis, pero ni el Comisario ni el coro de hombres se dejan convencer por los argumentos pacifistas y feministas de la heroína, las mujeres intentan escaparse con diversos pretextos e irse con sus maridos. La estrategia de Lisístrata viene de fuera, los laconios no pueden resistir más tiempo la huelga sexual y van a negociar plenamente erectos. Lisístrata hace de mediadora entre ellos y los atenienses y la paz se consigue. El final celebra la felicidad alcanzada: hay una comida de reconciliación entre atenienses y laconios, se reconcilian también hombres y mujeres y todo concluye entre danzas y cantos.
JURAMENTO INICIAL (fragmento)
Lisístrata: Lampito, todas las mujeres toquen esta copa, y repitan después de mí: no tendré ninguna relación con mi esposo o mi amante. Cleónica: No tendré ninguna relación con mi esposo o mi amante. Lisístrata: Aunque venga a mí en condiciones lamentables. Cleónica: Aunque venga a mí en condiciones lamentables. (¡Oh Lisístrata, esto me está matando!) Lisístrata: Permaneceré intocable en mi casa. Cleónica: Permaneceré intocable en mi casa. Lisístrata: Con mi más sutil seda azafranada. Cleónica: Con mi más sutil seda azafranada. Lisístrata: Y haré que me desee. Cleónica: Y haré que me desee. Lisístrata: No me entregaré. Cleónica: No me entregaré. Lisístrata: Y si él me obliga. Cleónica: Y si él me obliga. Lisístrata: Seré tan fría como el hielo y no le moveré. Cleónica: Seré tan fría como el hielo y no le moveré. (...) Lisístrata: ¿Todas han jurado?. Mirrina: Todas.
1-. Cortar la CEBOLLA MORADA en medios aros, bien finitos. Dejar el PEPINO con la cáscara, cortar a lo largo y luego en medias lunas finas. Retirar las semillas y nervaduras al PIMIENTO, (que es lo que da acidez), y cortar en tiras muy finas.
2-. Cortar los TOMATES en cuartos u octavos, dependiendo de su tamaño. Con mucho cuidado, machacar las ACEITUNAS NEGRAS, retirar el carozo, y cortar al medio. Picar el PEREJIL. Desgranar el QUESO FETA, y reservar tapado para que no se seque.
3-. En una fuente o ensaladera, colocar un poco de LECHUGA CRIOLLA, luego los TOMATES, el PEPINO, la CEBOLLA MORADA y las ACEITUNAS NEGRAS. Continuar con el PIMIENTO, el QUESO FETA, y por último, el PEREJIL picado. Antes de servir, condimentar con un poco de SAL, PIMIENTA, ACEITE DE OLIVA, y jugo de LIMÓN.
El encaje de bolillos es una técnica de encaje textil consistente en entretejer hilos que inicialmente están enrollados en bobinas, llamadas bolillos, para manejarlos mejor. A medida que progresa el trabajo, el tejido se sujeta mediante alfileres clavados en una almohadilla, que se llama "mundillo". El lugar de los alfileres normalmente viene determinado por un patrón de agujeritos en la almohadilla.
El encaje de bolillos se puede realizar con hilos finos o gruesos. Tradicionalmente, se hacía con lino, seda, lana y posteriormente con algodón. También con hilos de metales preciosos. Hoy en día también se realiza con una gran variedad de fibras sintéticas, con alambres u otros filamentos.
Entre los elementos de diseño que se pueden realizar hay tejidos (tela), redes , trenzas, puntillas, cuadros y rellenos, aunque no todos los tipos de encaje de bolillos incluyen todos esos elementos.
Muchos tipos de encaje se inventaron durante la época de apogeo del bordado (aproximadamente entre 1500 y 1700) antes de que las máquinas bordadoras automáticas estuvieran disponibles.
La aparición de la máquina bordadora diseñada por John Heathcoat en 1806 al principio sirvió de acicate a los artesanos para que inventaran diseños más complicados que las máquinas no podían realizar, aunque finalmente la mecanización dejó sin trabajo a los artesanos casi completamente.
La reaparición del bordado es un fenómeno reciente y, en general, es considerado como un hobby, aunque sigue habiendo gremios de artesanos que se reunen periódicamente en lugares como Devonshire (Inglaterra y Orange County (California).
En los pueblos europeos donde el encaje fue una vez una industria importante, en especial, Bélgica, Inglaterra y Francia, las encajeras todavía enseñan su arte y venden sus mercancías, aunque su clientela ya no es la misma, de la nobleza más rica se ha pasado al turista curioso.
Algunos estilos de encaje muy conocidos son:
- Honiton - una variedad inglesa muy delicada, con muchas flores.
- Torchon - muy conocida por sus hermosas redecillas a menudo geométricas.
- Cluny - muy ligero y delicado, con flores, trenzas y puntillas (lazos de hilo muy pequeños).
- Bedfordshire (beds) - tiene líneas que hacen olas y puntillas (para dificultar la copia por máquinas).
- Encaje de Buckinghamshire punto Bucks - muy "entrelazado" con redes de hexágonos característicos y a menudo con hilos "cojos" (un hilo más grueso entrelazado para dar más énfasis)
CAMARIÑAS
El pueblo de Camariñas daba nombre a los encajes de bolillos que se hacían en toda Galicia (España), y que actualmente vuelven a cobrar auge en la región con el apoyo del gobierno autonómico.
Se empleaba el hilo de lino, que se cultivaba abudantemente en Galicia. En la catedral de Toledo, en la primera mitad de siglo XVI, aparecen compras de hilo gallego, lo que parece indicar que se exportaba al resto de la Península.
Es este un encaje del tipo guipur donde las hojas constituyen los elementos básicos de la decoración. Se forman rosas, estrellas, helechos sobre un fondo enrejado hecho con trenzados con virgulitas y cruzados a veces muy complejos que forman vilanos o milanos.
Cuando se utiliza como fondo el punto de gasilla (medio punto, punto de espíritu) se superponen las hojitas de guipur, creando piezas en relieve. Pero también las hay que están hechas solamente con hojas de guipur, sin ningún tipo de fondo.
ENCAJE EN CATALUÑA
Aunque en Cataluña se confeccionaba encaje desde el siglo XVI es a partir del siglo XIX cuando el encaje artesano catalán adquiere un gran prestigio. Diversas empresas de encaje ubicadas en Barcelona o en los pueblos de alrededor realizan trabajos de gran calidad. En Cataluña muchas empresas se especializaron en la realización de piezas en blonda, un encaje realizado en seda y los diseños se caracterizaban por los elementos florales. Esta es la técnica que se utiliza para la realización de las mantillas. Una de las grandes empresas de encaje fue la Casa Fiter de Barcelona, fundada en 1845 que participó en numerosas exposiciones internacionales.
Uno de las técnicas propias de Cataluña es el ret fi o encaje de Arenys, una técnica derivada de la blonda realizada en algodón y de color blanco, con diseños geométricos o de dibujos simples. Esta técnica se aplicaba frecuentemente en la indumentaria religiosa: albas, roquetes.
ENCAJE EN ALMAGRO (CIUDAD REAL)
En el siglo XIX el centro más importante de producción en España de blondas, una variante de encaje de bolillos realizada con hilo de seda, se situaba en Almagro, siendo muy renombrado por sus mantillas. Allí, gran número de fábricas manufactureras rivalizaban entre sí, bien por la colección de dibujos, bien por el número, el gusto artístico o el punteado.
El encaje de bolillos y la blonda constituyen una tradición transmitida de madres a hijas y bien conservada en Almagro y algunos otros municipios del Campo de Calatrava, con la que aún se confeccionan sus renombradas mantillas. Existe en Almagro un Museo de Encaje y Blonda de propiedad municipal.
Una céilidh, ceilidh, céilí (irlandés, pronunciación irlandesa: /ˈceːlʲiː/) o cèilidh (gaélico escocés, pronunciación escocesa: /ˈkʲʰeːli/), en el sentido actual de la palabra, es un festejo con danza tradicional de los pueblos gaélicos (Irlanda y Escocia), aunque hoy día también puede encontrarse en otros países con población descendiente de emigrantes irlandeses y escoceses.
Historia
Antaño se denominaba “céilidh” a un encuentro social de cualquier tipo, sin necesidad de que en éste tuviera lugar una danza. De hecho, muchas de estas ocasiones tenían un carácter no sólo festivo sino también literario, y además de danzar y cantar se recitaban cuentos, poemas, romances, refranes y adivinanzas.
En las últimas décadas su significado ha ido cambiando y hoy “céilidh” hace referencia únicamente a la danza.
Céilidhs modernas
Antes de que aparecieran las discotecas y los clubes nocturnos, se celebraban céilidhs en la mayoría de las ciudades y en los ayuntamientos de los pueblos los viernes o los sábados por la noche. Eran un lugar de encuentro para los jóvenes. Aunque las discotecas y los clubes nocturnos han reemplazado en gran medida a las céilidhs, éstas aún son muy populares en diversas áreas rurales de Irlanda y Escocia, especialmente en las regiones costeras del oeste donde se habla gaélico.
Las céilidhs también se llevan a cabo, a menor escala, en bares o casas, por ejemplo en zonas rurales del interior que se encuentran aisladas, o durante festivales multitudinarios. Es frecuente que algunos clubes e instituciones como clubes deportivos, escuelas y universidades organicen céilidhs de forma regular o al menos anualmente.
La formalidad en éstas puede variar: algunas mezclan música moderna con una banda de danzas folclóricas. En cuanto a la indumentaria, en algunas céilidhs escocesas puede ser obligatorio el uso de la vestimenta de las Highlands, con su famoso kilt. Por lo general, sin embargo, este requisito no es necesario y puede llevarse ropa informal. No es imprescindible conocer los pasos básicos de las danzas. A menudo el baile se alterna con otro tipo de números: canciones, recitales poéticos, cuentacuentos, etcétera.
Los instrumentos más habituales en la música de las céilidhs son el violín, la flauta, el tin whistle, el acordeón, el bodhrán, y en los últimos tiempos también la batería y el bajo eléctrico.
La primera banda de céilidh, tal como la conocemos hoy, se formó en Irlanda gracias a Séamus Clandillon, director musical de Radio Éireann.
La formación de danza más común en las céilidhs es el “set”. Un set consiste en una agrupación de cuatro parejas, con dos parejas situadas frente a otras dos, formando un cuadrado o un rectángulo. Cada pareja intercambia posiciones con la pareja de enfrente y también se intercambian las parejas entre sí, manteniendo los pasos al ritmo de la música en todo momento.
Sin embargo, aproximadamente la mitad de las danzas de las céilidhs escocesas modernas se llevan a cabo en parejas, que bailan alrededor de la sala formando un círculo. Las parejas pueden ser fijas o, para hacer de la danza un encuentro más sociable, la mujer puede ir cambiando de pareja, pasando al siguiente hombre dentro del círculo al final de cada serie de pasos.
En Irlanda, entre las danzas más famosas de este género se encuentran "Siege of Ennis", "The Walls of Limerick" y "The Stack of Barley". Algunas toman su nombre de batallas históricas o algún evento importante; otras, como las tres citadas, de utensilios o acciones cotidianas de la vida rural.
STEP DANCING: "LA DANZA IRLANDESA"
El step dancing es otro estilo de baile presente en las céilidhs. Tiene raíces antiguas y es la forma más compleja de danza irlandesa, popularizada en los años 1990 gracias al conjunto Riverdance, y más tarde gracias al espectáculo Lord Of The Dance. A diferencia del set, que puede bailar cualquier persona independientemente de sus capacidades, el step dancing lo representan bailarines experimentados.
STEP DANCING: "DANZA IRLANDESA"
GRUPO: RIVERDENCE
TEMA: "THE FINAL PERFORMANCE"
Las céilidhs se han internacionalizado gracias a las diásporas escocesa e irlandesa. Podemos encontrar competiciones de música tradicional y céilidhs en países como Canadá, Estados Unidos y Nueva Zelanda.
Céilidhs escocesas modernas
Hoy en día, en Escocia, es muy común organizar céilidhs privadas, normalmente como entretenimiento para una boda, una fiesta de cumpleaños u otro tipo de celebración. En éstas se contrata siempre a una banda, cuyo número de componentes puede variar, pero suele estar entre dos y seis músicos. No sólo los más jóvenes pueden disfrutar de las céilidhs, ya que las danzas pueden variar en velocidad y complejidad para adaptarse a los diferentes grupos de edad y a los distintos niveles de habilidad. Los hombres deben de llevar el "Kilt" o falda escocesa para bailar esta danza. Esta prenda lleva unos colores determinados dependiendo del escudo de armas del apellido del hombre.
BODA ESCOCESA BAILANDO CÉILIDH
También se celebran céilidhs públicas. Todas las universidades de Escocia lo hacen de forma regular. La Universidad de Edimburgo, por ejemplo, organiza más de una por semestre.
Algunas bandas intercalan las danzas de la céilidh con sesiones disco de algún DJ; de este modo, se logra atraer a más público.
Referencias culturales
- En la película I Know Where I'm Going! (1945), los personajes asisten a una céilidh.
- En la película Local Hero (1983), los personajes aparecen en una céilidh.
- En la película The Wind That Shakes the Barley (2006), los personajes aparecen en una céilidh.
- En la película The Magdalene Sisters (2002) se describe una céilidh.
- En la película de Danny Boyle, Shallow Grave (1994), Ewan McGregor y Kerry Fox aparecen en una céilidh.
- Una canción de 1992 del grupo Black 47 se titula "Funky Céilí".
- La famosa banda celta Celtic Woman describe una céilidh en su popular canción "At the Céilí".
- Los Pogues, liderados por Shane MacGowan, incluyen la canción "Céilidh Cowboy" en su álbum The Crock Of Gold.
- La canción "Johnny's Far Away", de Richard Thompson, cuenta la historia de una mujer que es infiel a su marido mientras éste se encuentra de viaje con su banda, que toca en céilidhs.
- La canción “Céilidh” de la banda Real McKenzies describe esta práctica.
- El nombre de la banda Ceili Rain apela directamente al espíritu de las céilidhs.
- En el libro White Male Heart (2001), de Ruaridh Nicoll, hay diversas referencias a las céilidhs.
Running Wild es una banda alemana de heavy/power/speed metal formada en 1976 en Hamburgo, por Rolf Kasparek junto a Uwe Bendig, Michael Hoffmann y Jörg Schwarz bajo el nombre de Granite Heart. No es hasta 1977 cuando se incorpora Wolfgang Hagemann a la batería y Matthias Kaufmann al bajo cuando se consolidan con el nombre de Running Wild. El grupo ha experimentado gran número de cambios en su formación, siendo el cantante y guitarrista "Rock'n'Rolf" Kasparek el único miembro que ha permanecido desde sus inicios, y el principal compositor.
Running Wild es considerado uno de los grupos fundadores del estilo europeo de Speed/Power metal de los ochenta y uno de los referentes de la escena heavy metal de Hamburgo junto con Helloween, Gamma Ray, Metalium y Iron Savior. Además de ser la primera banda de metal en incorporar temática pirata en su música, lo cual influiría en bandas como Alestorm y Swashbuckle para el denominado Metal Pirata.
Historia
Primeros álbumes
En 1984 aparece el EP Victim of States Power, y el primer álbum, Gates To Purgatory, seguidos de Branded and Exiled en 1985, primer disco con el guitarrista Majk Moti, por aquella época las temáticas del grupo fluctuaban entre lo épico y lo pseudo-satánico, lo que no les diferenciaba de tantos otros conjuntos de heavy metal.
En 1987 la banda lanzó Under Jolly Roger, que iba a ser uno sus álbumes clave, ya que si bien era musicalmente similar a los dos primeros discos, la temática de la banda comenzó a centrarse en historias clásicas de piratería, de entre los siglos XVI-XVIII, comenzando con la canción homónima, que hace mención a la famosa bandera pirata representada con una calavera y dos huesos cruzados (Jolly Roger). Este disco marcaría el vuelco definitivo de Running Wild hacia estas temáticas histórico-épicas, con hincapié en los relatos de filibusteros, lo cual vendría a ser el sello estilístico del grupo.
Época clásica
En los siguientes años, de 1988 a 1992, los discos Port Royal, Death or Glory, Blazon Stone y Pile of Skulls señalarían la época clásica del grupo, consagrándolo en el mundillo del heavy metal europeo, gracias a su combinación de canciones de base histórica y sonido Power/Speed metal épico. Además de las canciones de piratas, donde se retrata a personajes de la edad de oro de la piratería, como Calico Jack, William Kidd, Klaus Störtebeker o el poco conocido Henry Jennings, la banda también abarcó temas históricos de diversa índole, como la Guerra de las Dos Rosas, la batalla de Waterloo, la batalla de Little Big Horn o la colonización del Nuevo Mundo por los conquistadores.
RUNNING WILD
"PORT ROYAL"
A partir del álbum Black Hand Inn (1994), narrativas históricas simples dieron paso a cada vez más complejos arreglos de historias interrelacionadas, junto a temas esotéricos que pasaron a primer plano, por ejemplo "Genesis (The Making and the Fall of Man)" de Black Hand Inn, tema de más de 15 minutos de duración. Los cambios de formación se hicieron cada vez más frecuentes, y esto condujo gradualmente a Running Wild a convertirse en un proyecto personal de Rolf Kasparek como único miembro fijo, más eventuales colaboradores.
Años siguientes y nuevo milenio
En 1995 Running Wild lanzó Masquerade, el primer disco de una ambiciosa trilogía que se completa con The Rivalry (1998) y Victory (2000). Estos tres álbumes tratan de la lucha del bien contra el mal: Masquerade trata sobre el desenmascaramiento del mal, The Rivalry se ocupa de la lucha entre el bien y el mal, y Victory narra el triunfo del bien sobre el mal. Esta trilogía marcó el fin de la cooperación con el baterista Jörg Michael, quien fuera parte también de la banda finlandesa Stratovarius, entre otras.
The Brotherhood fue lanzado en 2002, y a pesar de contar con una tibia recepción, ha sido uno de los álbumes más exitosos de la banda. Le siguió Rogues en Vogue, de 2005, trabajo más variado que su predecesor, el cual fue compuesto y grabado por Rolf Kasparek en su "Jolly Roger Studio", y marcó el fin de la cooperación entre Gun Records y Running Wild.
Un concierto despedida tuvo lugar en el marco del festival Wacken Open Air, el 30 de julio de 2009, después de lo cual la banda se tomó un descanso bien merecido, no obstante Running Wild regresó en 2012 con Shadowmaker, siempre de la mano de Kasparek, siendo un álbum de regreso bastante flojo, seguido de su decimoquinto disco de estudio Resilient (2013), lanzado bajo el sello alemán SPV Records. En el 2016 lanzaron su decimosexto disco de estudio titulado Rapid Foray.
Compositor alemán nacido en el seno de una familia de origen flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso éxito.
La verdadera vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Bach, músico al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.
Ludwig van Beethoven
Miembro de la orquesta de la corte de Bonn desde 1783, en 1787 Ludwig van Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada.
En 1792 Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y Antonio Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto que tuvo lugar en 1795 con gran éxito. Su carrera como intérprete quedó bruscamente interrumpida a consecuencia de la sordera que comenzó a afectarle a partir de 1796 y que desde 1815 le privó por completo de la facultad auditiva.
Los últimos años de la vida de Beethoven estuvieron marcados también por la soledad y una progresiva introspección, pese a lo cual prosiguió su labor compositiva, e incluso fue la época en que creó sus obras más impresionantes y avanzadas.
Obras de Ludwig van Beethoven
La tradición divide la carrera de Beethoven en tres grandes períodos creativos o estilos, y si bien el uso los ha convertido en tópicos, no por ello resultan menos útiles a la hora de encuadrar su legado.
La primera época abarca las composiciones escritas hasta 1800, caracterizadas por seguir de cerca el modelo establecido por Mozart y Haydn y el clasicismo en general, sin excesivas innovaciones o rasgos personales. A este período pertenecen obras como el célebre Septimino o sus dos primeros conciertos para piano.
Una segunda manera o estilo abarca desde 1801 hasta 1814, período este que puede considerarse de madurez, con obras plenamente originales en las que Ludwig van Beethoven hace gala de un dominio absoluto de la forma y la expresión (la ópera Fidelio, sus ocho primeras sinfonías, sus tres últimos conciertos para piano, el Concierto para violín).
La tercera etapa comprende hasta la muerte del músico y está dominada por sus obras más innovadoras y personales, incomprendidas en su tiempo por la novedad de su lenguaje armónico y su forma poco convencional; la Sinfonía n.º 9, la Missa solemnis y los últimos cuartetos de cuerda y sonatas para piano representan la culminación de este período y del estilo de Ludwig van Beethoven.
En estas obras, Beethoven anticipó muchos de los rasgos que habían de caracterizar la posterior música romántica e, incluso, la del siglo XX. La obra de Ludwig van Beethoven se sitúa entre el clasicismo de Mozart y Haydn y el romanticismo de un Schumann o un Brahms . No cabe duda que, como compositor, señala un antes y un después en la historia de la música y refleja, quizá como ningún otro –a excepción de su contemporáneo Francisco de Goya–, no sólo el cambio entre el gusto clásico y el romántico, entre el formalismo del primero y el subjetivismo del segundo, sino también entre el Antiguo Régimen y la nueva situación social y política surgida de la Revolución Francesa.
Efectivamente, en 1789 caía La Bastilla y con ella toda una concepción del mundo que incluía el papel del artista en su sociedad. Siguiendo los pasos de su admirado Mozart, Ludwig van Beethoven fue el primer músico que consiguió independizarse y vivir de los encargos que se le realizaban, sin estar al servicio de un príncipe o un aristócrata, si bien, a diferencia del salzburgués, él consiguió triunfar y ganarse el respeto y el reconocimiento de sus contemporáneos.
Aquí podrán disfrutar con su NOVENA SINFONÍA, también llamada, HIMNO A LA ALEGRÍA, y que es el Himno oficial de la UNIÓN EUROPEA.
